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On dit que le passé est un pays étranger ; là-bas, les choses se passent différemment. Cette affirmation s’applique à de nombreux aspects, comme la mode, le design ou certains programmes télévisés qui, avec le temps, ont perdu leur pertinence. En revanche, en matière de musique, bien que les styles évoluent et que les artistes viennent et repartent, de vrais grands albums continuent de résonner aussi puissamment aujourd’hui qu’à leur sortie. Prenons l’exemple de la soul et du R&B d’antan : ces genres demeurent influents, inspirant des artistes contemporains tels qu’Anderson .Paak et Bruno Mars, malgré l’émergence de sons toujours plus innovants et de techniques d’enregistrement modernisées. Les auteurs-compositeurs d’aujourd’hui rendent-ils ceux du passé obsolètes ? Ou évoquent-ils plutôt la musique d’autrefois, nous la présentant sous un jour nouveau et nous permettant de l’écouter avec des oreilles rafraîchies ?
Un demi-siècle peut sembler une éternité dans l’histoire de la musique populaire, qui est par essence axée sur la nouveauté. Pourtant, la musique de 1972 fait encore partie des morceaux les plus appréciés du monde, même cinquante ans plus tard. Voici quelques classiques incontournables de cette année qui continuent de résonner avec force en 2022.
Aretha Franklin – Young, Gifted, and Black
La chanson « Young, Gifted and Black » était déjà familière du public américain lorsqu’elle a été choisie comme titre de l’album emblématique d’Aretha Franklin, sorti le 24 janvier 1972. Initialement écrite en 1969 sous le titre « To Be Young, Gifted and Black » par Nina Simone et Weldon Irvine, cette œuvre était un hommage à sa amie, la dramaturge Lorraine Hansberry, décédée du cancer en 1965 à l’âge de 34 ans. Donny Hathaway avait également interprété cette chanson avec succès sur son album debut en 1970.
Ainsi, Franklin a repris cet hymne du mouvement des droits civiques, le transformant en une puissante pièce gospel au cœur de l’un des albums les plus marquants de sa carrière. Des décennies plus tard, des publications comme Rolling Stone le classeraient parmi les meilleurs albums de tous les temps. Après un léger fléchissement à la fin des années 1960, Aretha Franklin connaissait en 1972 une résurgence de carrière. Arrivant un an après son album live « Live at Fillmore West, » qui avait démontré sa capacité à séduire un public rock, « Young, Gifted, and Black » présente une grande diversité musicale.
L’album contient des reprises de morceaux écrits par Burt Bacharach et Hal David, ainsi que par Lennon et McCartney, côtoyant les compositions originales de Franklin, souvent considérées comme parmi les meilleures de sa carrière. Celles-ci ont atteint la deuxième place des charts Billboard. Selon Albumism, bien que le contenu de l’album puisse sembler apolitique, son exécution – par exemple à travers la couverture – transforme ce chef-d’œuvre de 1972 en une démonstration de résilience face à l’esprit de la génération Black Power; un disque confiant qui continue de résonner aujourd’hui.
Paul Simon – Paul Simon
Sorti le même jour que l’album « Young, Gifted, and Black » d’Aretha Franklin, l’album solo éponyme de Paul Simon a opéré un retour significatif pour un artiste dont la carrière avait été profondément affectée par la fin des années 1960. Après une séparation tumultueuse avec son partenaire musical de longue date Art Garfunkel en 1970, Simon a ressenti le besoin de se réinventer, même en mettant temporairement sa carrière entre parenthèses pour enseigner l’écriture de chansons à New York. Toutefois, son besoin de créer s’est vite ravivé.
Enregistrant à Kingston, en Jamaïque, Simon a collaboré avec des membres des groupes de Jimmy Cliff et Toots & the Maytals pour réaliser le premier single de l’album, « Mother and Child Reunion ». Cette chanson, infusée d’éléments reggae, a rencontré un succès fulgurant, atteignant le Top 5. De plus, son voyage à Paris lui a permis de travailler avec une variété de musiciens, ajoutant ainsi des textures multiples à son oeuvre.
Parmi les titres marquants de cet album, « Me and Julio Down by the Schoolyard » se distingue comme un récit entraînant, mêlant des influences brésiliennes et abordant des thèmes de crime, et se révélant rempli de « casse-têtes lyriques », selon Classic Rock Review. Le résultat est un album éclectique qui préfigure les œuvres futures de Simon, notamment son chef-d’œuvre de 1986, « Graceland ».
Al Green – Let’s Stay Together
Album qui a propulsé Al Green vers la superstardom, Let’s Stay Together est le fruit d’une collaboration fructueuse entre le chanteur et le producteur chevronné Willie Mitchell. Les arrangements spacieux de Mitchell offraient un contrepoint parfait au style vocal « exceptionnellement expressif » de Green, selon Rolling Stone.
Comme l’a noté Pitchfork, le titre éponyme est malheureusement devenu le choix privilégié des crooners au fil des décennies depuis sa sortie en 1972. Cependant, l’enregistrement original d’Al Green reste étonnamment subtil, exhibant un niveau de finesse dont les reprises ultérieures se sont généralement éloignées. Il se dresse comme la pierre angulaire d’un album d’une incroyable gamme vocale. Cette chanson a atteint la première place du Billboard Hot 100 et demeure la chanson emblématique du chanteur.
Cependant, Let’s Stay Together, sorti le 31 janvier, ne raconte qu’une moitié de l’histoire de la domination de Green en 1972. Après avoir percé comme l’une des lumières du soul de Memphis, Green était rapidement retourné en studio. En octobre de la même année, il sortit un album suivant : I’m Still in Love with You, qui atteindra finalement le statut de disque de platine et cimentera la place de Green dans le firmament de la soul, selon la RIAA. En 2010, Let’s Stay Together fut intégré au Registre national des enregistrements de la Bibliothèque du Congrès, assurant ainsi sa signification artistique pour toujours.
Neil Young – Harvest
Sorti le 1er février 1972, « Harvest » se classe parmi les disques les plus appréciés du compositeur intemporel Neil Young. Cet album de country-rock, agrémenté de quelques divergences orchestrales, ne surprenait pas vraiment pour un jeune homme de 26 ans. Selon Albumism, ce disque était un reflet du style musical de ses contemporains comme Bob Dylan, tout en rendant hommage à son propre parcours musical au sein de Crosby, Stills, Nash & Young et à ses trois albums solo précédents, dont son chef-d’œuvre, « After the Goldrush » sorti en 1970.
Cependant, « Harvest » ne dénote pas un artiste en quête d’une direction. Au contraire, cet album a marqué le moment où le jeune musicien a maîtrisé son art et s’est affirmé comme un artiste à la hauteur de ses influences. Des titres comme « The Needle and the Damage Done », qui explore l’épidémie destructrice de l’héroïne des années 1970 – conséquence directe des horreurs de la guerre du Vietnam selon Stat – ont positionné Young comme un critique pertinent des enjeux sociaux de l’époque, à l’instar de Dylan dans les années 60.
La popularité de Young, quant à elle, ne cessait de croître. Selon Vice, le premier single de l’album, « Heart of Gold », a dominé les charts, tout comme « Harvest » lui-même, qui a fini par être couronné album le plus vendu de 1972.
Todd Rundgren – Something/Anything?
Bien que les Beatles aient ouvert la voie avec le concept de « studio comme instrument » au milieu des années 1960, de nombreuses possibilités offertes par la technologie d’enregistrement en constante amélioration restaient inexploitées en 1972. Des artistes comme Todd Rundgren, qui connaissait une période créative après avoir brièvement fait partie du groupe de rock psychédélique Nazz, étaient prêts à repousser les limites. C’est le savoir-faire technique audacieux de Rundgren qui a permis à « Something/Anything? », un ambitieux double album, de devenir l’un des enregistrements les plus appréciés de 1972.
Selon Ultimate Classic Rock, Rundgren a quitté New York pour Los Angeles afin d’enregistrer son troisième album solo. Dans un studio à la pointe de la technologie, ce musicien naturellement solitaire a commencé à créer chaque note et chaque prise vocale entièrement seul. Son concept de « one-man-band » aurait été soutenu par le Ritalin, lui fournissant l’énergie créatrice nécessaire pour jouer les multiples rôles d’ingénieur et de producteur, tout en réalisant chaque prise vocale et instrumentale.
Après qu’un tremblement de terre ait interrompu l’enregistrement, Rundgren est retourné à New York et a recruté plusieurs musiciens, dont le claviériste Mark « Moogy » Klingman, qui deviendra un collaborateur de longue date. Ces sessions ont donné naissance à certaines des meilleures chansons de la carrière de Rundgren, notamment « I Saw the Light », l’ouverture luxuriante et accrocheuse de l’album.
« Something/Anything? » a marqué le point culminant commercial de Rundgren, atteignant le 29ème rang des charts, tout en jetant les bases de son album psychédélique acclamé par la critique, « A Wizard, a True Star », sorti en 1973, selon Ultimate Classic Rock.
Nick Drake – Pink Moon
Bien que tous les albums de cette liste ne représentent pas des réussites éclatantes, certains, comme « Pink Moon » de Nick Drake, sorti le 25 février 1972, témoignent d’artistes tragiquement méconnus de leur vivant. Originaire de Warwickshire en Angleterre, Drake était un guitariste acoustique novateur de folk et de blues, qui perdit la vie en 1974 d’une overdose à l’âge de 26 ans. Malgré sa courte carrière marquée par des difficultés commerciales et un désintérêt pour le succès populaire, il était respecté dans la scène folk britannique, comme le rapporte le L.A. Times.
Drake enregistra son premier album, « Five Leaves Left », en 1969, alors qu’il étudiait à l’Université de Cambridge. Cet album et son successeur de 1971, « Bryter Layter », furent accueillis avec des critiques mitigées, le style fragile et vulnérable de Drake se distinguant peu dans un paysage musical dominé par des artistes pop flamboyants des années 70. Selon The Atlantic, Drake, profondément timide, abandonna finalement les performances en direct, ce qui compliqua sa relation avec les attentes des critiques et du public.
Le troisième et dernier album de Drake, « Pink Moon », se vendit encore moins que ses prédécesseurs lors de sa sortie, malgré les éloges critiques pour son son épuré et ses paroles saisissantes. Cependant, la notoriété de Drake augmenta considérablement des années plus tard, lorsque la chanson titre fut utilisée dans une publicité de Volkswagen en 1999, l’une des premières à inviter les spectateurs à télécharger le morceau. D’après The Atlantic, la publicité propulsa « Pink Moon » dans le Billboard Hot 100, offrant à cet artiste tristement négligé un public américain un quart de siècle après sa mort prématurée.
Deep Purple – Machine Head
Sorti le 25 mars 1972, le sixième album studio de Deep Purple réussit à transformer des cendres brûlantes en or rock 24 carats.
À cette époque, Deep Purple était à son apogée. Leur précédent album, « Fireball », publié en 1971, avait atteint les sommets des charts au Royaume-Uni, et le groupe s’était bien établi comme un acte phare en concert, jouant leur version du metal traditionnel à travers le monde. Ils se dirigèrent vers Montreux, en Suisse, pour enregistrer leur sixième album, emportant avec eux le Rolling Stones Mobile Studio — un camion équipé de matériel d’enregistrement à la pointe de la technologie, loué aux rockeurs de « Satisfaction », selon les récits de NPR.
Le plan était d’installer l’équipement au Casino de Montreux, avec l’objectif de produire un album qui réplique la puissance sonore des concerts de Deep Purple. Cependant, les choses ne se déroulèrent pas comme prévu.
Comme le rapporte le livre de Dave Thompson, Smoke On The Water: The Deep Purple Story, le casino brûla complètement à cause d’une fusée tirée par un membre du public lors d’un concert tumultueux de Frank Zappa et les Mothers of Invention, la nuit précédant le début de leurs enregistrements. Bien que le groupe ait dû revoir ses plans et se relocaliser au Grand Hotel, l’histoire de l’incendie et l’image de la fumée s’élevant du casino en flammes au-dessus du lac Léman inspirèrent Deep Purple pour le titre emblématique de l’album, « Smoke on the Water », qui devint un énorme succès international. L’album parent resta sur les charts Billboard pendant deux années entières, selon la même source.
The Rolling Stones – Exile on Main St.
Le 12 mai, les Rolling Stones ont publié leur premier album double, une œuvre aujourd’hui reconnue comme le meilleur travail du groupe par des publications comme Rolling Stone. Cependant, tout comme pour « Machine Head » de Deep Purple, ce sommet créatif n’a pas émergé dans des circonstances favorables, mais plutôt lors d’une période marquée par des difficultés et des divisions.
Pour entamer les sessions de ce qui allait devenir le 12ème album des Stones à sortir aux États-Unis, le groupe a utilisé le même studio mobile que Deep Purple avait emprunté pour se rendre dans le Sud de la France. C’est là que le guitariste Keith Richards avait loué une somptueuse villa. Selon Sean O’Hagan du Guardian, Richards est devenu la lumière directrice de ce qui allait se transformer en « Exile », les musiciens devant s’adapter à ses rythmes excentriques. Plutôt que d’être des sessions strictes et contrôlées, elles ont été improvisées, avec divers musiciens entrant et sortant, tandis que de nombreux membres principaux du groupe, y compris Mick Jagger lui-même, prenaient un rôle secondaire.
Charlie Watts, membre fondateur des Stones et batteur inébranlable décédé en 2021, a résumé l’atmosphère de ces sessions avec ces mots (via The Guardian) : « Une grande partie de ‘Exile’ a été faite selon la manière de Keith … c’est-à-dire, jouer 20 fois, mariner, jouer encore 20 fois. Il sait ce qu’il aime, mais il est très détendu … Keith est une personne très bohème et excentrique, c’est vraiment le cas. »
Elton John – Honky Château
Le même mois, le britannique Elton John a enfin conquis l’Amérique avec la sortie de son album « Honky Château », une œuvre qui marquerait le début de sa domination des charts des deux côtés de l’Atlantique tout au long de la décennie.
S’appuyant sur le succès modéré de l’album « Madman Across the Water » en 1971, John et son équipe se sont réunis dans une maison de campagne à 25 miles au nord de Paris, avec l’intention de créer un disque qui surprendrait les auditeurs et défierait leurs attentes. Selon l’ingénieur Ken Scott, ce nouvel album représenterait le point de départ de la deuxième phase de la carrière de John, symbolisant une rupture avec le passé.
Comme l’a souligné Jon Landau dans sa critique pour Rolling Stone, « Honky Château » est un album lyrique polyphonique, dans lequel John interprète les paroles de son collaborateur de longue date, Bernie Taupin, incarnant une série de personnages disparates tout en évoquant leurs obsessions et désirs inassouvis. « Honky Château » a été le premier LP de John à atteindre la première place des charts américains, un exploit qu’il a miraculeusement réitéré avec ses six albums studio suivants.
David Bowie – The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars
Il est difficile d’imaginer qu’un album conceptuel sur un extraterrestre apparaissant sur Terre pour avertir l’humanité d’une apocalypse imminente – annoncée par la chanson d’ouverture de l’album, « Five Years » – puisse devenir un véritable succès populaire. Pourtant, c’est précisément ce qui est arrivé avec The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, le cinquième album du rockeur britannique David Bowie, sorti en magasin le 16 juin 1972.
Dans un article de la Bibliothèque du Congrès, l’archiviste Susan E. Booth raconte l’histoire de Ziggy, qui, prêchant une doctrine rock ‘n’ roll de paix, d’amour et d’hédonisme, finit par devenir victime de sa propre mythologie avant d’être détruit sur scène par ses propres adeptes – une métaphore en technicolor du cycle de vie des contemporains glam rock de Bowie. Comme le souligne Booth, Bowie a pris ses distances avec le personnage rock typique de l’époque en adoptant la personnalité de Ziggy. Le chanteur expliquait : « Jusqu’alors, l’attitude était ‘Ce que vous voyez est ce que vous avez.’ Il semblait intéressant d’essayer de concevoir quelque chose de différent, comme une comédie musicale où l’artiste sur scène joue un rôle. »
En effet, Bowie envisageait de reformuler le concept de Ziggy en une véritable extravagance musicale l’année suivante, avant de réaliser que la liberté offerte par des personnalités multiples pourrait être la clé d’une carrière de renouvellement créatif constant. Ziggy n’était que le premier des nombreux personnages que Bowie adopterait au fil des décennies, mais d’une certaine manière, l’extraterrestre rock ‘n’ roll demeure l’une de ses œuvres les plus marquantes.
Curtis Mayfield – Super Fly
Le troisième album studio de Curtis Mayfield, sorti le 11 juillet 1972, a rapidement rencontré un immense succès. Cette réussite était en grande partie due à son rôle en tant que bande originale du film emblématique de blaxploitation du même nom, réalisé par Gordon Parks Jr., qui a vu le jour quelques semaines plus tard avec un accueil critique et commercial favorable.
Mayfield, après avoir quitté The Impressions en 1970, s’était imposé comme un conteur poétique et sensible de la vie de la communauté afro-américaine. Alors que ses premières œuvres traduisaient l’optimisme et la confiance propres à l’ère des droits civiques, des morceaux tels que « Move On Up » et « Keep On Pushing », il a su, avec « Super Fly », montrer son talent de lyriciste, capable de raconter les histoires des personnages du film sans tomber dans le piège du moralisme (bien que, comme l’indique la BBC, « Super Fly » véhicule un message clairement anti-drogue) ni même de glamoriser ces vies tumultueuses. Les instrumentaux de l’album, quant à eux, se tiennent parmi les plus élégamment cool de la musique populaire.
Avec une trilogie de titres emblématiques comprenant « Freddy’s Dead », « Pusherman » et, bien sûr, le titre accrocheur « Super Fly », cet album reste un pilier du soul/funk pour des générations d’artistes cherchant à s’approprier ces sonorités.
Cat Stevens – Catch Bull At Four
Dans les années 1970, l’album « Tea for the Tillerman, » avec son tube « Wild World, » a finalement permis à Cat Stevens d’émerger en tant que star internationale, après des débuts difficiles dans les années 1960. Ses compositions incluaient des chansons qui se révéleraient être des classiques, comme « The First Cut is the Deepest, » qui deviendra un succès majeur pour Rod Stewart. Cependant, c’est en 1972 que Stevens a véritablement réalisé son potentiel avec la sortie de « Catch Bull At Four. »
Selon des sources musicales, la carrière de Stevens a continué à briller tout au long de 1971, année durant laquelle il a publié l’album « Teaser and the Firecat, » qui a atteint la deuxième place des charts Billboard. « Catch » a surpassé cette performance, occupant la première position des charts américains pendant trois semaines, soutenue par une tournée extensive à travers les États-Unis pour promouvoir l’album.
La sortie de l’album en 1972 est considérée comme l’aboutissement d’une « progression spirituelle » qui traversait les œuvres précédentes de Stevens. Cette évolution a peut-être été catalysée par une réflexion croissante sur la vie et l’existence, à la suite de son hospitalisation pour une tuberculose presque mortelle en 1969. Cette période préparait également le terrain pour sa réinvention musulmane et son renouveau sous le nom de Yusef Islam en 1977.
Black Sabbath – Vol. 4
Septembre a marqué l’un des albums les plus lourds de l’année avec la sortie de « Vol. 4 », le quatrième opus de Black Sabbath en un peu plus de deux ans. Bien que Pitchfork n’hésite pas à qualifier « Vol. 4 » de l’un des sommets de la carrière de Sabbath, le titre de leur meilleur album reste, selon eux, attribué à « Paranoid », sorti en 1970. Néanmoins, leur album de 1972 demeure un classique « indispensable » du genre métal.
Lorsque l’enregistrement débuta en mai de cette année-là, le groupe traversait déjà une période de déséquilibre qui allait marquer le reste de sa carrière. Tommy Iommi, le guitariste et producteur de l’album, a admis que durant l’enregistrement de « Vol. 4 », le groupe était sous l’influence de quantités industrielles de cocaïne. Dans sa biographie de 2011 intitulée Iron Man, Iommi raconte comment ils avaient transporté les drogues dans leur base de Bel Air, camouflées dans des « boîtes scellées de la taille d’un haut-parleur ». Il n’est donc pas surprenant qu’il cite cette consommation comme une source de productivité, tout en précisant qu’elle les avait poussés vers une impasse.
La thématique de la drogue est devenue centrale dans cet album, avec des titres comme « Snowblind » et « Wheels of Confusion » offrant un aperçu franc de la manière dont leur habitude commune menaçait de se transformer en crise existentielle. Au-delà des paroles, « Vol. 4 » regorge également de certains des riffs les plus emblématiques du groupe, avec des classiques tels que « Supernaut » et « Under the Sun » dont l’ombre s’étend largement sur l’avenir du heavy metal.
Santana – Caravanserai
Si un groupe devait pleurer la fin des années 1960, c’est bien Santana, dont la performance emblématique au festival de Woodstock en 1969 demeure considérée par beaucoup comme un des sommets de la contre-culture de cette époque.
Cependant, en 1972, le groupe dirigé par le guitariste Carlos Santana était prêt à évoluer. C’est ainsi qu’est né « Caravanserai », leur quatrième album, publié le 11 octobre de cette année-là. Contenant des influences variées allant du rock à la salsa et ayant un caractère audacieux qui aurait pu lui faire courir le risque de ne pas être commercial, l’album a pourtant atteint la 8ème place du Billboard Hot 100 et est aujourd’hui salué comme un « joyau » du jazz-rock, selon AllMusic.
Dans son article pour Rolling Stone en 1976, le critique musical réputé Ralph J. Gleason explique que « Caravanserai » est lié aux trois premiers albums de Santana par la même ambiance d' »excitation latine ». Toutefois, le groupe transcende ses travaux antérieurs grâce à une nouvelle spiritualité qui les positionne dans la lignée des innovateurs du jazz tels que Miles Davis, tout en rappelant les rythmes tribaux puissants qui ont fait de Santana un favori des hippies et des non-conformistes musicaux. Dans « Caravanserai », le son « grunge » de Santana s’allie à un swing jazz qui « parle directement à l’universalité de l’homme », créant ainsi l’un des albums les plus riches et complexes de la décennie.
Miles Davis – On The Corner
Un album emblématique de Miles Davis, « On The Corner », est sorti le même jour que « Caravanserai », sous le même label, Columbia Records. Ralph J. Gleason, dans son article de 1976 dans Rolling Stone, a osé établir des comparaisons entre ces deux œuvres, bien que son approbation ait fait de lui une voix isolée face à l’accueil globalement négatif réservé à cette œuvre, souvent considérée comme l’une des plus controversées de Davis.
« On The Corner » représente une continuité dans les expérimentations de Davis avec le jazz fusion. À sa sortie, l’album a été accueilli avec une vague de critiques presque universelles, générant un véritable désaveu de la part des critiques, des auditeurs et des musiciens, et se soldant par un échec commercial, comme le mentionne Fact Magazine. Toutefois, cet album a depuis bénéficié d’une réévaluation critique, se classant au 11e rang de leur liste des 100 meilleurs albums des années 1970 en 2014.
L’album débute de manière abrupte, plongeant l’auditeur directement au cœur d’un groove en cours. Ce qui suit est une fusion complexe et dansante de genres disparates, si implacable qu’il est difficile d’y aborder chaque morceau comme une chanson individuelle, bien que la pochette énumère neuf compositions réparties sur quatre titres. « On The Corner » s’apprécie davantage lorsqu’il est consommé dans son ensemble, ce qui a conduit certains critiques, comme Jack Silverman de Nashville Scene, à le considérer comme un exercice d’« arrogance ».
Néanmoins, au fil des décennies, les auditeurs ont su apprécier « On The Corner ». Miles Bowe de Stereogum souligne que cet album préfigure de nombreux genres modernes que nous connaissons aujourd’hui, notamment le hip-hop, le dub et l’électronica.
Lou Reed – Transformer
1972 fut une année charnière pour Lou Reed, qui seulement deux ans plus tôt avait quitté l’une des formations les plus influentes de l’histoire du rock : The Velvet Underground.
Le début de l’année s’annonçait difficile. En avril, Reed sortait son premier album solo éponyme, enregistré durant les mois de décembre et janvier précédents. Cet album, principalement constitué de morceaux non retenus du Velvet Underground, fut un échec commercial et critique retentissant, semblant annoncer la fin de sa carrière avant même qu’elle ne débute vraiment. Heureusement, Reed avait un célèbre admirateur prêt à l’aider à renverser la situation : David Bowie.
En prenant en main la production aux côtés du guitariste Mick Ronson, Bowie créa une palette sonore éclectique qui complétait parfaitement l’écriture post-VU de Reed. Cela permit au frénétique morceau d’ouverture « Vicious » de s’harmoniser avec l’envolée mélodique de « Satellite of Love ». Cette collaboration établit une fragilité minimale qui allait caractériser des titres emblématiques comme « Walk on the Wild Side » et « Perfect Day », deux chansons qui sont devenues des incontournables dans le répertoire de Reed. « Transformer » fut un véritable triomphe, marquant l’apogée de sa carrière et signifiant l’émergence laborieuse de Reed en tant qu’artiste solo à part entière.
Steely Dan – Can’t Buy A Thrill
Enregistré à Los Angeles en 1972, « Can’t Buy a Thrill » a marqué l’émergence de Steely Dan, un groupe composé des membres fondateurs Donald Fagan et Walter Becker, qui s’est rapidement imposé comme une force novatrice et captivante dans le domaine du pop-rock. Cependant, comme le souligne Classic Rock Review, la réalité derrière le processus créatif n’a pas été aussi fluide que les compositions impeccables pourraient le laisser supposer.
Malgré la production soignée et les performances de Steely Dan, le duo a dû faire face à de nombreuses déceptions et doutes. Fagan et Becker, qui se sont rencontrés au Bard College de New York à la fin des années 1960, avaient rapidement formé un partenariat d’écriture, composant pour des artistes comme Barbara Streisand et Three Dog Night, un succès mitigé. Cependant, ils ont réussi à convaincre leur label, ABC/Dunhill, de leur permettre de former leur propre groupe et de sortir un album.
Fagan, qui deviendra le chanteur principal de Steely Dan, a initialement refusé de chanter sur leur premier album et a imaginé un plan pour faire appel à des vocalistes invités pour chaque morceau. Par exemple, le batteur Jim Hodder a interprété « Midnight Cruiser », tandis que le chanteur-compositeur David Palmer a assuré les vocals sur « Brooklyn » et l’incontournable « Dirty Work », avant que Fagan ne soit convaincu de sa propre voix et prenne le vocal pour le reste de l’album.
Malgré ses appréhensions et l’ambition constante de Steely Dan de réinventer le pop-rock tout au long des années 70, « Can’t Buy a Thrill » demeure un pilier indéniable aux côtés de leurs meilleures œuvres.
Joni Mitchell – For The Roses
En novembre 1972, la chanteuse folk canadienne Joni Mitchell a sorti « For the Roses », son quatrième album studio, qui faisait suite à son succès critique et commercial « Blue » en 1971. Bien que « Blue » soit souvent considéré comme son meilleur album par ses fans – et demeure le plus populaire – « For the Roses » est son égal artistique, selon David Yaffe, qui a évoqué l’album au nom de la Bibliothèque du Congrès lors de son inclusion au National Recording Registry en 2007.
Écrit principalement dans la retraite forestière isolée de Mitchell à Sechelt, en Colombie-Britannique, de nombreuses chansons de « For the Roses » traitent de sa tumultueuse relation amoureuse avec le musicien James Taylor, qui l’avait laissée cœur brisé l’année précédente. Tandis que le titre éponyme et « Woman of Heart and Mind » expriment le tourment émotionnel lié à leur rupture, « Cold Blue Steel and Sweet Fire » offre une critique acerbe de l’usage d’héroïne par Taylor, tandis que « Let the Wind Carry Me » et « Barangrill » proposent des méditations contrastées sur la satisfaction et le besoin pressant de liberté.
Le single de l’album, « You Turn Me On, I’m a Radio », a atteint la 25e place du Billboard Hot 100. C’était un retournement ironique, car pour Mitchell, qui à l’âge de 28 ans commençait à se lasser de la célébrité, la chanson était conçue comme « mon premier adieu au monde du spectacle. »