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Ne vous laissez pas tromper par la poignée de mauvaises chansons qui ont atteint le sommet des classements pop américains dans les années 1970 : cette décennie a regorgé de musiques exceptionnelles. Période d’explosion créative, c’est à ce moment-là que les artistes ont perfectionné et popularisé le rock de stade, le hard rock, le disco, le reggae, le funk et le soft rock, couronnant de nouvelles superstars allant des Bee Gees à Led Zeppelin en passant par Elton John.
Ce fut une époque très active pour la musique grand public. Produire et vendre des disques est une industrie, ce qui peut parfois se transformer en une course acharnée pour sortir le plus grand nombre possible de titres consensuels visant à plaire immédiatement aux foules. Le résultat : une production constante de singles conçus pour envahir les radios, se vendre en masse, dominer les classements, puis disparaître.
De nombreux numéros 1 des années 1970 étaient d’excellente facture selon les critiques rock et le grand public : « My Sweet Lord » de George Harrison, « Superstition » de Stevie Wonder et « I Will Survive » de Gloria Gaynor ont tous rejoint ce club d’élite. Mais ce fut aussi le cas de nombreuses autres chansons, jetables au mieux et inécoutables au pire. Voici les cinq pires chansons des années 1970 à avoir atteint la première place du Billboard Hot 100.
Rick Dees and His Cast of Idiots, « Disco Duck »
En 1976, un DJ de club nommé Rick Dees, répondant à la demande de ses clients, diffusait énormément de disques disco. Il en passait tellement qu’il a fini par considérer le genre comme une mode passagère qu’il pouvait parodier en chanson. Inspiré par un ami capable d’imiter Donald Duck et par un disque d’apprentissage de danse de 1960 intitulé « The Duck », Rick Dees a écrit « Disco Duck » en un après-midi. Il a cependant attendu trois mois avant de l’enregistrer, peinant à trouver de l’aide car personne ne croyait au potentiel du morceau.
C’est après avoir fait rire les enfants d’un cadre de maison de disques que la chanson a bénéficié d’une sortie nationale sous le label RSO Records, trônant à la première place pendant une semaine en 1976. Bien que suffisamment d’auditeurs l’aient trouvée amusante pour acheter le 45 tours, ils ne l’ont probablement écoutée que quelques fois avant qu’elle ne perde tout son intérêt.
Les contacts de Rick Dees dans l’industrie musicale avaient vu juste : « Disco Duck » est une chanson médiocre. Sur un rythme disco générique, des choristes hurlent le titre du morceau entre des couplets interprétés par un Dees surexcité. Ce dernier adopte un style mi-chanté, mi-parlé digne d’un animateur de jeu télévisé, racontant l’histoire d’un canard qui s’enflamme dans une boîte de nuit. Et bien sûr, on y entend une imitation bas de gamme de Donald Duck, flirtant avec la violation de droits d’auteur.
Meco, « Star Wars Theme / Cantina Band »
En plus d’être ringarde et étrange, « Star Wars Theme / Cantina Band » est une tentative paresseuse et éhontée de capitaliser sur de multiples phénomènes culturels. Ce morceau transpire les années 1970 : il s’agit d’un medley en deux parties comprenant des versions disco du thème orchestral de John Williams pour le film « Star Wars : Un nouvel espoir » (1977), et de la célèbre mélodie jouée par un groupe de créatures exotiques lorsque Luke Skywalker et Obi-Wan Kenobi pénètrent dans la cantina de Mos Eisley, sur Tatooine.
Ces deux instrumentaux, l’un classique et l’autre futuriste, ont été intégrés au chausse-pied dans le format très spécifique et contraignant du disco. Tout y est exagéré pour créer un morceau de danse frénétique, noyé sous un excès de cuivres et d’instruments à cordes répétant inlassablement les mêmes motifs familiers.
Meco, nom de scène du producteur et musicien de studio Meco Monardo, a bâti toute sa carrière en produisant des versions disco un peu kitsch de musiques célèbres qui ne se prêtaient pas forcément au genre. Il a ainsi repris les thèmes de « Rencontres du troisième type », « Le Magicien d’Oz », « Shogun » et des deux films « Star Wars » suivants. Un seul de ces titres a cependant réussi à atteindre la première place. La domination culturelle de « Star Wars » et la demande insatiable pour les produits dérivés du film de science-fiction ont propulsé « Star Wars Theme / Cantina Band » à la première place pendant une semaine en octobre 1977.
Chuck Berry, « My Ding-A-Ling »
Chuck Berry a été l’une des premières superstars fondatrices du rock grâce à ses tubes des années 50 et 60 comme « Johnny B. Goode » et « No Particular Place to Go ». Pourtant, l’unique numéro 1 de toute sa carrière fut « My Ding-A-Ling » en 1972. Il s’agit d’une chanson humoristique, à ceci près qu’elle n’est pas vraiment drôle. C’est à peine une chanson. Ressemblant à une comptine, « My Ding-A-Ling » parle d’un enfant qui demande aux autres s’ils veulent voir son jouet, son « ding-a-ling », tout l’intérêt reposant sur un jeu de mots suggestif.
Étant donné que Chuck Berry a fait de la prison et fait face à des poursuites judiciaires pour des comportements déplacés et illégaux, l’entendre supplier le public à plusieurs reprises d’examiner un jouet pouvant être confondu avec des parties génitales a de quoi mettre mal à l’aise. La chanson semble d’ailleurs très fière de sa propre malice ; Berry chante avec un sourire en coin presque audible.
Musicalement, « My Ding-A-Ling » est très pauvre. Chuck Berry a enregistré le titre en direct et s’appuie lourdement sur la participation du public, incitant la foule à chanter le refrain. L’auditeur peine à distinguer les paroles lors de ces passages, même lorsque Berry arrête l’accompagnement musical. L’instrumentation se résume à une guitare pinçant maladroitement quelques notes répétitives qui menacent constamment de perdre le rythme.
Starland Vocal Band, « Afternoon Delight »
« Afternoon Delight » tient à la fois de la chanson folk et de l’arrangement choral à plusieurs voix. Curieusement, en pleine apogée du disco et du rock de stade en 1976, ce titre a été numéro 1 aux États-Unis pendant deux semaines.
Interprétée par le Starland Vocal Band, un groupe composé du couple marié Bill et Taffy Danoff ainsi que des chanteurs Jon Carroll et Margot Chapman, la chanson alterne harmonies et chant à l’unisson. Les premières sont un peu plates, tandis que le second est insupportablement strident, interprété dans un registre aigu presque incompréhensible. Ajoutez à cela quelques grattements de guitare légers, typiques des chansons de John Denver dans les années 1970 (avec qui Bill Danoff collaborait d’ailleurs fréquemment), et vous obtenez un mélange musical mou et irritant.
Les paroles n’arrangent rien. Un « Afternoon Delight » désigne une relation intime l’après-midi. La chanson raconte l’histoire d’un couple de longue date qui attend désespérément de faire l’amour en pleine journée, détaillant à quel point ce sera merveilleux. « Afternoon Delight » est finalement une chanson très peu sensuelle sur la sexualité, qui a pourtant dominé les classements dans une décennie où la musique regorgeait de contenus charnels bien plus subtils.
Paul Anka et Odia Coates, « (You’re) Having My Baby »
Considérée par beaucoup comme la pire chanson de tous les temps, « (You’re) Having My Baby » prend inévitablement la tête de cette liste des pires numéros 1 des années 1970. Paul Anka, idole des jeunes dans les années 1950, a fait son retour dans les années 1970 en tant que crooner de ballades amoureuses laborieuses. Lente et monotone, ponctuée d’envolées de cuivres et chantée d’une voix soporifique, la chanson semble taillée sur mesure pour l’une des nombreuses émissions de variétés ringardes de l’époque.
Cette esthétique rétrograde correspond parfaitement aux paroles. Avec la chanteuse émergente Odia Coates prêtant sa voix au personnage féminin de façade, Paul Anka chante du point de vue d’un homme ravi que sa femme soit enceinte. Il est particulièrement heureux car il considère cette grossesse comme la façon pour sa femme de lui dire « je t’aime », la chanson étant sa façon à lui de la remercier de servir de réceptacle à son héritier. D’ailleurs, il ne dit pas « notre bébé », mais bien « mon bébé » (« my baby »).
Bien que le titre soit resté numéro 1 pendant deux semaines en juillet 1976, Paul Anka a essuyé de vives critiques à l’époque. Le magazine féministe « Ms. » l’a désigné « Phallocrate de l’année », tandis que d’autres médias ont qualifié la chanson d’ennemie du mouvement pour l’égalité des droits. En fin de compte, l’œuvre s’avère tout simplement dérangeante, arrogante et condescendante.