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Lorsqu’une chanson rock devient un succès, les auditeurs tendent à l’écouter en boucle. Malgré la familiarité sonore qui en résulte, même les fans qui parviennent à mémoriser les paroles n’ont souvent pas une réelle compréhension du sens profond de la chanson ni de ce qui a inspiré son auteur à l’écrire.
Il arrive parfois que des passionnés d’un groupe particulier chantent avec enthousiasme leur morceau préféré sans réaliser la signification derrière ces paroles. Dans certains cas, ces paroles cachent des sous-entendus véritablement sombres, et gratter la surface peut révéler que l’inspiration derrière ces chansons bien-aimées est loin de ce qui était auparavant supposé. Prenons l’exemple des fans de rock classique, qui peuvent ignorer l’inspiration troublante derrière « Riders On The Storm » des Doors, inspirée par l’histoire vraie d’un tueur en série.
Les Doors ne sont pas les seuls artistes rock à avoir puisé dans de telles sources sinistres. D’autres succès ont en effet été fondés sur des événements tragiques : une chanson classique des Beatles évoquant des meurtres, ou un tube des années 1980 inspiré par des émeutes raciales. Avec cela en tête, plongeons dans l’univers de certaines chansons rock populaires qui sont bien plus sombres que vous ne le pensez.
Nena : 99 Red Balloons
Originaire d’Allemagne et d’Autriche, le single de 1983 « 99 Luftballons » a d’abord connu un grand succès avant d’être réadapté en anglais sous le titre « 99 Red Balloons ». Tirée de l’album éponyme du groupe Nena, à l’époque basé dans l’ancien Berlin-Ouest, cette chanson a pris une toute nouvelle dimension dans les pays anglo-saxons.
À cette époque, la Guerre froide battait son plein. Berlin était scindé par le tristement célèbre mur de Berlin, symbolisant la division entre la démocratie et le communisme. Bien que la version anglaise ne soit pas aussi explicite, les paroles originales en allemand racontent l’histoire d’une personne qui lâche un bouquet de ballons remplis d’hélium, déclenchant accidentellement une réaction en chaîne menant à une apocalypse nucléaire lorsque le Parti socialiste unitaire réagit à la présence inhabituelle de ces objets dans le ciel.
Malgré la gravité de son sous-texte, la chanson est devenue un incontournable des soirées karaoké. « Il y a quelque chose dans ce sentiment de fatalité qui semble résonner particulièrement chez les chanteuses de karaoké », a déclaré Rob Sheffield, rédacteur pour Rolling Stone et auteur de Turn Around Bright Eyes: The Rituals of Love & Karaoke, dans une interview avec The New York Times. « Il y a tellement de drame, avec l’introduction lente, la partie rythmée et encore une autre partie douce. C’est une operette en trois actes. »
Red Hot Chili Peppers : Under the Bridge
Le groupe de rock américain Red Hot Chili Peppers a réussi à s’imposer sur la scène musicale avec leur album de 1991, Blood Sugar Sex Magik, et leur single emblématique « Under the Bridge ». Cette chanson trouve son origine dans un poème écrit par le chanteur, Anthony Kiedis, qui évoque son expérience d’adolescent, marquée par la solitude et le détachement, alors qu’il sombrait dans la dépendance aux drogues. Les paroles résonnent particulièrement avec la ligne : « Parfois, je me sens comme si mon seul ami / Était la ville où je vis / La Ville des Anges / Aussi seul que je suis / Ensemble, nous pleurons. »
Dans ses paroles, Kiedis se remémore un moment précis où il traversa un territoire contrôlé par des gangs à Los Angeles pour acheter de l’héroïne et de la cocaïne afin de nourrir sa dépendance. « Cette chanson est née parce qu’au cours de ma vie, j’étais ce que l’on pourrait appeler un junkie hardcore pendant de nombreuses années, » a déclaré Kiedis lors d’une interview vidéo sur YouTube. « Et à cette période de ma vie, c’était un moment très triste. Tout ce qui était beau, précieux et sacré pour moi passait au second plan, alors que ce besoin de dépendance chimique devenait de plus en plus dégoûtant et fou. »
Lors de son passage dans The Joe Rogan Experience, Kiedis a admis que cette chanson reste un point de repère très personnel et puissant pour lui. « Oui, c’est une mélodie significative, » a-t-il réfléchi.
Pumped Up Kicks de Foster the People
Sortie en 2011, la chanson « Pumped Up Kicks » du groupe indie-pop Foster the People a atteint la troisième place du Billboard Hot 100, y demeurant pendant 40 semaines remarquables. Bien que l’air entraînant et énergique invite à danser, ses paroles révèlent des sous-entendus troublants. L’histoire narre celle d’un adolescent nommé Robert qui découvre l’arme à feu de son père dans un placard et se met à imaginer « tous les autres enfants » fuyant devant lui avec son « revolver ».
Selon Mark Foster, le compositeur de la chanson, « Pumped Up Kicks » évoque l’esprit d’un jeune qui sombre et imagine des actes de vengeance. « C’est un marginal. Je sens que la jeunesse de notre culture devient de plus en plus isolée. C’est presque une épidémie. Au lieu d’écrire sur les victimes ou des tragédies, j’ai voulu pénétrer dans l’esprit de l’assassin, à l’instar de Truman Capote dans ‘In Cold Blood’. «
Bien que la chanson ait été retirée des ondes radio après la tragédie de la fusillade dans l’école de Sandy Hook en 2012, Foster a affirmé que ce n’était pas réellement un discours sur un incident de tir de masse. « Je pense que les gens ont comblé les blancs en pensant que c’était une fusillade à l’école, mais je ne parle jamais d’école dans la chanson, » a-t-il déclare en 2022. « Cela concerne plus la psyché de cette personne. Évidemment, la chanson aborde des sujets violents, mais il s’agit d’une idée reçue de croire qu’elle parle d’une fusillade scolaire. »
Eddie Grant: Electric Avenue
« Maintenant dans la rue, il y a de la violence, et beaucoup de travail à faire, » chante Eddie Grant dans les premières lignes de « Electric Avenue. » Peu de ceux qui dansaient sur ce succès de 1982 savaient qu’il racontait l’histoire des émeutes de Brixton, lorsque les habitants de ce quartier essentiellement noir à Londres se sont soulevés contre le racisme manifesté par la police blanche.
Grant a été témoin du chaos à la télévision et, quelque temps plus tard, en conduisant à travers Brixton, il a vu un panneau de rue indiquant « Electric Avenue » (nommé ainsi car il s’agissait de la première rue commerçante à Londres à être éclairée électriquement). « Quel titre de chanson fantastique, » se souvient Grant, partageant ce souvenir lors d’une interview en 2018 avec The Guardian. « La chanson était censée être un signal d’alerte, » a-t-il ajouté.
Cependant, il est certain que les adolescents américains qui regardaient la vidéo de la chanson sur MTV, où elle était diffusée en boucle, n’avaient probablement aucune connaissance des émeutes de Brixton, ni même de l’existence d’une véritable rue appelée Electric Avenue. Même Frank Agarrat, l’ingénieur du son qui a enregistré la chanson avec Grant, n’en avait aucune idée, supposant que le nom était métaphorique. « Je n’en revenais pas, » a déclaré Agarrat à The Guardian. « Je ne savais pas que c’était une véritable rue. »
Third Eye Blind: Jumper
Bien que Third Eye Blind soit surtout connu pour son succès de 1997, « Semi-Charmed Life », le single de 1998 « Jumper » a atteint la cinquième place du Billboard Hot 100. Ce morceau percutant cache des thèmes bien plus sombres, notamment la maladie mentale et le suicide.
Dans une interview pour la série PBS « Soundcheck », le chanteur et auteur-compositeur du groupe, Stephan Jenkins, a partagé les origines de la chanson et son inspiration pour l’écrire. Il a décrit « Jumper » comme étant en quelque sorte un noir : « C’est ce que j’aurais dit à un jeune qui a sauté du pont Coronado à San Diego… parce qu’il était victime de harcèlement en raison de son orientation sexuelle au lycée. »
Bien que cela puisse sembler particulièrement sombre pour une chanson rock, Jenkins a insisté sur le fait qu’il existe également une dimension d’optimisme et d’espoir sous-jacente. Il a souligné que, malgré nos différences, les êtres humains sont finalement plus semblables qu’ils ne le pensent. « Le message de la chanson est, sans rien demander en retour, même si nous ne nous revoyons jamais, nous avons tous une meilleure compréhension les uns des autres que nous ne nous l’accordons, » a-t-il déclaré.
Blind Melon : No Rain
La simple mention du groupe rock des années 1990, Blind Melon, évoque instantanément le souvenir musical de « No Rain », ce tube de 1992 qui a connu un énorme succès. Quiconque fredonnant cette mélodie familière peut percevoir un sourire nostalgique se dessiner, mais cela cache la véritable nature des paroles de la chanson.
Bien que la chanson ne soit pas l’œuvre du chanteur Shannon Hoon, décédé en 1995 d’une overdose, elle a été écrite par le bassiste de Blind Melon, Brad Smith. Comme Smith l’a confié lors d’une interview pour le livre de Greg Prato, « Facts on Tracks: Stories Behind 100 Rock Classics! », la chanson a été composée avant même la formation du groupe, après que Smith ait déménagé à Los Angeles depuis le Mississippi. À cette époque, il ne connaissait personne dans la ville et travaillait dans la construction tout en essayant de se lancer en tant que musicien. Les week-ends, il jouait dans la rue à Venice Beach, espérant rassembler assez de pièces de monnaie pour s’acheter un repas.
« Et ça a été inspiré par la difficulté de vivre à Los Angeles. J’ai eu des périodes de dépression… », a déclaré Smith à propos du thème central de la chanson. « Donc, la chanson parle de ne pas pouvoir se lever du lit et de trouver des excuses pour affronter la journée quand, en quelque sorte, on n’a vraiment rien. C’était comme toucher le fond. Je ne prenais même pas de drogues ni ne buvais. C’était juste dur. C’était un moment difficile de ma vie. »
Nirvana : Polly
« Polly » a fait sa première apparition sur l’album révolutionnaire de Nirvana, « Nevermind », en 1991, et a été ressuscitée pour l’album live de 1993, « MTV Unplugged in New York ». Les paroles de cette chanson, pour le moins troublantes, commencent par : « Polly veut un cracker / Je pense que je devrais d’abord la décoller / Je pense qu’elle veut de l’eau / Pour éteindre le chalumeau », interprétées par le chanteur Kurt Cobain.
L’inspiration de Cobain provient d’un crime odieux perpétré par le violeur en série Gerald Friend. En 1960, Friend avait été arrêté et condamné à la réclusion à perpétuité après avoir kidnappé et agressé sexuellement une fille de 12 ans à Tacoma, dans l’État de Washington. Après avoir purgé 20 ans de sa peine, il a été libéré sous condition. En 1987, il a enlevé une fille de 14 ans et l’a agressée sexuellement. Elle parvint à s’échapper avant qu’il ne puisse la tuer, ce qui conduisit Friend à retourner en prison à vie, sans possibilité de libération anticipée. La victime a poursuivi le département des services correctionnels de l’État pour l’avoir libéré trop tôt. Cobain a lu ces rapports de presse et a imaginé le point de vue de Friend pour « Polly ».
« Cette chanson ‘Polly’, c’est une histoire vraie », confia le bassiste de Nirvana, Krist (alors Chris) Novoselic, lors d’une interview avec NME en 1991. « C’est l’histoire d’une jeune fille qui a été enlevée. Le type l’a emmenée dans son fourgon. Il l’a torturée. Il l’a violée. Sa seule chance de s’en sortir était d’entrer en contact avec lui et de le persuader de la détacher. C’est ce qu’elle a fait, et elle a réussi à s’enfuir. Pouvez-vous imaginer la force que cela a dû lui demander ? »
Matchbox Twenty: 3AM
Sortie en tant que single en 1997, « 3AM » de Matchbox Twenty a rapidement gravi les échelons des charts. Plus de vingt-cinq ans plus tard, elle occupe la troisième place de la liste des « plus grandes chansons alternatives pour adultes de tous les temps » selon Billboard. Écrite par le chanteur du groupe, Rob Thomas, la chanson s’articule autour du refrain : « Et elle dit, Bébé, il est 3 heures du matin, je dois être seule / Eh bien, oui, quand elle dit, Bébé, je ne peux pas m’empêcher d’avoir peur parfois. »
Il est évident qu’avec de telles paroles, « 3AM » n’est pas une chanson joyeuse. Cependant, son inspiration est en réalité bien plus sombre que ce que les fans pourraient imaginer. Lorsque le groupe a présenté la chanson lors de l’émission VH1 Storytellers, Thomas a expliqué qu’elle était inspirée de son expérience personnelle à l’âge de 12 ou 13 ans. « Ma mère avait le cancer, » a-t-il confié. « Elle va mieux aujourd’hui, mais c’était une période étrange d’avoir cet âge et de devoir prendre soin de soi tout en s’occupant de sa mère … ‘Pourquoi maman dort-elle tout le temps ?’ Vous ne comprenez pas. Et c’est cette réflexion qui a donné naissance à la chanson. »
Death Cab for Cutie : I Will Possess Your Heart
En 1983, The Police a frappé un grand coup avec son premier (et unique) succès numéro un, une chanson que beaucoup de mélomanes prenaient pour une touchante déclaration d’amour. Pourtant, la signification cachée de « Every Breath You Take » se révèle bien plus sombre, traitant d’un amour possessif et obsessionnel.
Deux décennies plus tard, le groupe Death Cab for Cutie a exploré des thèmes similaires avec son succès de 2008, « I Will Possess Your Heart. » Comme son titre l’indique, cette chanson aborde une relation unilatérale, où un homme devient obsédé par une personne qui lui est indifférente, jurant de changer cette dynamique. Ce titre dépeint un hymne inquiétant où le chanteur Ben Gibbard évoque son attente en dehors de la maison de celle qu’il aime, selon les propos du critique musical du Washington Post, Josh Freedom du Lac, lors d’une émission sur NPR.
« La chanson parle essentiellement d’un stalker, » a confié Gibbard dans une interview avec Paste Magazine en 2018, confirmant que « I Will Possess Your Heart » est bien un hommage à l’obsession. « C’est l’histoire d’un homme bien qui désire une fille qu’il ne peut pas avoir, persuadé qu’ils finiront ensemble dès qu’elle réalisera à quel point il est génial — il lui suffit d’attendre. C’est ce qui rend la chanson vraiment dérangeante, cette illusion de croire qu’ils sont faits pour être ensemble. C’est une chanson profondément sombre. »
R.E.M.: The One I Love
Bien que les fans se demandent ce qu’est devenu R.E.M. après la séparation du groupe en 2011, les succès qu’ils ont enregistrés au cours de leur carrière de trois décennies continuent de résonner. Parmi ces succès figure le single de 1987 « The One I Love », qui a atteint la neuvième place du Billboard Hot 100 cette même année. Le titre laisse penser qu’il s’agit d’une chanson d’amour, tout comme les paroles d’ouverture : « Cette chanson est dédiée à celui que j’aime / Cette chanson est dédiée à celui que j’ai laissé derrière. »
Cependant, le guitariste de R.E.M., Peter Buck, a précisé dans une interview que « The One I Love » est une anti-chanson d’amour, mais comme ‘celui que j’aime’ figure dans le titre… nous l’avons souvent jouée et je regardais dans le public, où des couples s’embrassaient. Pourtant, dans le couplet, on entend : ‘Cette chanson est dédiée à celui que j’aime / Un simple accessoire pour occuper mon temps.’ C’est terriblement anti-amour.
Le chanteur principal, Michael Stipe, a même presque refusé d’enregistrer la chanson car il la trouvait trop sombre. Dans une interview avec le magazine Q, il a décrit « The One I Love » comme « vraiment violente et horrible, » et juste « trop brutale. »
Toadies: Possum Kingdom
En 1994, le groupe grunge Toadies a sorti « Possum Kingdom », une chanson qui raconte l’histoire d’un homme innocent qui croise une femme mystérieuse qui l’attire sur un chemin sombre. Selon le chanteur Vaden Todd Lewis, l’inspiration pour cette chanson est venue alors qu’il regardait beaucoup de films d’horreur à ce moment-là.
« J’ai toujours été un grand fan de films d’horreur – plus ils sont ridicules, mieux c’est », a déclaré Lewis, expliquant qu’il avait imaginé la situation de la chanson dans sa tête. « Il est attiré par une fille, et elle l’invite à une fête folle qui est en réalité une sorte de culte. » Il a ajouté : « Je me suis demandé ce que ce gars allait faire, donc il décide d’y aller, et bien sûr, il aurait envie de passer du temps avec quelqu’un, alors il essaie de séduire la prochaine personne (une femme) pour l’attirer dans ce culte, et c’est de cela qu’il s’agit dans ‘Possum Kingdom’.
Lewis a situé cette chanson au lac Possum Kingdom, un véritable plan d’eau artificiel au Texas. Ainsi, de nombreux auditeurs ont commencé à croire que Lewis chantait des événements réels ; cela a au fil du temps donné naissance à une légende urbaine au sujet d’un tueur en série rôdant autour du lac, assassinant des victimes tout en restant en liberté. Lewis a cependant confirmé que tout cela n’était que des balivernes. « J’ai juste inventé ça », a-t-il déclaré.
The Beatles : Run for Your Life
Imprégnée d’une touche de twang country, « Run For Your Life » est un titre énergique issu de l’album « Rubber Soul » des Beatles, qui, sous des airs entraînants, dissimule en réalité une célébration misogyne de la violence domestique. Le sens caché de cette chanson s’exprime dès les premiers mots, où un John Lennon jaloux chante que si jamais il surprend sa partenaire avec un autre homme, elle ferait mieux de s’enfuir. L’ouverture des paroles est frappante : « Eh bien, je préférerais te voir morte, petite fille, plutôt que d’être avec un autre homme. »
Des années plus tard, Lennon lui-même a avoué qu’il n’était pas très attaché à cette chanson, non pas pour les raisons évoquées, mais parce qu’il la considérait comme un produit de son inspiration rapide. Dans une interview accordée à Rolling Stone en 1970, il a révélé que le morceau s’inspirait d’une réplique d’Elvis Presley dans « Baby Let’s Play House ».
Une décennie plus tard, Lennon a confronté son passé tumultueux en déclarant à Playboy qu’il avait été un petit ami violent dans sa jeunesse. « J’étais cruel avec mes compagnes, physiquement — avec n’importe quelle femme. J’étais un frappeur. Je ne savais pas m’exprimer, alors je frappais, » a-t-il avoué, faisant référence aux paroles de sa chanson « Getting Better ». « Je suis un homme violent qui a appris à ne plus l’être et qui regrette sa violence, » a-t-il ajouté. « Je devrai être beaucoup plus âgé avant de pouvoir affronter en public la façon dont j’ai traité les femmes quand j’étais jeune. »