Sommaire
Le paysage musical de 2002
Selon Soundscan, les auditeurs de musique en 2002 se tournaient particulièrement vers deux genres après une décennie dominée par les boys bands et Britney Spears : le rap et la musique country. Le hip-hop/rap connaissait une énorme popularité, enregistrant une croissance régulière depuis ses débuts. Cependant, la montée en puissance de la musique country a été en quelque sorte surprenante, le New York Times affirmant que ce genre reflétait mieux l’humeur nationale des États-Unis, s’étendant ainsi dans les zones urbaines et suburbaines.
Parmi les albums les plus populaires de 2002, seuls huit d’entre eux appartenaient aux genres pop et rhythm and blues, qui avaient longtemps dominé l’industrie musicale. Une étude réalisée par l’American Enterprise Institute sur les différents formats de musique entre 1973 et 2015 a révélé qu’en 2002, les ventes de CD avaient atteint un sommet avec 95,5 % des ventes de musique enregistrée. Cependant, ces ventes ont chuté de 22 % un peu plus d’une décennie plus tard, marquant la première baisse depuis l’apparition des CD en 1986.
Ce pic et cette chute des ventes sont largement attribués à la création de l’iPod d’Apple, suivie du lancement d’iTunes en 2003. Avec l’avènement d’iTunes, Apple a réussi à rendre le téléchargement de musique accessible à tous, révolutionnant ainsi la manière d’écouter et de consommer de la musique.
Hot in Herre de Nelly
La phrase entraînante « Il fait chaud ici, alors enlevez tous vos vêtements » est sans doute l’une des paroles les plus simples et provocatrices du morceau le plus accrocheur. Le rappeur Nelly, originaire de Saint-Louis via le Texas, a su capturer l’essence de son environnement à travers sa musique, mettant en avant les monuments, les équipes sportives et les rues de sa ville. Si le rap est souvent associé à des identités régionales, The New York Times souligne que Saint-Louis se distingue par son originalité. Les références dans ses chansons peuvent parfois sembler abstraites, mais cela n’a pas empêché Nelly de les diffuser, même si les allusions pouvaient être nébuleuses pour l’auditeur moyen.
Cependant, c’est avec « Hot in Herre », un titre peu chargé en références, que Nelly a réussi à marquer les esprits. Il est d’autant plus amusant de savoir que cette chanson ne figurait pas initialement sur la liste des titres de l’album Nellyville, jusqu’à ce que le vétéran du hip-hop, Busta Rhymes, vienne au secours de l’artiste. En effet, Busta, entendant le rythme depuis sa salle d’enregistrement voisine, est venu confirmer à quel point ce beat était « infectieux ». Nelly rapporte que Busta lui aurait dit : « Oh Nelly … tu as déjà mis quelque chose là-dessus ? … Tu vas voir toutes les femmes du monde enlever leurs vêtements » (via Fader). Bien que ce type de phrase puisse sembler inapproprié aujourd’hui, il est important de se rappeler que le hip-hop a une histoire marquée par des discours misogynes.
A Thousand Miles par Vanessa Carlton
À seulement 20 ans, Vanessa Carlton s’est rendue à Los Angeles pour convaincre Jimmy Iovine de lui donner une chance de jouer sa musique. Celui-ci la mit en relation avec Ron Fair, avec qui elle composa le célèbre titre « A Thousand Miles ». Dans un documentaire récent intitulé « L’histoire de ‘A Thousand Miles' », Carlton confie avoir détesté cette chanson pendant des années après son succès. Elle la voyait comme une étiquette de « one-hit wonder », la faisant passer pour une artiste éphémère, malgré ses autres albums publiés par la suite.
Indépendamment de son opinion sur le morceau, les auditeurs de l’époque en redemandaient. Les charts Billboard l’ont prouvé, puisque la chanson a atteint la première place des classements Adult Contemporary pendant sept semaines et celle des Mainstream Top 40 pendant cinq semaines.
Complicated par Avril Lavigne
À l’âge de 16 ans, Avril Lavigne a quitté l’école pour s’installer à New York afin de se lancer dans une carrière musicale. Elle a collaboré avec des vétérans de la musique qui cherchaient à la modeler dans un style country. Toutefois, de frustration en frustration, elle n’a pas réussi à trouver son identité musicale et s’est finalement dirigée vers Los Angeles, où elle a intégré un groupe de compositeurs connu sous le nom de « Matrix ».
Lors de leur première rencontre, Lauren Christy a décrit Lavigne : « Cette gamine avait des brosses à dents fondues sur les bras, ses cheveux étaient tressés et elle portait des bottes de skateur noires ». C’est sous la direction de ce groupe qu’elle a écrit « Complicated », qui a immédiatement été reconnu comme un tube par sa maison de disques. Ce titre a ainsi contribué à forger la mystique de la punk-girl skateur qui allait devenir l’image emblématique de Lavigne.
La chanson « Complicated » a parfaitement joué en sa faveur, lui permettant de briller sous les projecteurs. Elle a gravi les classements Billboard, atteignant notamment la première place du Adult Top 40 pendant 16 semaines et celle du Mainstream Top 40 pendant 8 semaines.
Gangsta Lovin’ par Eve ft. Alicia Keys
Eve était au sommet de sa carrière au début des années 2000. En 2002, la revue Rolling Stone la qualifiait de « femme la plus sexy du Hip-Hop ». À cette époque, elle avait déjà remporté un Grammy et avait sorti deux albums à succès, souvent comparée à la féministe Queen Latifah et à la plus sensuelle Lil’ Kim. De plus, elle était seulement la troisième femme rappeuse à voir un album débuter à la première place en 1999.
Le site IGN a salué « Gangsta Lovin' » comme une ballade pleine d’âme au milieu d’un album rempli de morceaux vantards et plus agressifs. La majeure partie de cette âme pouvait être attribuée à Alicia Keys, qui collabore sur la chanson.
Étrangement, le morceau n’a jamais atteint la première place aux États-Unis, mais il a triomphé en atteignant le numéro un des charts rhythm and blues au Royaume-Uni, selon Official Charts. Sa meilleure performance aux États-Unis a été la deuxième place sur plusieurs classements Billboard, dont le Hot 100 et le Hot R&B/Hip Hop Songs.
Lose Yourself par Eminem
En 2002, Eminem passa d’un phénomène du rap à un succès grand public avec la sortie de « The Eminem Show » ainsi que de la bande originale du film « 8 Mile ». La chanson « Lose Yourself », présente dans ce dernier, devint le morceau emblématique de l’année, avec une performance rap puissante et des beats incroyables. Selon Jeff Bass, co-auteur de longue date, la création de cette chanson prit environ un an. La musique fut développée en premier, tandis que les paroles nécessitèrent plus de temps pour être parfaitement ajustées.
« Ce n’est qu’après qu'[Eminem] reçût le script du film qu’il trouva les paroles et tout s’est alors mis en place. Il y avait quelque chose dans l’ambiance de la musique qui nous touchait vraiment. Nous la sortions régulièrement de l’ordinateur pour faire des révisions, espérant qu’elle puisse raviver des émotions en nous. Nous aimions ce morceau », confia-t-il à Billboard.
La chanson est si étroitement liée au film « 8 Mile » qu’il devient difficile de dissocier la réalité de la fiction. Comme l’écrit Rich Knight, la chanson et le film racontent une version semi-fictionnelle de la vie d’Eminem. Par exemple, dans une des lignes, le personnage d’Eminem, Jimmy Smith Jr., rappe au sujet d’un « Rabbit », qui se rapporte spécifiquement au personnage qu’Eminem interprète dans le film, B-Rabbit. Cependant, lorsque le rap évoque Mekhi Phifer, la chanson pénètre dans le « monde réel » du film et la vraie vie d’Eminem. Phifer joue le rôle du meilleur ami d’Eminem dans le film, mais il n’a évidemment pas existé dans la réalité.
Hero de Chad Kroeger
Chad Kroeger, le frontman du groupe Nickelback, a connu une belle ascension avec l’album Silver Side Up l’année précédente. En 2002, il a eu l’opportunité d’écrire une chanson marquante pour l’un des premiers films de super-héros modernes, Spider-Man de Sam Raimi. Le titre Hero a été nommé dans trois catégories aux Grammy Awards cette année-là : Meilleure Performance Rock par un Duo ou un Groupe avec Voix, Meilleure Chanson Rock, et Meilleure Chanson Écrite pour un Film, une Télévision ou un Autre Médias Visuels.
Selon AllMusic, la bande originale du film privilégie un son rock mainstream, sans chercher à reproduire l’originalité du film ou du personnage de Peter Parker. Hero est décrite comme un « hymne rock sombre », témoignant d’une volonté de plaire au public des radios grand public plutôt que de créer une sélection musicale en phase avec l’essence du film. En effet, Hero a suscité un bon accueil, passant 19 semaines en troisième position du classement Active Rock de Billboard, prouvant ainsi qu’elle demeure un classique intemporel.
Soak Up the Sun de Sheryl Crow
« Soak Up the Sun » est devenu l’un des plus grands succès de Sheryl Crow, succédant à « All I Wanna Do » en 1993. Ce titre a été le premier extrait de son quatrième album, « C’mon, C’mon », et a atteint la première place du classement Billboard Adult Contemporary. Cette mélodie pop entraînante a su percer à travers l’obscurité d’une période troublée de l’histoire américaine, marquée par les événements du 11 septembre et les conséquences économiques qui en ont découlé. Après un hiver difficile suite aux attentats, il était évident que le public avait besoin d’une chanson plus joyeuse et réconfortante, un véritable hymne estival.
Sheryl Crow a elle-même traversé des moments de dépression pendant l’enregistrement de cet album. Elle a confié : « J’étais sujette à la mélancolie au quotidien. Je pensais pouvoir m’en sortir par le travail. Je croyais que cela guérirait mes blessures, mais en fait, cela n’a fait qu’aggraver la situation. Je pensais que la musique serait ma médecine, mais c’était une illusion. » Elle a donc mis le projet de côté un temps, avant de retrouver en studio une approche « sans effort » lors de l’enregistrement de ce single phare. La chanson, agréable à écouter, se distingue par son contenu et son son doux, offrant une pause bienvenue à ceux qui cherchaient une lueur d’espoir.
Work It de Missy Elliott
L’album « Under Construction » de Missy Elliott, sorti en 2002, marque un sommet dans sa carrière d’artiste de hip-hop. Même Pitchfork a loué cet album, bien qu’il considère que, malgré sa qualité, il ne pourra pas détrôner « Critical Beatdown » comme son meilleur ouvrage. Toutefois, il a intensifié l’intérêt autour de son travail, incitant les aficionados de hip-hop à lui accorder une attention plus sérieuse. Dans le morceau « Work It », les rythmes old school de Timbaland se marient parfaitement avec les personnalités excentriques de Missy et ses penchants pour la science-fiction.
La chanson a connu une telle popularité qu’il était incontournable de regarder son clip à l’époque. Si quelqu’un n’avait pas encore visionné la vidéo, c’était un must de cesser toute activité, d’allumer MTV et de la chercher. C’était un phénomène de masse.
Ce qui est particulièrement amusant dans le refrain de « Work It », c’est qu’il est né d’une erreur de l’ingénieur du son. Alors qu’ils étaient en studio, un accroc a provoqué un passage en arrière du rythme, et Missy Elliott a décidé de garder cet effet, déclarant : « Yo, garde ça, et je vais écrire autour ». Ainsi est née la célèbre phrase : « Ti esrever dna ti pilf, nwod gniht ym tup », qui se traduit par : « Mets mon truc à terre, retourne-le et inverse-le », étalée sur la piste. Ce moment inattendu a contribué à faire de ce morceau une œuvre mémorable, enveloppée dans une vidéo tout aussi déjantée.
Days Go By de Dirty Vegas
Sorti en 2002, « Days Go By » de Dirty Vegas a marqué les esprits aux États-Unis, bien que le groupe anglais s’inscrive dans une tradition musicale plus vaste en lien avec la culture house et rave du Royaume-Uni, remontant aux années 80. Alan Garth de The Wicked Crew, un groupe de house de San Francisco, a évoqué l’essor de la culture sound system au Royaume-Uni, où des fêtes acid house et des raves étaient souvent organisées dans des lieux non autorisés, des entrepôts ou même des champs.
Ce riche héritage a été exploité par Dirty Vegas, qui a réussi à atteindre la septième place des charts Billboard et à remporter un Grammy. Steve Smith, le chanteur de Dirty Vegas, a partagé que la chanson avait initialement été écrite comme un morceau acoustique en 1999. « Ben et Paul (Hydrogen Rockers) m’ont demandé s’ils pouvaient travailler sur des chansons. Ils ont retravaillé le morceau, qui nécessitait une voix plus rapide, et c’est ainsi que la version que vous connaissez aujourd’hui est née. »
Le clip de la chanson présente un danseur de rue âgé, réalisant des mouvements sur un plat de carton devant ce qui semble être un bar ou un diner. Smith se souvient de la magie de ce moment, avec des voitures s’arrêtant pour admirer la chorégraphie pendant le tournage du clip : « Nous savions que cela allait être quelque chose de très spécial ».
Dirrty de Christina Aguilera
Lorsque l’année 2002 a débuté, beaucoup ne connaissaient Christina Aguilera que grâce à son tube de 1999, « Genie in a Bottle ». Cependant, personne ne s’attendait à l’impact qui suivrait trois ans plus tard avec la sortie de « Dirrty », notamment à travers le clip audacieux qui l’accompagnait. Ce morceau a dominé les charts pendant 15 semaines, atteignant la 14ème position du top 40 selon Billboard.
Comme l’a souligné Shilpa Ganatra dans The Irish Times, c’était “la mélodie qui nous a montré sans ambiguïté que ses jours de pureté étaient révolus.” Aguilera elle-même a décrit ce moment comme sa minute de rébellion, où elle a choisi de renoncer à l’innocence véhiculée par la pop contemporaine, en contraste avec des artistes comme Britney Spears et N’Sync. Elle a déclaré, “Je ne voulais pas jouer à ce jeu, je n’étais pas cette fille. Je tenais à être honnête et authentique… C’était ma manière de dire que je suis une femme fière de ma sexualité. J’étais fière de ma vulnérabilité. J’étais fière du fait que j’avais lutté pour me faire une place dans cette industrie.”
Clocks de Coldplay
Bien que Coldplay ait déjà fait parler d’eux avec leur chanson « Yellow » issue de leur premier album, c’est avec « Clocks », tirée de leur deuxième album intitulé « A Rush of Blood to the Head », qu’ils ont véritablement pris leur envol pour devenir l’un des plus grands groupes de notre époque. Inspirée par le son puissant et rythmique de Muse, cette chanson évoque le passage difficile du temps grâce à son accroche cyclique captivante, qui a séduit tant les membres du groupe que le public.
En réalité, « Clocks » fut la dernière chanson intégrée à l’album. Initialement, cette piste était destinée à leur troisième album projeté, « Songs for #3 ». Cependant, insatisfaits du résultat de leur second album, le label leur a permis de retarder sa sortie. Ce temps supplémentaire leur a permis de parfaire « Clocks », laquelle était la véritable « grit in the oyster » (le grain de sable dans l’huître) qui a donné toute sa valeur à l’album.
D’après Jon Wiederhorn dans un article pour MTV, les paroles de « Clocks » semblent traduire le sentiment d’impuissance d’une personne prise dans une relation dysfonctionnelle qu’elle n’aspire pas nécessairement à quitter. Les mélodies cycliques y apportent une ambiance à la fois oppressante et poignante, accentuant l’intensité émotionnelle de la chanson.
No One Knows par Queens of the Stone Age
Au fil des années, le groupe Queens of the Stone Age a vu défiler de nombreux membres issus d’autres formations emblématiques telles que Soundgarden et Dinosaur Jr. C’est finalement avec leur troisième album, Songs for the Deaf, que le single « No One Knows » a vu le jour, avec la participation de Dave Grohl, célèbre pour son travail avec Nirvana et Foo Fighters. Cette période a également marqué la collaboration avec Mark Lanegan des Screaming Trees et Troy van Leeuwen de A Perfect Circle lors de la tournée qui a suivi la sortie de l’album.
« No One Knows » a atteint la première place des charts Alternative Airplay, selon Billboard. Comme le souligne Louder, bien que le morceau soit accrocheur, son véritable sens demeure flou et énigmatique. Les paroles évoquent divers thèmes, allant de la drogue et de l’amour à des voyages mystérieux. Le chanteur principal, Josh Homme, a même reconnu qu’il ne comprenait pas totalement le sens de ses propres mots. Ces éléments indéfinissables, tant dans « No One Knows » que dans l’ensemble de l’album, contribuent à son attrait durable, le rendant non seulement mémorable mais aussi techniquement impressionnant dans le domaine du rock.