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Les baby-boomers savent que leur héritage musical fait des envieux. Il suffit de comparer les artistes contemporains à des légendes telles que Marvin Gaye, Stevie Wonder, The Beatles, The Beach Boys, The Rolling Stones, Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Pink Floyd, David Bowie, Queen, Creedence Clearwater Revival ou encore Black Sabbath. Cette génération, née entre 1946 et 1964, a véritablement tiré le gros lot musical. Et parmi tous ces chefs-d’œuvre, certains titres confèrent aux boomers un droit de vantardise absolu.
Face à un tel catalogue, sélectionner seulement cinq morceaux relève du défi. Il a fallu retenir des œuvres qui n’étaient pas seulement excellentes à leur sortie, mais qui le restent pour l’éternité. Chaque titre devait posséder une qualité transcendante, marquante pour cette génération durant son enfance, son adolescence ou sa vingtaine, que ce soit par sa composition, sa production ou son thème. Ces sélections devaient également être indissociables de leur époque et comporter des parties vocales, excluant ainsi les chefs-d’œuvre instrumentaux d’artistes comme Miles Davis.
Yesterday — The Beatles
Il était impensable de ne pas inclure The Beatles dans cette sélection. Ils ne sont pas simplement l’un des groupes les plus influents, ils sont le groupe le plus influent de tous les temps. Qu’il s’agisse de l’utilisation de techniques de production sonore inédites, de l’invention du clip vidéo, de la définition même de la « rock star » à l’échelle mondiale, ou de l’écriture des chansons les plus mémorables du XXe siècle, ils ont redéfini le paysage musical. Si presque n’importe quel titre aurait pu faire l’affaire, c’est « Yesterday », issu de l’album « Help » paru en 1965, qui s’impose.
« Yesterday » est une œuvre hybride, mêlant les arpèges folk que l’on retrouvera dans « Blackbird » et les sections de cordes caractéristiques de « Eleanor Rigby ». Il s’agit fondamentalement d’une performance en solo de Paul McCartney. C’est une chanson parfaite : poignante mais jamais mièvre, d’une durée idéale pour marquer les esprits sans s’éterniser. Sa mélodie est si précise que l’on pourrait reprendre la célèbre citation du film « Amadeus » sorti en 1984 : « Déplacez une note, et il y aura une diminution. Déplacez une phrase, et la structure s’effondrera. »
Les autres membres des Beatles estimaient d’ailleurs que le morceau n’avait besoin d’aucun autre instrument que la voix et la guitare de McCartney. L’anecdote raconte que ce dernier s’est réveillé un matin avec la mélodie en tête, persuadé qu’il s’agissait d’un vieil air folk qu’il avait oublié. Une légende parfaite pour un morceau mythique.
Superstition — Stevie Wonder
Il est impossible d’évoquer les origines de la soul, du R&B ou de leurs dérivés modernes sans parler de Stevie Wonder. Le terme « génie » est souvent galvaudé, mais il l’incarne pleinement. Signé par Motown Records à seulement 11 ans, il entame à 22 ans sa « période classique » (1972-1976), durant laquelle il livre des albums magistraux comme « Talking Book », « Music of My Mind », « Innervisions », « Fulfillingness’ First Finale » et « Songs in the Key of Life ». Le titre « Superstition », issu de « Talking Book » (1972), se distingue par sa composition redoutablement accrocheuse et son innovation technique.
Dès les premières notes, le riff principal est reconnaissable entre mille. Il ne s’agit pas d’un piano classique, mais d’un clavinet, un piano électrique inspiré du clavicorde, dont la sonorité rappelle celle d’une basse jouée en slap. Le clavinet insuffle un groove inimitable, accentuant la rythmique atypique de la chanson. C’était la première fois que cet instrument tenait un rôle central dans un immense succès pop, porté par une ligne vocale inoubliable.
À l’origine, Stevie Wonder avait écrit ce titre pour le guitariste Jeff Beck, en échange de sa participation sur un autre morceau de l’album. C’est le directeur de la maison de disques, Berry Gordy, qui a senti le potentiel du titre et a insisté pour que Wonder l’interprète lui-même. Une excellente intuition.
War Pigs — Black Sabbath
Si le groupe Steppenwolf a utilisé l’expression « heavy metal » pour la première fois en 1968, c’est bien Black Sabbath qui a posé les fondations du genre. Sans eux, une grande partie de la lignée musicale menant aux sous-genres modernes du metal, notamment le doom metal, n’existerait tout simplement pas. Et cela doit beaucoup au style de jeu singulier du guitariste Tony Iommi, né d’un accident lui ayant sectionné le bout des doigts.
Le titre « War Pigs », en ouverture de leur deuxième album « Paranoid » (1970), ne met pas seulement en valeur la guitare de Iommi. Il fusionne les influences jazz du batteur Bill Ward, les lignes de basse syncopées de Geezer Butler et la voix passionnée d’Ozzy Osbourne. Le résultat est une session musicale puissante, engagée et tellement avant-gardiste qu’elle surpasse encore aujourd’hui de nombreuses productions contemporaines.
Bien sûr, l’émergence de Black Sabbath s’est faite au sein d’une scène underground britannique bouillonnante à la fin des années 60, aux côtés de groupes proto-metal comme High Tide et Gun. Un argument de plus pour les baby-boomers, qui ont grandi avec la génération ayant donné naissance à ce courant majeur.
Mercy Mercy Me (The Ecology) — Marvin Gaye
Sorti en 1971, l’album « What’s Going On » de Marvin Gaye est un chef-d’œuvre de la soul, d’une perfection absolue, à la fois émouvant et musicalement foisonnant. Gaye s’y surpasse, et pas uniquement grâce à ses textes engagés. Chaque piste regorge de rythmiques syncopées, d’harmonies raffinées et d’une approche avant-gardiste. « Mercy Mercy Me (The Ecology) » illustre parfaitement cette maîtrise : il est impossible de l’écouter sans en ressentir toute l’âme.
L’écoute au casque révèle toute la richesse de l’arrière-plan sonore. Les accords de guitare staccato dansent avec la progression du piano et la ligne de basse, tandis que Gaye assure lui-même la mélodie et les chœurs, le tout sublimé par un solo de saxophone. C’est un morceau qui invite aussi bien à bouger qu’à fermer les yeux pour se laisser bercer.
Pourtant, le texte est empreint d’une profonde mélancolie. Gaye y chante la disparition des cieux bleus et les vents empoisonnés soufflant de toutes parts. Il s’agit d’un hymne écologiste, d’où le sous-titre de la chanson, livré avec une sincérité totale, sans jamais paraître moralisateur.
Time — Pink Floyd
Pour mesurer l’impact de Pink Floyd, pionniers du rock progressif, il suffit de se pencher sur leur album de 1973, « The Dark Side of the Moon ». Vendu à 50 millions d’exemplaires, il représente le plus grand succès commercial des années 70 et est resté classé dans le Billboard Top 200 pendant 14 ans. Récemment encore, le magazine Forbes rapportait la vente de près de 10 671 copies vinyles en édition limitée lors du Record Store Day aux États-Unis en mai 2024. Mais les chiffres ne suffisent pas à résumer la profondeur de leur œuvre, et le titre « Time » en est la preuve éclatante.
Le morceau débute dans une atmosphère onirique, parsemée de carillons, de percussions étranges et d’accords soutenus. Mais après deux minutes et demie, il bascule vers un rock psychédélique porté par un riff de guitare percutant et funky. Cette fusion entre expérimentation et accessibilité définit non seulement « Time », mais l’essence même de Pink Floyd.
Les paroles abordent des thèmes universels avec une acuité redoutable, évoquant le temps qui file inexorablement et la condition humaine face à la vieillesse. La production, d’une netteté absolue, donne l’impression que les instruments sont à portée de main. « Time » est ainsi un morceau d’une excellence infinie, à l’image de l’éternité que son titre suggère.