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On pourrait croire que passer une journée entière avec un comédien professionnel est une expérience des plus amusantes. Après tout, ces artistes figurent souvent parmi les créateurs de divertissement les plus drôles et les plus célèbres au monde. Lorsque les producteurs de télévision et de cinéma sollicitent leur talent pour en faire des stars à l’écran, le résultat est généralement une comédie de grande qualité.
L’humour, par nature, est joyeux et positif, et le rire demeure l’un des plaisirs universels les plus appréciés. Pourtant, les comédiens dont le métier est de faire rire — qu’ils soient stand-up, vedettes de sitcoms ou acteurs réunissant des sketchs ou des superproductions — prennent leur rôle d’amuseur très au sérieux. Concevoir une œuvre comique demande un travail intense, une rigueur artistique et un vrai dévouement pour toucher le public.
Ainsi, les personnalités de ces figures humoristiques ne correspondent pas toujours aux personnages qu’ils incarnent sur scène ou à l’écran. Il arrive même fréquemment qu’ils soient tout le contraire de leurs rôles.
Explorer la psychologie et le caractère des grands comiques est une aventure fascinante. Peu de personnes les connaissent aussi bien que leurs collègues comédiens et acteurs, ainsi que ceux qui ont eu la chance de les observer à l’œuvre. Voici ce que leurs anciens co-stars révèlent sur les véritables tempéraments des comiques les plus célèbres du cinéma et de la télévision.
Robin Williams
Le talent extravagant de Robin Williams s’est parfaitement illustré dans la sitcom extraterrestre des années 70, Mork and Mindy. Dans les années 90, il devient une star incontournable du cinéma, passant habilement de comédies comme Madame Doubtfire à des drames tels que Will Hunting. Sa générosité humaine marquait profondément ses collègues.
Pam Dawber, sa partenaire dans Mork and Mindy, racontait qu’il n’était jamais compétitif ni centré sur le fait de décrocher toutes les bonnes répliques. Pour Williams, le jeu restait avant tout un plaisir, alimenté par une grande générosité.
Lors du tournage de Madame Doubtfire, l’actrice adolescente Lisa Jakub fut expulsée de son école, et Williams se mobilisa pour elle. Il écrivit une lettre touchante pour convaincre l’établissement de lui ouvrir à nouveau ses portes, soulignant sa personnalité et son professionnalisme.
Avec Mara Wilson, autre actrice enfant de ce film, Robin Williams partageait cette capacité instinctive à déclencher le rire. Il n’hésitait jamais à tout faire pour divertir et soutenir les plus jeunes acteurs sur le plateau.
En 1998, il remporte l’Oscar du meilleur acteur dans un second rôle pour Will Hunting, une victoire amplement méritée selon Matt Damon, co-vedette et scénariste du film. Damon confiait que Robin Williams avait non seulement donné vie au projet en acceptant d’y participer, mais aussi apporté une joie profonde dont il garde un souvenir impérissable.
Tim Allen
Tim Allen, l’une des plus grandes stars des années 1990, est passé de comédien de stand-up à acteur à succès, dominant alors le box-office et les audiences télé grâce à des œuvres comme The Santa Clause et Home Improvement. En 2022, il a relancé The Santa Clause avec la série Disney+ The Santa Clauses. Parmi ses partenaires, Casey Wilson, actrice connue pour son passage à Saturday Night Live qu’elle détestait, a joué le rôle de Sara, l’adulte d’un enfant visité par le Père Noël incarné par Allen dans le film original de 1994.
Près d’un an après la sortie de la nouvelle série, Casey Wilson a confié sur le podcast B*** Sesh son expérience sur le tournage : « Tim Allen était un véritable enfoiré. C’est clairement la pire expérience que j’ai eue avec un co-vedette. » Elle a précisé que durant le tournage, Allen s’était plaint à un producteur de la manière dont elle récitait ses répliques, et ce, devant elle. « Il était incroyablement impoli, ne croisait jamais mon regard, ne disait rien. C’était très gênant. »
En 2023, Pamela Anderson, co-star de Home Improvement, a révélé dans ses mémoires Love, Pamela un épisode choquant où Allen s’était exhibé devant elle, revendiquant une certaine familiarité grâce à ses apparitions dans Playboy : « Le premier jour du tournage, je suis sortie de ma loge et Tim était dans le couloir, en peignoir. Il a ouvert son peignoir et m’a montré son corps entièrement nu. Il a dit que c’était juste pour équilibrer, parce qu’il m’avait déjà vue nue. Maintenant, on était à égalité. J’ai ri, mais avec malaise. »
Brett Butler
Dans les années 1980 et au début des années 1990, les producteurs de sitcoms à la télévision puisaient largement dans la scène des clubs de comédie pour dénicher de nouveaux talents. De nombreux humoristes ont ainsi vu leur spectacle adapté en sitcom, à l’image de Brett Butler. Cette humoriste acérée et mère célibataire en convalescence d’alcoolisme, originaire du Sud des États-Unis, incarnait un personnage proche d’elle-même, Grace Kelly, dans la série Grace Under Fire. Dès son lancement en automne 1993 sur ABC, la série remporte un succès immédiat.
Pour soutenir Brett Butler, alors nouvelle venue, le casting a été complété par des acteurs expérimentés, dont Julie White, lauréate d’un Tony Award, qui jouait le rôle de Nadine Swoboda, la meilleure amie et voisine de Grace. Julie White confiait au Chicago Tribune que « Brett a été très importante pour que je sois choisie dans ce rôle, mais, Dieu lui pardonne, elle était complètement perturbée. »
En 1996, les problèmes de dépendance de Brett Butler réapparaissent, conduisant à l’arrêt du tournage pour permettre à l’actrice de suivre un traitement contre son addiction aux analgésiques. La situation sur le plateau devint rapidement invivable pour Julie White, qui fut libérée de son contrat peu avant l’annulation de la série, notamment à cause du comportement instable de la star. À ce propos, elle décrivait l’expérience comme « un travail épouvantable » dans une interview avec Backstage.
Dave Thomas, connu pour ses sketches dans l’émission SCTV, participait également à la sitcom, incarnant le rôle de Russell Norton, l’intérêt amoureux de Grace. Il relate plus tard dans une interview que « c’était une série difficile à faire, parce que Brett était très instable. Je suis resté uniquement parce que je gagnais bien ma vie. »
Jerry Seinfeld
« Seinfeld » est unanimement reconnu comme l’une des sitcoms les plus innovantes et emblématiques de l’histoire de la télévision. Lancée en 1989, dans un paysage télévisuel dominé par des comédies familiales sentimentales, la série a adopté une approche radicale : « pas de câlins, pas de leçons ». Elle narre les histoires entrecroisées de quatre New-Yorkais acerbes, cyniques et égocentriques, aux prises avec les détails anodins du quotidien.
S’inspirant en partie de l’humour d’observation du co-créateur Jerry Seinfeld, la série s’est souvent concentrée sur un duo comique : le Seinfeld fictif, face à son double comique dans le personnage de George Costanza. Ce dernier, incarné pendant neuf saisons par Jason Alexander, est un nerd colérique et délirant, véritable miroir déformant de Seinfeld.
Malgré le succès monumental, les Emmy Awards et les audiences record, Jason Alexander a révélé qu’il n’avait pas noué de liens personnels profonds avec ses co-stars. Sur le podcast « Breaking Bread », il explique que la seule personne du quatuor avec qui il a réellement créé une proximité est Julia Louis-Dreyfus. Jerry Seinfeld, quant à lui, semblait trop absorbé par l’écriture et la production pour tisser des amitiés solides.
« Il venait, on s’amusait, il y avait beaucoup de rires, mais je n’étais pas un confident », confie Alexander. Par conséquent, il n’a pas fréquenté Seinfeld en dehors du plateau, et reconnaît ne pas vraiment le connaître intimement. Cette distance contraste avec l’image chaleureuse que la série véhiculait, révélant une réalité plus réservée derrière les projecteurs.
Redd Foxx était déjà une légende de la comédie grâce à ses spectacles de stand-up et à une série de disques underground et audacieux, bien avant de devenir la star de la série « Sanford and Son » dans les années 1970. En 1991, il fit un retour remarqué dans les sitcoms en tête d’affiche de « The Royal Family » sur CBS. Avant de rejoindre la liste tragique des comédiens disparus en tournage à la suite d’une crise cardiaque, Foxx incarnait Al Royal, un retraité récent confronté à la présence envahissante de sa fille récemment divorcée, revenue vivre avec ses trois enfants. La chanteuse et actrice Della Reese jouait le rôle de Victoria, l’épouse du personnage de Foxx.
Dans les décennies précédant sa mort, Foxx dut faire face à d’importantes dettes fiscales non réglées et à d’autres difficultés financières. Della Reese, son amie proche depuis de nombreuses années, imputait cette situation à sa générosité sans limite. « La raison pour laquelle Redd Foxx était fauché, c’est que si quelqu’un venait le voir et qu’il voyait son besoin, il plongeait la main dans sa poche pour lui donner quelque chose », expliquait-elle.
Près de quarante ans plus tôt, Reese avait fait la connaissance de Foxx dans un club où il devait enchaîner plusieurs représentations. Lorsqu’il apprit que Reese était sans emploi, il simula une blessure au dos afin que son amie puisse le remplacer sur scène. « Ce n’était pas qu’envers moi, c’était envers tout le monde. Il aimait les gens », confiait-elle. « Il voulait aider, faire pour les autres. »
Garry Shandling
Bob Odenkirk possédait déjà un parcours impressionnant dans l’univers de la comédie lorsqu’il fut recruté en 1993 pour incarner le détestable agent de talents Stevie Grant dans The Larry Sanders Show. Sa carrière comptait des collaborations avec Chris Farley sur la scène du théâtre comique — notamment la création du célèbre personnage « Matt Foley, conférencier inspirant » — ainsi que des contributions à Saturday Night Live, sans oublier son rôle et ses apparitions dans The Ben Stiller Show, qui lui valurent un Emmy Award.
Être aux côtés de Garry Shandling, figure emblématique de The Larry Sanders Show, donna à Odenkirk l’envie de se surpasser. Cette série HBO offrait un regard inédit sur les coulisses d’une émission de talk-show en fin de soirée, avec Shandling à la fois co-créateur et acteur principal. Cette œuvre marquait une étape dans une carrière jalonnée de succès pour Shandling, pionnier du stand-up dans les années 1970 et acteur créateur du show innovant et méta It’s Garry Shandling’s Show dans les années 1980, célèbre pour sa rupture de la quatrième muraille.
En mars 2016, Garry Shandling s’éteignit à l’âge de 66 ans. Bob Odenkirk exprima son émotion sur la plateforme X (anciennement Twitter) : « Très triste de dire adieu si brutalement. Garry était une voix directrice dans le monde de la comédie. Il a fixé la barre, et nous essayons tous encore de l’atteindre. Il nous a offert à tous des opportunités pour apprendre à réaliser notre meilleur travail. »
Il ajouta à People : « Mais plus encore, durant ces dernières années où je l’ai connu, c’était quelqu’un qui ne cessait de chercher à devenir une meilleure personne. C’est une autre façon dont il m’a inspiré, ainsi, j’en suis sûr, que beaucoup d’autres qui l’ont côtoyé. »
Après des décennies passées sur scène en tant que comique de stand-up avec des succès variables, Rodney Dangerfield a fait ses débuts au cinéma en 1980 avec le film Caddyshack. Il y jouait aux côtés d’une troupe de jeunes comédiens issus principalement de compagnies de théâtre et de l’émission Saturday Night Live. Pourtant, Dangerfield, qui a laissé un message hilarant gravé sur sa pierre tombale après sa mort en 2004, n’avait jusqu’alors joué que dans un seul autre film, dix ans auparavant.
Michael O’Keefe, qui incarnait le caddie ambitieux Danny Noonan, confiait dans A Futile and Stupid Gesture : « Dieu bénisse Rodney, mais il ne comprenait pas vraiment comment faire un film. Harold Ramis [le réalisateur] a dû le prendre par la main à chaque étape. » À l’appel du « action », Dangerfield avait du mal à réciter ses répliques, préférant répondre à « fais ton numéro ».
Malgré ces difficultés, Rodney Dangerfield devint une véritable star du cinéma des années 1980. Professionnel chevronné et élégant, il démontra ses qualités sur le tournage de la comédie sportive Ladybugs, sortie en 1992. Jackée Harry, sa partenaire dans ce film, se souvenait : « Quel gentleman il était, et quel homme d’expérience. Il savait parfaitement comment me traiter avec respect, ce dont j’avais besoin pour me sentir à l’aise sur le plateau. » Toutefois, lors d’un moment de détente, il l’a poussée hors de sa zone de confort en lui faisant faire deux minutes de stand-up.
Chevy Chase
Chevy Chase, comédien emblématique, fut le premier membre original du casting à quitter l’émission « Saturday Night Live », dont il fut également la première véritable star révélée. Il est revenu régulièrement animer l’émission au fil des décennies. Pourtant, avant une apparition en 1985, il est rapporté qu’il aurait harcelé sexuellement Terry Sweeney, un membre ouvertement gay du casting, et qu’il aurait proposé un sketch récurrent où l’acteur serait pesé chaque semaine, supposant que celui-ci s’affaiblirait à cause du VIH/SIDA.
Terry Sweeney confie dans l’ouvrage Live from New York: The Complete Uncensored History of ‘Saturday Night Live.’ : « Il était vraiment furieux d’avoir dû s’excuser auprès de moi. » Selon lui, Chase se comportait horriblement non seulement avec lui, mais avec tout le monde. Le comédien Tim Meadows a comparé le retour de Chase en 1995 à « un accident de voiture », tandis que Will Ferrell l’a qualifié de « pire animateur » de l’histoire de l’émission.
Sur le tournage de la série « Community », Chase n’a pas non plus noué beaucoup d’amitiés. Le showrunner Dan Harmon rapporte que Chase interrompait régulièrement les scènes de son collègue Donald Glover et proférait des remarques racistes à l’encontre de l’acteur noir. Glover a ainsi déclaré au magazine The New Yorker : « Je voyais juste Chevy se battre contre le temps — un véritable artiste doit pouvoir accepter la fin de son règne. Je ne peux rien pour lui s’il se débat dans l’eau, mais je sais qu’il y a un humain quelque part en lui. »
Bill Murray
Au fil des années, Bill Murray s’est forgé une réputation presque mythique, incarnant l’acteur comique décontracté et malicieux visible dans des classiques du cinéma comme Caddyshack, Stripes, Tootsie, Ghostbusters, Scrooged ou encore Kingpin. Sa manière de flotter à travers la vie lui vaut le surnom d’invité incontrôlable et imprévisible, à l’origine d’innombrables anecdotes à la fois vraies et difficilement croyables.
Cependant, certains de ses anciens collègues nuancent cette image de faiseur de chaos joyeux. Richard Dreyfuss, qui a partagé l’affiche avec Bill Murray dans What About Bob?, n’hésite pas à qualifier l’acteur d’« ivrogne irlandais au comportement brutal ». Il se souvient d’une confrontation tendue où Murray lui a crié au visage : « Tout le monde te déteste ! On te tolère à peine ! »
Les témoignages de Lucy Liu, sa partenaire sur le tournage de Charlie’s Angels, révèlent également une atmosphère conflictuelle. Selon elle, Murray multipliait les insultes durant les scènes, avec un langage qu’elle juge « inexcusable et inacceptable », refusant de rester silencieuse face à ces agressions verbales répétées.
Quant à Anjelica Huston, son expérience avec Murray sur le film Life Aquatic fut tout aussi difficile. Elle confie que l’acteur a été « désagréable » à son égard, à tel point qu’il a invité tout le casting à dîner sauf elle, marquant une exclusion délibérée au sein du groupe.
Maria Bamford
Figure emblématique de la scène alternative de la comédie dans les années 1990 et 2000, Maria Bamford a contribué à populariser un style confessionnel, parfois loin des éclats de rire classiques, abordant des sujets délicats comme la santé mentale et la culture de l’aide personnelle. Sa notoriété a grandi notamment grâce aux tournées « Comedians of Comedy » aux côtés de Patton Oswalt et Zach Galifianakis, ainsi qu’à ses apparitions dans des séries comiques populaires telles que Arrested Development ou des dessins animés comme Adventure Time.
Bamford a ensuite co-créé et joué dans sa propre série semi-autobiographique et d’une franchise particulièrement brutale, Lady Dynamite, diffusée sur Netflix. Elle y explore avec honnêteté et vulnérabilité son parcours personnel, sans jamais sombrer dans l’auto-apitoiement.
Pour le rôle de Bruce, l’agent quelque peu maladroit de son personnage, Maria Bamford et le scénariste Mitchel Hurwitz ont fait appel au comédien Fred Melamed, leur unique choix. Melamed et Bamford sont devenus amis durant le tournage de la sitcom Benched, qui n’a connu qu’une brève existence. Selon Melamed, « les comédiens ont souvent une carapace dure, mais pas elle. Elle est très sincère, nue dans ses émotions, vulnérable mais jamais dans la plainte. Elle est simplement elle-même. Je l’ai beaucoup appréciée. »
Il souligne aussi la rigueur de Bamford dans son travail malgré les défis personnels : « Elle doit gérer plusieurs choses, prend des médicaments et aime faire une sieste à midi. Si je n’étais pas si pris par mon déjeuner, j’en ferais autant. Elle possède donc quelques petites limitations, mais cela ne l’empêche pas d’être pleinement engagée. »
Phil Hartman
Phil Hartman était reconnu pour sa capacité à tout faire, ce qui lui assurait une charge de travail exceptionnelle. Le comédien Jon Lovitz a confié dans « Live from New York : An Uncensored History of ‘Saturday Night Live.' » qu’Hartman était son partenaire de scène préféré, presque comme un frère aîné. Il l’admirait profondément et aimait son côté chaleureux qui faisait penser à une grand-mère enthousiaste, toujours capable de rendre les autres meilleurs.
Les acteurs présents à la fin des années 1980 et au début des années 1990 à « Saturday Night Live » partageaient ce sentiment, illuminés par la personnalité et le professionnalisme de Hartman, dont la vie a tragiquement pris fin.
Jan Hooks a révélé que Phil Hartman avait été un pilier essentiel pour elle dans les moments difficiles, le qualifiant de véritable soutient.
Mike Myers, lui aussi admiratif, racontait : « Je vénérais Phil. Je le considérais comme un modèle. Il était extrêmement drôle et d’un soutien infatigable. Sa persévérance dans les sketches et son éthique de travail étaient incroyables. »
Surnommé « la colle » sur le plateau de « SNL », Hartman était connu pour rassembler et motiver les équipes. Myers se souvenait de sa générosité envers les jeunes scénaristes, défendant vigoureusement leurs idées lors des lectures. Après chaque lecture, les collègues chuchotaient « colle, colle, colle », témoignant de son rôle central et fédérateur.
Will Ferrell
Après sept années marquantes, Will Ferrell quitte « Saturday Night Live » en 2002 pour se consacrer immédiatement à une carrière cinématographique. Lors de son ultime épisode, ses camarades de « SNL » lui rendent hommage avec des monologues empreints d’émotion. Ana Gasteyer confie : « J’ai travaillé avec Will pendant six ans, et c’est de loin la meilleure expérience de ma vie, et probablement celle que je vivrai. Il diffusait la joie autour de lui à chaque instant. »
Tina Fey ajoute : « J’adorais regarder Will dans un sketch raté, sans aucun rire, parce qu’il ne baissait jamais les bras. C’est le performeur le plus intrépide que j’ai jamais vu. » Chris Parnell, quant à lui, révèle avec humour la raison d’une longue absence dans l’équipe : « C’est vrai. Ce show m’a viré, puis réembauché. C’était une première. Will Ferrell a rendu cela possible. Comment pourrais-je le remercier ? Il n’était pas seulement un artiste exceptionnel, il était mon ami. »
Parmi les premiers succès marquants de Ferrell, la comédie de Noël « Elf » s’impose, où il incarne un personnage naïf face au dur à cuire James Caan, son père biologique. Cependant, Caan ne partageait pas le même enthousiasme pour les pitreries de Ferrell. Sur le podcast « MeSsy », Ferrell raconte : « Entre deux prises, il me disait : ‘Je ne te comprends pas. Tu n’es pas drôle.’ Je pense que cette animosité transparaît à l’écran dans la tension entre nos personnages. Ce que j’adore, c’est qu’il ne joue pas la comédie, il est vraiment agacé par moi. »
Catherine O’Hara
Catherine O’Hara et Eugene Levy ont tous deux trouvé la notoriété grâce à la série de sketches comiques « SCTV ». Ils ont par la suite collaboré sur des films comme « Best in Show » et « A Mighty Wind », avant d’incarner respectivement Johnny et Moira Rose dans la série « Schitt’s Creek ». Eugene Levy a co-créé cette série avec son fils Dan Levy, tandis que Catherine O’Hara a initialement refusé le rôle avant de finalement l’accepter, contribuant grandement à façonner la série.
Eugene Levy expliquait à The Hollywood Reporter : « Quand on fait de la comédie, il est essentiel de travailler avec les meilleures personnes. C’est difficile quand ce n’est pas le cas. En fin de compte, on veut des collaborateurs très compétents dans ce style particulier de comédie et dans le travail de personnage. » Il ajoutait : « Catherine incarne un personnage formidable et très drôle qui a essentiellement dicté la nature de la relation à l’écran. Mais, honnêtement, c’est grâce à son travail approfondi sur ce personnage qu’elle a réussi à ouvrir la voie pour ce couple à l’écran. »
Quant à Annie Murphy, elle racontait à Variety que malgré le talent d’improvisation évident de Catherine O’Hara, « Schitt’s Creek » était presque entièrement scénarisé. Elle disait : « Il y a des moments où Catherine se lance dans une sorte d’extase créative. Tout ce que je veux, c’est prendre un paquet de pop-corn et la regarder faire son show. Ce n’est même pas de l’improvisation, mais la façon dont elle prononce un mot peut vous surprendre profondément — transformant par exemple le mot “how” en sept syllabes. Je ne sais pas comment elle fait, c’est comme si elle était une sorcière. »
Que ce soit durant ses cinq années au sein de « Saturday Night Live » ou à travers des films comme Tommy Boy et Black Sheep, Chris Farley incarnait une énergie débordante et une audace comique qui masquaient une maîtrise profonde de l’art du comique. Plus de deux décennies après sa disparition, ses anciens camarades de « SNL » et collègues de cinéma continuent de partager leur admiration pour son talent exceptionnel.
David Spade confiait à Esquire : « J’ai rencontré Chris Farley dès le premier jour, mais j’avais déjà entendu des rumeurs sur ses personnages et son incroyable humour. Farley, malgré son allure parfois maladroite, captait les blagues les plus subtiles. Rien ne lui échappait. Et quel rire contagieux il avait ! C’était désarmant. Il voulait toujours vous faire éclater de rire. »
Dana Carvey soulignait dans son podcast Fly on the Wall : « Personne ne savait mieux que Chris exprimer la détresse comique. Son rythme explosif et maîtrisé avait une méthode dans cette folie, c’était irrésistible. » Chris Rock, également invité sur ce podcast, admirait la manière dont Farley insufflait réalisme et personnalité à ses rôles : « Il n’avait pas besoin de se mettre dans la peau du personnage, on croyait simplement en celui qu’il incarnait. »
Adam Sandler, souvent vedette à son tour sur « SNL », se déclarait grand fan : « Chris Farley était un tour de force à l’écran, capable de dominer n’importe quelle scène. Il prenait le contrôle d’une pièce comme personne d’autre. Depuis son départ, je n’ai jamais vu quelqu’un récupérer cette place avec autant d’intensité. »
Adam Sandler
Au cours d’une carrière de plus de 30 ans débutée lors d’une longue période à « Saturday Night Live », Adam Sandler collabore souvent avec les mêmes acteurs. Il aime entourer ses projets d’amis et de collaborateurs qu’il connaît depuis des années.
Ces derniers apprécient profondément la loyauté et la générosité dont il fait toujours preuve. Steve Buscemi, lors de la remise du prestigieux prix Mark Twain pour l’humour américain à Sandler, a déclaré : « Je faisais du théâtre sérieux avant de te rencontrer, mec. Je t’adore, mon pote. Personne ne me fait rire comme toi. Et personne ne m’a aussi bien soutenu dans ce métier que toi. Il fait ça pour tous ses amis, pour tellement de personnes. »
Lors de la même cérémonie, David Spade a également souligné la force de cette amitié qui motive Sandler dans ses actions. Il raconte : « Une fois, un membre de ma famille est décédé, et les gens avaient peur de m’appeler. Adam Sandler a appelé, je n’ai pas répondu. Alors il est venu chez moi en personne et n’est pas parti tant que je n’avais pas décroché. Il est même entré pour me remonter le moral. »
Bob Newhart
Bob Newhart a marqué la comédie pendant plus de 60 ans. Son style unique, mêlant pauses calculées, bégaiements et subtilités, a propulsé son album de comédie The Button-Down Mind of Bob Newhart en tête des ventes. Dans les années 1970 et 1980, il s’est imposé sur le petit écran avec les séries The Bob Newhart Show puis Newhart. Par la suite, il a enchaîné de nombreux rôles marquants dans des films comiques et des séries télévisées.
Après son décès en 2024 à l’âge de 94 ans, plusieurs de ses anciens co-stars se sont exprimés pour partager leurs souvenirs personnels du comédien. Noah Wyle, reconnu pour The Librarian: Quest for the Spear, confiait à People : « Les héros déçoivent souvent lorsqu’on les rencontre. Bob, lui, ne l’a jamais fait. » Kaley Cuoco, vedette de The Big Bang Theory, écrivait sur Instagram : « Quel rêve ce fut d’être témoin du génie qu’était Bob Newhart. Il était classe, gentil, généreux et absolument hilarant. Chaque prise, à chaque fois. »
Zooey Deschanel, connue notamment pour Elf, soulignait dans Variety : « Je dis toujours que les meilleurs acteurs sont des personnes très généreuses. Il était vraiment un homme aimable et généreux, drôle, mais sans jamais être égocentrique. » Julia Duffy, dernière membre vivante du casting de Newhart, réfléchissait dans The Daily Beast : « Y a-t-il jamais eu quelqu’un d’aussi modeste en apparence, ayant eu un impact aussi grand ? Il m’a traitée en égale dès le début, et cela a suffi à me rassurer. Ce genre d’égalité n’était pas encore une évidence à l’époque. »
Bien que ses nombreuses apparitions mémorables lors des cinq années de la série de sketches « In Living Color » aient marqué les esprits, Jim Carrey ne devint véritablement célèbre qu’en 1994. Cette année-là, il enchaîne trois comédies à succès : « Ace Venture : Détective pour animaux », « The Mask » et « Dumb and Dumber ». En un éclair, Carrey devient une star mondiale, enchaînant avec des blockbusters majeurs comme « Batman Forever » en 1995.
Dans ce film, il incarne L’Énigme, face à Tommy Lee Jones dans le rôle de Double-Face. Jones, un acteur sérieux et oscarisé, manifesta dès le départ un profond mépris envers Carrey, même avant le début du tournage. Carrey se souvient avoir croisé Jones dans un restaurant et s’être présenté à lui : « Son visage est devenu livide. Il s’est levé en tremblant », raconte-t-il dans l’émission « Norm Macdonald Live ». Jones lui aurait alors déclaré : « Je te déteste. Je ne t’aime vraiment pas. » Intrigué, Carrey s’est assis à côté de lui, ce que Jones n’a pas apprécié, avant de préciser : « Je ne peux pas approuver tes pitreries. »
Un an plus tard, Carrey tient le rôle principal dans « The Cable Guy », film qui reste célèbre pour avoir été le premier à offrir à son acteur principal un salaire de 20 millions de dollars. Son partenaire à l’écran, Matthew Broderick, souligne que cette notoriété soudaine a engendré une pression énorme : « Aussi agréable que soit ce montant, cela a mis beaucoup de pression sur lui. Il n’était pas si connu peu de temps avant, et soudain, il devient le mieux payé, on attend alors qu’il soit un génie permanent. J’étais donc compatissant envers la pression qu’il s’imposait lui-même. »
Martin Short
Martin Short et Steve Martin ont partagé l’affiche de cinq films, ont longtemps performé ensemble en duo comique sur scène, et sont actuellement les vedettes de la série à succès sur Hulu, Only Murders in the Building. Leur co-star Selena Gomez confie à Vogue que ces deux légendes sont tout simplement brillantes. Elle décrit leur relation comme unique, comparant Martin et Steve à des oncles affectueux, avec un surnom tendre : « Marty m’appelle Bubbala, du genre : ‘Comment ça va ma petite Bubbala ?’ »
Selon Steve Martin, son ami proche et collaborateur favori appartient à une catégorie rare de comédiens. « Marty n’essaie pas désespérément d’être drôle, ce n’est pas une question de compétition ni de besoin », explique-t-il à Vanity Fair. Il se souvient même que l’actrice Rita Wilson a un jour déclaré que Martin Short est tout simplement « la meilleure personne », au-delà de tout talent spécifique.
Larry David, créateur de la célèbre série Curb Your Enthusiasm, a aussi fait appel à Short, soulignant à Vanity Fair qu’il n’a jamais entendu une seule critique négative à son sujet, ce qui est particulièrement remarquable dans le milieu des comédiens. Pour lui, Short est sans conteste « le type le plus drôle » qu’il ait jamais rencontré.
Mais Martin Short ne se limite pas qu’à la comédie. Glenn Close, sa partenaire sur la série dramatique Damages, souligne sa capacité à incarner des émotions complexes avec une intensité rare. Elle confie à People que c’était un plaisir de l’observer travailler, et que le fait qu’il soit reconnu comme un génie comique rendait le spectacle encore plus fascinant.
Eddie Murphy
Dès ses débuts, Eddie Murphy a brillé comme une étoile montante de l’humour. À seulement 19 ans, il intègre la distribution de « Saturday Night Live » en 1980 et devient presque immédiatement l’un des plus grands talents de l’émission. Sa transition vers le cinéma s’opère rapidement, avec le succès de « Trading Spaces » en 1983.
Dan Aykroyd, son partenaire vedette dans ce film, avait déjà pressenti l’importance que Murphy prendrait : « Eddie, à l’époque où nous tournions ‘Trading Places’, débutait à peine dans le cinéma. Il possède un sens de l’humour absurde incroyable, une énergie juvénile éclatante, une intelligence hors pair dans son écriture et son engagement d’acteur, il est un excellent imitateur et un comédien profond », témoignait-il. Observer Murphy émerger comme star et performer était alors un véritable plaisir.
Parallèlement à une carrière musicale étonnamment fructueuse, Murphy enchaîne les succès avec des films cultes tels que « Beverly Hills Cop » en 1984. En 2024, il relance la franchise avec « Beverly Hills Cop: Axel F ». Son collègue Kevin Bacon évoque cette collaboration comme un rêve d’acteur accompli : « C’est un des plus grands acteurs de cinéma de tous les temps. Je ne l’ai jamais vu essayer de faire rire, ni devant, ni derrière la caméra, et pourtant il est toujours hilarant. »
John Candy
En 1984, la comédie romantique fantastique Splash offrait à Tom Hanks son premier rôle principal au cinéma. Si Hanks incarnait le héros, c’est John Candy, alors déjà l’une des figures majeures de la comédie, qui jouait le rôle de l’acolyte maladroit. Candy s’était fait remarquer grâce à ses performances dans des émissions humoristiques liées au Second City, mais aussi grâce à ses scènes mémorables dans The Blues Brothers, Stripes ou encore National Lampoon’s Vacation. Ainsi, Tom Hanks, mêlant admiration et intimidation, appréhendait de tourner à ses côtés.
« Travailler avec John Candy, c’était intimidant. J’étais un grand fan de John et d’Eugene Levy pour leur travail avec Second City, donc j’appréhendais un peu, persuadé qu’ils pourraient aisément m’éclipser à l’écran », confiait Hanks en 1984 à KATU-TV. Pourtant, le tournage s’est déroulé bien mieux que prévu. « Pendant les scènes, je ne pouvais m’empêcher de rire tant j’étais captivé par ce qu’il faisait. C’est un type extrêmement drôle », ajoutait-il.
Daryl Hannah, autre tête d’affiche de Splash, partageait ce ressenti : « Il avait tant de cœur et d’âme, et il était tellement hilarant, à en avoir les larmes aux yeux et au point de se retenir de rire aux éclats. »