Sommaire
Divertissement
En 1922, de nombreux événements marquants ont façonné le monde, de la modification des règles de circulation à Vancouver, où les automobilistes ont dû passer du côté gauche au côté droit de la route, jusqu’au début des travaux du mythique Yankee Stadium à New York. Cette même année, Benito Mussolini accédait au poste de Premier ministre en Italie.
Mais c’est aussi en 1922 que sont nés 17 nourrissons appelés à devenir des figures emblématiques, qu’ils aient conservé ou non les noms donnés par leurs parents. Ces célébrités centenaires incarnent avant tout la ténacité et la résilience, avec des parcours souvent marqués par des succès multiples, parfois entachés de revers personnels ou professionnels.
Parmi eux, plusieurs acteurs remarquables, un maître du jazz, un boxeur au passé trouble ainsi que deux auteurs de bandes dessinées dont les œuvres continuent de captiver. Certains ont traversé la vie en se consacrant à des causes nobles telles que la protection animale, tandis que d’autres ont partagé des liens d’amitié qui ont inspiré des rôles iconiques à la télévision.
Ces personnalités du monde du divertissement auraient toutes célébré leurs cent ans en 2022, témoignant d’une époque riche en talents et en histoires captivantes.
Divertissement
Judy Garland a consacré plus de quarante ans à chanter, danser et jouer sur scène ainsi que dans des films. Ce parcours est d’autant plus remarquable qu’elle est décédée à l’âge de 47 ans en 1969.
Elle est née sous le nom de Frances Gumm, le 10 juin 1922, dans une famille de vaudevillans, Frank et Ethel Gumm, qui tenaient un théâtre à Grand Rapids, dans le Minnesota. Dès l’âge de trois ans, elle fait ses débuts sur scène en chantant « Jingle Bells » lors d’un spectacle de Noël. Cette première expérience révèle une enfance placée sous le signe du spectacle, soutenue par une mère très investie dans la carrière de ses enfants, mais aussi par le plaisir qu’éprouvait Garland à se produire.
À 11 ans, après un déménagement à Lancaster en Californie, elle forme avec ses deux sœurs aînées un trio de chanteuses et danseuses. En 1935, à seulement 13 ans, elle est repérée par un chasseur de talents puis engagée par le prestigieux studio MGM. C’est quatre ans plus tard qu’elle devient mondialement célèbre en incarnant Dorothy dans le chef-d’œuvre Le Magicien d’Oz. Sa carrière s’est ensuite enrichie de rôles marquants dans des classiques tels que l’adaptation de 1954 du film Une étoile est née et La Fille de Saint-Louis.
Sa trajectoire professionnelle et personnelle a été marquée par des sommets éclatants et des épreuves déchirantes. Judy Garland a lutté contre la dépendance à la drogue et à l’alcool, qu’elle attribuait à la pression exercée par MGM ainsi qu’à sa mère. Quatre de ses cinq mariages se sont soldés par un divorce. Sa popularité a connu des hauts et des bas, faisant d’elle une véritable « Reine des retours ». Tragiquement, le 22 juin 1969, elle est retrouvée morte dans sa maison à Londres, victime d’une overdose accidentelle de barbituriques.
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Charles M. Schulz, célèbre auteur de bandes dessinées, n’a pas atteint son centenaire puisqu’il est décédé à 77 ans, le 12 février 2000. Pourtant, sa vie fut incroyablement pleine et riche. Sa veuve, Jeannie Schulz, confiait dans son hommage publié par le New York Times que « Il avait réalisé tout ce qu’il voulait. » Pour Schulz, son plus grand désir professionnel était de dessiner sa bande dessinée adorée, Peanuts.
Né le 26 novembre 1922, Schulz a commencé à dessiner dès son plus jeune âge avec l’espoir de vivre un jour de ses cartoons. Après un passage dans l’armée durant la Seconde Guerre mondiale, il accepta tous les emplois liés à la bande dessinée. En 1947, il créa une série hebdomadaire intitulée « L’il Folks » qui évolua rapidement en Peanuts. Ayant grandi en rêvant de créer des comics aussi célèbres que Popeye ou Krazy Kat, Schulz dépassa ses ambitions avec sa série phare lancée en 1950.
Peanuts a été publiée pendant 43 ans, cumulant 18 250 strips réalisés intégralement par Schulz, malgré un tremblement aux mains survenu plus tard dans sa carrière. Les personnages attachants apparaissaient aussi dans de nombreux dessins animés télévisés, dont le classique incontournable d’Halloween, It’s the Great Pumpkin, Charlie Brown.
Sur le plan personnel, Schulz eut cinq enfants avec sa première épouse, dont une fille qu’il adopta. Le couple divorça en 1972, et il épousa Jeannie un an plus tard. En novembre 1999, on lui diagnostiqua un cancer du côlon, ce qui l’amena à annoncer, un mois plus tard, sa décision de cesser la publication de Peanuts. Son dernier strip, publié le dimanche suivant son décès, faisait ses adieux à ses célèbres personnages et scellait l’empreinte d’une œuvre marquante dans l’histoire du comic strip.
Christopher Lee
Contrairement à l’un de ses personnages les plus emblématiques, Christopher Lee n’a pas pu échapper à la mort éternellement, bien qu’il y ait presque réussi. Il s’est éteint le 7 juin 2015, après avoir célébré son 93e anniversaire le 27 mai.
Selon la génération à laquelle vous appartenez, vous le connaissiez de différentes façons. Après des années de lutte pour se faire une place, Lee s’est révélé au grand public grâce à son rôle de Dracula dans le film d’horreur « Horror of Dracula » produit par Hammer Horror en 1958. Il a incarné ce rôle au moins dix fois, renforçant son statut d’icône du cinéma d’horreur.
Ses apparitions en créatures mythiques telles que le monstre de Frankenstein ou la Momie, ainsi que dans « The Wicker Man », ont également contribué à asseoir sa renommée dans le genre. Par la suite, il a intégré certaines des franchises cinématographiques les plus célèbres, souvent en incarnant des antagonistes mémorables.
En 1974, il a joué face à Roger Moore dans la peau du méchant au centre de « L’Homme au pistolet d’or ». Fait intéressant, Lee et Ian Fleming, le créateur de James Bond, étaient cousins au deuxième degré. Des décennies plus tard, les fans de « Star Wars » ont découvert Lee sous les traits du Comte Dooku dans la trilogie des préquelles, tandis que les amateurs du « Seigneur des Anneaux » l’ont vu jouer le magicien traître Saroumane, rôle qu’il a repris également dans un des préquelles de « Bilbo le Hobbit ».
La vie de Christopher Lee en dehors des plateaux s’est révélée tout aussi fascinante. Il a servi dans la Royal Air Force (RAF) pendant la Seconde Guerre mondiale, travaillant en liaison avec les services de renseignement et les forces spéciales. Passionné de musique, il a même sorti deux albums de heavy metal en 2010 et 2013. Le premier, intitulé « Charlemagne: By the Sword and the Cross », lui a valu un Spirit of Metal Award lors des Metal Hammer Golden Gods Awards la même année.
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Betty White, véritable génie de la comédie et pionnière de la télévision, a enchanté les spectateurs pendant plus de 80 ans. Née le 17 janvier 1922, elle a débuté sa carrière de mannequin et d’actrice à la fin des années 1930. Cependant, elle mit sa carrière naissante entre parenthèses durant la Seconde Guerre mondiale pour s’engager dans les Services Volontaires Féminins américains.
Son véritable tournant arriva en 1949 grâce à une apparition dans l’émission « Hollywood on Television » animée par Al Jarvis, qu’elle reprit ensuite lorsqu’il quitta le programme. Cette expérience, qu’elle qualifia plus tard de « véritable école de télévision », lui valut sa première nomination aux Emmy Awards, dont elle en accumula 16 au total, remportant six distinctions dont son intronisation au Temple de la renommée en 1995.
Dans les années 1950, Betty White produisit et incarna sa propre sitcom, anima une émission de variétés et participa régulièrement à de nombreux jeux télévisés. C’est lors de l’un d’eux, qu’elle rencontra son troisième époux, Allen Ludden, auquel elle resta mariée de 1963 jusqu’à son décès en 1981.
Elle est surtout célèbre pour deux séries : elle interpréta la redoutable Sue Ann Nivens dans « The Mary Tyler Moore Show » de 1973 à 1977, puis la tendre mais naïve Rose Nylund dans « Golden Girls », durant les sept ans que dura la série jusqu’en 1992.
En dehors de sa carrière artistique, Betty White consacra beaucoup de temps à des œuvres caritatives en faveur des animaux. Ces actions ont été largement saluées après son décès le 31 décembre 2021, à l’âge de 99 ans, témoignant de son engagement indéfectible pour la cause animale.
Divertissement
Avant de marquer l’histoire des sitcoms en incarnant Dorothy Zbornak, la femme au sarcasme tranchant dans « Golden Girls », Bea Arthur avait déjà connu le succès grâce à une série téléphonnée populaire et une carrière florissante à Broadway. Née le 13 mai 1922, elle précède de quelques mois Betty White, sa partenaire dans la série, et d’un peu plus d’un an Estelle Getty, qui jouait son rôle de mère.
En février 1943, elle devient l’une des premières femmes à intégrer la réserve féminine des Marines, où elle termine sa formation de base avant d’exercer comme dactylographe. Après plusieurs expériences dans des troupes itinérantes de théâtre d’été et quelques petits rôles télévisés, Bea Arthur décroche en 1955 son rôle majeur de Lucy Brown dans « The Threepenny Opera ».
Cette réussite lui ouvre les portes du théâtre et de la télévision, notamment pour incarner Yente la marieuse dans la version originale de Broadway de « Fiddler on the Roof » en 1964, et la complice d’Angela Lansbury dans « Mame ». En 1971, sa prestation en invitée dans la sitcom « All in the Family » est si remarquée qu’elle obtient son propre spin-off : « Maude ». Cette série, diffusée de 1972 à 1978, est historique car elle met en scène un personnage principal — Maude elle-même — confronté à un choix d’avortement, un sujet alors très sensible.
Le rôle de Dorothy dans « Golden Girls » reste celui qui a le plus marqué sa carrière. Elle confiait avoir immédiatement été séduite par le scénario, qu’elle trouvait « intelligent, mature et d’une drôlerie fabuleuse ». Ses performances aussi bien dans « Maude » que dans « Golden Girls » lui ont valu chacune un Emmy Award pour la meilleure actrice dans une série comique. Bea Arthur s’est éteinte le 25 avril 2009, à l’âge de 86 ans.
Ava Gardner
Née le 24 décembre 1922, Ava Gardner a vu le jour dans un monde bien éloigné du glamour hollywoodien qu’elle incarnerait plus tard. Son père était alors cultivateur de tabac en Caroline du Nord, mais à ses deux ans, la famille perdit la ferme et dut se reconvertir en métayage.
Grâce à un test d’écran et à un contrat décrochés après que son beau-frère eut dévoilé ses photographies au studio MGM, Ava Gardner attira l’attention. Cependant, ce furent davantage sa beauté extraordinaire que ses talents d’actrice qui séduisirent les dirigeants du studio et le public, même si elle reçut une nomination aux Oscars en 1954. Ce phénomène explique en partie pourquoi on se souvient davantage de ses liaisons amoureuses que de ses films.
Elle fut mariée à trois reprises : d’abord à l’acteur Mickey Rooney à 19 ans, puis au chef d’orchestre Artie Shaw pendant un an, avant d’épouser l’icône Frank Sinatra. Leur rencontre, alors qu’elle était encore mariée à Rooney, fut marquée par une passion immédiate. Leur union, célébrée le 7 novembre 1951, survint quelques jours après la finalisation du divorce de Sinatra. Ce couple tumultueux partageait une tendance à l’alcoolisme, et Ava Gardner connut plusieurs liaisons durant cette période. Elle entama une procédure de divorce en 1954, officialisée en 1957.
En 1958, désabusée, elle quitta MGM et Hollywood pour se consacrer à une vie partagée entre Londres et Madrid. Ava Gardner s’éteignit dans sa demeure londonienne le 25 janvier 1990, à l’âge de 67 ans.
Stan Lee, immédiatement reconnaissable avec ses cheveux blancs et ses lunettes aviateur, est devenu une icône non seulement pour ses créations de bandes dessinées, mais aussi grâce à ses apparitions en caméo dans les films adaptés de ses œuvres. On le voit sauver une petite fille des débris dans « Spider-Man » (2002), arroser sa pelouse dans « X-Men : L’Affrontement final », ou encore conduire un bus scolaire dans « Avengers : Infinity War ».
Né Stanley Lieber le 28 décembre 1922, Stan Lee aspirait initialement à être un écrivain sérieux. Pourtant, à 17 ans, il rejoint Timely Comics, l’éditeur qui deviendra Marvel, en commençant comme assistant polyvalent. Rapidement, il gravit les échelons, devenant scénariste et rédacteur. Sa collaboration avec l’artiste Jack Kirby, co-créateur de Captain America, donna naissance à plusieurs personnages emblématiques tels que les X-Men, Iron Man et Black Panther.
Après le départ de Kirby pour la concurrence en 1970, Lee prit la tête de Marvel en 1972, insufflant une nouvelle dynamique à l’univers des comics. Bien qu’il quitte Marvel en 1998 pour lancer sa propre société médiatique, il reste étroitement lié à l’entreprise.
En 2002, fort du succès du film « Spider-Man » avec Tobey Maguire et de la série animée « X-Men », Stan Lee engagea et gagna un procès contre Marvel pour ne pas avoir perçu les 10% des bénéfices générés par les adaptations télévisuelles et cinématographiques de ses personnages. Il fut producteur exécutif sur de nombreuses productions Marvel marquant le cinéma contemporain et un incontournable des conventions dédiées aux passionnés.
Stan Lee est décédé à l’âge de 95 ans, le 12 novembre 2018, laissant derrière lui un héritage inestimable dans le monde du divertissement et de la culture populaire.
Qu’on adore ou qu’on trouve difficile à suivre le style poétique et obstiné de Jack Kerouac, personne ne peut nier son influence profonde sur la culture américaine. Bien que célèbre pour son usage novateur de la langue anglaise, Kerouac avait en réalité le français comme langue maternelle, hérité de ses parents originaires du Québec. Né Jean-Louis Lebris de Kerouac le 12 mars 1922 à Lowell, Massachusetts, il a grandi dans un environnement marqué par les conséquences de la Grande Dépression et une inondation qui anéantirent les revenus de l’imprimerie familiale.
Doté d’une bourse sportive pour jouer au football à Columbia, il dut abandonner l’équipe après une fracture à la jambe dès sa première saison. C’est à cette époque qu’il commença à voyager à travers la côte Est des États-Unis, passant par le Connecticut, Washington D.C. et la Virginie. Son passage bref dans la Réserve navale américaine fut suivi de sa rencontre avec les écrivains Allen Ginsberg et William Burroughs à New York, avec qui il fonda les bases du mouvement connu sous le nom de la Beat Generation, dont il est parfois crédité d’avoir inventé le nom.
Ses péripéties alimentèrent son œuvre la plus célèbre, On the Road, écrite en trois semaines en 1950 et publiée en 1957. Au total, Kerouac écrivit 18 ouvrages, bien que sa popularité ait décliné avant sa mort prématurée à 47 ans, le 21 octobre 1969, des suites d’une hémorragie abdominale massive. Son héritage littéraire perdure comme un témoignage vibrant des explorations spirituelles et culturelles de son époque.
À l’instar de nombreux contemporains de sa génération, l’écrivain Kurt Vonnegut a servi dans l’armée américaine pendant la Seconde Guerre mondiale. Son roman semi-autobiographique Abattoir 5 puise directement dans les épreuves qu’il a traversées en tant que prisonnier de guerre capturé par les Allemands, notamment lors du bombardement dévastateur de Dresde. Fidèle à son style unique, Vonnegut y intègre toutefois une touche de science-fiction et un humour noir qui détonnent dans ce récit poignant.
À sa sortie en 1969, Abattoir 5 a trouvé un écho puissant auprès d’une jeunesse en révolte contre une autre guerre sanglante, celle du Vietnam. Le journal The New York Times souligne que le style novateur de Vonnegut, mêlant techniques d’écriture non conventionnelles et expérimentations grammaticales, déroutait les cercles littéraires établis, mais incarnait un souffle nouveau pour ceux qui souhaitaient rompre avec les normes étouffantes de l’époque.
Avant cela, Vonnegut avait déjà consacré plusieurs décennies à l’écriture. Après la guerre, il travaille comme journaliste à Chicago tout en suivant des études supérieures en anthropologie, son roman Le Berceau du Chat servant même de thèse en 1963. Au cours de sa carrière, il a publié 14 romans, en plus de pièces de théâtre, nouvelles et essais. S’appuyant souvent sur des thèmes de science-fiction, il explorait aussi des allégories philosophiques et employait des dispositifs métatextuels, comme l’interruption du récit par le narrateur lui-même.
Kurt Vonnegut s’éteint le 11 avril 2007, cinq mois après avoir célébré son 84e anniversaire, des suites de blessures cérébrales consécutives à une chute.
Si Dorothy Dandridge avait vécu dans une société moins marquée par le racisme que l’Amérique du XXe siècle, elle aurait sans doute atteint le statut de superstar hollywoodienne. Première femme noire nominée pour un Oscar de la meilleure actrice, elle est malheureusement décédée dans l’oubli et la pauvreté, à seulement 42 ans, le 8 septembre 1965, suite à une overdose accidentelle d’antidépresseurs.
À l’instar de Judy Garland, également née en 1922, Dorothy débute très tôt sa carrière artistique en chantant avec sa sœur, sous la houlette de leur mère, elle-même artiste frustrée. En grandissant, elle devient chanteuse dans des clubs de nuit. En 1954, alors qu’elle commence à se lasser de cette vie, elle décroche ce qui aurait dû être son rôle décisif : le personnage principal dans Carmen Jones, réalisé par Otto Preminger. Cette performance lui vaut sa nomination à l’Oscar, la même année où Judy Garland est également nominée pour A Star is Born. Toutes deux perdent face à Grace Kelly.
Malheureusement, le succès de Carmen Jones ne s’accompagne pas de la vague de rôles prometteurs attendue. Dans les années 1950, pour satisfaire un public blanc raciste, les dirigeants hollywoodiens hésitent à engager des actrices noires dans des rôles principaux. Par ailleurs, selon plusieurs sources, Preminger, alors compagnon de Dandridge, aurait préféré l’éloigner des seconds rôles au cinéma pour la ramener vers les scènes de cabaret. L’une de ses performances les plus mémorables durant cette période reste son rôle dans l’adaptation de l’opéra Porgy and Bess, également dirigée par Preminger.
Après une séparation avec ce dernier, qui lui avait infligé une relation émotionnellement abusive, Dorothy épousa un second mari. Celui-ci se révéla également violent et la laissa endettée. Dix ans seulement après sa nomination à l’Oscar, Dororthy Dandridge meurt avec à peine deux dollars et quatorze cents en poche, symbole tragique d’un destin brisé par les préjugés et les épreuves.
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Icône de son époque, Veronica Lake est surtout connue aujourd’hui pour sa coiffure emblématique. Elle a popularisé une raie latérale très marquée qui laissait retomber ses longs cheveux blonds légèrement ondulés sur un œil. Ce style est devenu tellement associé à son image que, pendant la Seconde Guerre mondiale, elle a réalisé une vidéo destinée aux ouvrières d’usine pour leur montrer comment fixer leurs cheveux afin d’éviter qu’ils ne se prennent dans les machines.
Mais Veronica Lake, née le 14 novembre 1922 à Brooklyn, New York, c’était bien plus qu’une simple silhouette ou une coupe de cheveux. En moins de dix ans, elle a tourné dans 26 films, parmi lesquels des succès notables comme I Wanted Wings et Blue Dahlia. À l’apogée de sa popularité dans les années 1940, elle gagnait jusqu’à 4 500 dollars par semaine, selon le Los Angeles Times.
Malgré ces succès, Lake finit par quitter Hollywood, estimant que le métier d’actrice la réduisait à un simple rouage d’une chaîne de montage. Elle passa alors par divers emplois, devenant elle-même ouvrière d’usine puis serveuse. Elle fit toutefois un bref retour sur scène en Angleterre et apparut à la télévision. Sur le plan personnel, sa vie fut marquée par quatre mariages terminés par des divorces et une lutte difficile contre l’alcoolisme.
Veronica Lake s’éteint le 7 juillet 1973, à seulement 50 ans, des suites d’une hépatite aiguë. Sa cérémonie commémorative fut très peu fréquentée, et ses cendres restèrent non réclamées jusqu’en 1976, faute de paiement des frais funéraires. Elles furent finalement dispersées au large des côtes de Miami, bien qu’un propriétaire de boutique à New York prétende en posséder une partie. En 1997, l’actrice Kim Basinger lui rendit hommage dans un rôle de prostituée métamorphosée pour évoquer le style de Lake dans le film noir moderne L.A. Confidential.
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George McGovern reste une figure historique souvent davantage associée à ses échecs qu’à ses succès, notamment à cause du scandale politique qui a marqué sa fin de campagne et conduit à la démission de son adversaire. Né le 18 juillet 1922, il fut élu sénateur du Dakota du Sud en 1962, après une première tentative infructueuse. Entre ses campagnes, il travailla avec John F. Kennedy qui, selon le Guardian, le considérait comme « l’un des hommes les plus intègres du Sénat ».
Ancien pilote de bombardier pendant la Seconde Guerre mondiale, McGovern devint en 1968 le candidat de prédilection pour ceux opposés à la guerre du Vietnam. Il s’éleva régulièrement contre ce conflit, allant même jusqu’à critiquer l’engagement insuffisant de Kennedy pour y mettre fin. Cependant, lors de la tumultueuse convention démocrate de 1968, McGovern perdit face au vice-président Hubert Humphrey, qui fut lui-même battu par le républicain Richard Nixon lors de l’élection présidentielle.
Après cette élection, McGovern présida une commission du Parti démocrate qui mit en place un système plus inclusif, du moins en théorie, pour la sélection des candidats à la présidence. Ce nouveau procédé lui permit d’obtenir en 1972 l’investiture du parti démocrate. Néanmoins, il fut largement battu par Nixon, une défaite attribuée à plusieurs maladresses politiques de sa propre campagne ainsi qu’à des interférences républicaines, qui furent ultérieurement explorées dans le cadre du scandale du Watergate.
De retour au Sénat en 1974, McGovern perdit son siège en 1980. Sous la présidence de Bill Clinton, il fut nommé ambassadeur à l’Organisation des Nations Unies pour l’alimentation et l’agriculture. George McGovern s’éteignit à l’âge de 90 ans, le 21 octobre 2012.
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Le couturier Pierre Cardin est surtout associé aux modes audacieuses et ludiques des années 1960, mais il a toujours eu un regard tourné vers l’avenir. Né le 7 juillet 1922 de parents français alors en Italie, il a grandi en France où il a commencé à travailler comme tailleur dès son adolescence. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il s’engage volontairement à la Croix-Rouge française.
Formé auprès de grands noms de la couture comme Elsa Schiaparelli et Christian Dior dans les années 40 et 50, Cardin s’est rapidement démarqué en tant que designer de nouvelle génération. Sa première rupture avec la tradition survient en 1957, lorsqu’il quitte l’organisme de la haute couture parisienne afin d’avoir un meilleur contrôle sur ses licences. Deux ans plus tard, il innove en vendant une ligne de prêt-à-porter dans un magasin.
Son premier grand succès concerne la mode masculine. Révolté par le volume trop important des vêtements traditionnels pour hommes, il propose des costumes fins, sans col, au style épuré. En 1966, comme le rapporte un article du New York Times, les Beatles portaient sur «The Ed Sullivan Show» des costumes ressemblant au style introduit par Cardin en 1960, inspiré des tenues du Premier ministre indien Jawaharlal Nehru. Ce fut pour lui une véritable consécration sur le marché américain.
Au cours de cette même décennie, il surfe également sur la vague de fascination pour l’espace avec des créations futuristes. Plus tard dans sa carrière, Pierre Cardin diversifie ses activités en s’orientant vers la licence de marques multiples, allant au-delà du vêtement : il conçoit également des produits aussi variés que des allumettes, des cornichons, une chaîne hôtelière et même des jus de fruits.
Pierre Cardin s’éteint à l’âge de 98 ans, le 29 décembre 2020, laissant derrière lui une empreinte indélébile dans l’univers de la mode et du design visionnaire.
Les cinéphiles connaissent Doris Day pour ses comédies romantiques pétillantes, souvent agrémentées de ses talents de chanteuse. Les amateurs de musique se rappellent ses tubes empreints de chaleur et d’émotion. Née le 3 avril 1922 — une date parfois légèrement modifiée comme l’indique le Los Angeles Times — elle est devenue l’incarnation idéale de la femme des années 1950, souriante et élancée à la taille marquée.
Dans les années 1970, elle subit les critiques de certains milieux féministes qui voyaient en elle le stéréotype de la femme au foyer superficielle et dévouée corps et âme à son mari. Pourtant, Doris Day interprétait souvent des femmes actives, indépendantes, incarnant un modèle de féminisme blanc que plusieurs appréciaient, et elle-même était une femme engagée dans sa vie personnelle.
Si sa carrière était rayonnante, sa vie privée fut marquée par de nombreuses épreuves. Son premier mariage fut violent, le second fut miné par la jalousie de son mari face à son succès, tandis que le troisième la plongea dans d’importantes difficultés financières en dilapidant vingt millions de dollars et en l’inscrivant à son insu dans une émission télévisée à son nom. Son quatrième mari lui reprocha de consacrer plus de temps à ses œuvres pour la protection animale qu’à leur couple.
En effet, Doris Day portait une affection profonde aux animaux, surpassant de loin son intérêt pour Hollywood. En 1973, elle mit un terme à sa série télévisée éponyme pour s’installer à Carmel, en Californie, où elle dedica son énergie à plusieurs fondations et associations pour la défense des animaux.
Doris Day est décédée le 13 mai 2019 à l’âge de 97 ans, des suites d’une pneumonie, après avoir joui d’une santé relativement bonne jusque-là.
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Charles Mingus, né le 22 avril 1922, a marqué à jamais l’univers du jazz grâce à son immense talent de virtuose. Enfant prodige, il a d’abord appris le violoncelle et le trombone avant de se consacrer à l’instrument qui allait définir sa carrière : la contrebasse. Mingus a parcouru la scène jazz dès la vingtaine, collaborant avec des légendes telles que Louis Armstrong et Lionel Hampton.
Dans les années 1950, son installation à New York l’a placé aux côtés d’illustres musiciens comme Red Norvo, Charlie Parker et Stan Getz. Plus qu’un simple contrebassiste, il s’est imposé comme un compositeur novateur, créant et enregistrant ses œuvres sur son propre label, avant de diriger ses propres formations.
Connu pour son tempérament parfois explosif, Mingus fut même renvoyé par son idole Duke Ellington suite à une altercation avec un tromboniste. Cette fougue l’a cependant aussi poussé à s’élever contre le racisme, tant dans la musique que dans la société. Après une pause à la fin des années 1960 dans le quartier de l’East Village à New York, il est revenu en force en 1971 avec la publication de son autobiographie et une nouvelle vague de concerts et d’enregistrements.
Malheureusement, un diagnostic de sclérose latérale amyotrophique (SLA), aussi appelée maladie de Lou Gehrig, a bouleversé la fin de sa carrière. Malgré la progression de la maladie, il a continué à jouer tant que son corps le lui permettait, puis à composer jusqu’à sa mort d’une crise cardiaque au Mexique le 5 janvier 1979, à l’âge de 56 ans.
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Jake LaMotta a appris à se battre dès son plus jeune âge. Selon le Guardian, son père ne se contentait pas de le frapper, il l’obligeait également à se battre contre d’autres enfants afin de gagner de l’argent. Dès 1941, LaMotta devient boxeur professionnel.
De 1949 à 1951, il fut champion des poids moyens, avant de perdre face à son grand rival Sugar Ray Robinson lors d’un combat brutal de 13 rounds à Chicago, devenu célèbre sous le nom de « Massacre de la Saint-Valentin ». Ils se sont affrontés six fois au total, LaMotta ne remportant qu’une seule victoire, en 1943.
La violence fut omniprésente tant dans la vie personnelle que professionnelle de LaMotta. Le Guardian rapporte qu’il faillit un jour tuer un homme pour lui voler son portefeuille. Il croyait même l’avoir tué, jusqu’à ce que cet homme réapparaisse, des années plus tard, lors d’un de ses combats, ignorant qu’il félicitait en réalité celui qui l’avait agressé. LaMotta a aussi admis avoir violé une femme et battu six de ses épouses, expliquant que sa colère provenait du fait que d’autres hommes regardaient ces dernières.
Pourtant, malgré cette brutalité héritée et exprimée dès l’enfance, LaMotta savait aussi se montrer drôle et charismatique. Retiré de la boxe en 1954, il s’est tourné vers le cinéma et la comédie tout en devenant propriétaire de divers lieux de divertissement. Il a même formé Robert De Niro pour qu’il l’incarne dans le biopic « Raging Bull » de 1980, ouvrant la voie à une nouvelle génération pour découvrir son histoire.
Jake LaMotta s’est éteint à l’âge de 95 ans, le 17 septembre 2017, laissant derrière lui un héritage aussi complexe que fascinant dans le monde du divertissement et de la boxe.
Carl Reiner a conquis le public grâce à son talent d’acteur comique, mais c’est véritablement dans les coulisses qu’il a excellé. Durant la Seconde Guerre mondiale, alors qu’il servait dans l’armée, il offrait des spectacles divertissants à ses camarades soldats, bien que sa formation d’interprète en français fût finalement peu utilisée dans sa carrière.
Après plusieurs revues à Broadway, il obtint son premier rôle à l’écran dans la série « Your Show of Shows ». Cependant, sa véritable renommée vint lorsqu’il créa et écrivit « The Dick Van Dyke Show ». Diffusée à raison de 158 épisodes entre 1961 et 1966, cette série s’inspirait de sa propre expérience de scénariste et demeure, selon ses dires, sa plus grande fierté professionnelle.
Reiner poursuivit sa carrière en écrivant, réalisant et jouant parfois dans des comédies, collaborant fréquemment avec Steve Martin. Dans ses dernières années, il préféra principalement rester derrière la caméra, apparaissant seulement dans de petits rôles. Les plus jeunes générations peuvent encore se souvenir de lui dans le rôle de Saul, un ancien escroc, dans le film « Ocean’s 11 ».
Carl Reiner est décédé à l’âge de 98 ans le 29 juin 2020. Son fils Rob, scénariste et réalisateur reconnu, l’a décrit comme « ma lumière guide » dans un hommage poignant sur les réseaux sociaux.