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Divertissement
Dans le domaine musical, un dicton britannique résume bien la situation actuelle : nous sommes pourvus d’un choix si vaste qu’il en devient écrasant. Avec plus de 100 millions de titres disponibles uniquement sur Spotify, atteindre le sommet réclame une combinaison presque surnaturelle de talent et de chance. Même les plus grandes stars du XXIe siècle ne sont souvent que des parmi des centaines, voire des milliers d’artistes, tandis que ce sont les icônes rock des décennies précédentes qui continuent vraiment de se distinguer dans l’histoire.
Parmi elles, rares sont celles qui ont connu une longévité et un succès comparables à ceux de Mick Jagger, le charismatique chanteur des Rolling Stones. Sa carrière, qui s’étend sur plusieurs décennies, demeure un exploit exceptionnel, difficile à reproduire dans le contexte musical d’aujourd’hui.
La sortie de l’album Hackney Diamonds en 2023 a marqué un moment fort, mêlant succès indéniable et émotion poignante. En effet, l’absence du batteur historique Charlie Watts, décédé en 2021, a laissé un vide palpable tant pour les membres du groupe que pour les fans. Si bien que cette perte a renforcé le sentiment de fidélité à une formation qui a su, malgré les années, préserver son essence.
À 80 ans, Mick Jagger se trouvait à une étape propice à la réflexion lors de ce lancement. Pourtant, fidèle à son tempérament, il rejette l’idée de se complaire dans la nostalgie, qu’il qualifie d’« absurdités nostalgiques ». Pourtant, lorsqu’il évoque l’héritage qu’il souhaite laisser, la modestie domine : « La seule chose dont je veux que les Stones soient rappelés, c’est d’avoir été un bon groupe de rock », confie-t-il.
Plus qu’une simple légende, Mick Jagger incarne une incarnation unique du rock britannique, mêlant charisme, créativité et endurance. Une singularité qui explique pourquoi il n’y aura jamais d’autre comme lui.
Si l’on considère simplement les chiffres, Mick Jagger est une figure du rock que personne ne pourra véritablement surpasser. Né en 1943, il a attrapé sa première guitare à l’âge de 14 ans et, dès le début des années 1960, les bases des Rolling Stones étaient déjà posées. Depuis leur entrée dans les charts en 1963, Mick Jagger et son groupe n’ont jamais cessé de tourner.
En 2024, la tournée des Stones marquait leur 48e tournée, avec plus de 2 000 concerts donnés en près de six décennies. Ce chiffre impressionnant témoigne d’une longévité exceptionnelle et d’une énergie toujours intacte sur scène.
Contrairement à beaucoup d’artistes qui finissent par détester leurs chansons les plus célèbres, Jagger a toujours su intégrer les favoris du public dans ses setlists. Des titres comme « Jumpin’ Jack Flash », « Brown Sugar », « Honky Tonk Women » ou « Tumbling Dice » sont joués plus de 1 100 fois en concert, prouvant que ce sont bien les classiques qui conservent leur attrait au fil du temps.
Les Rolling Stones détiennent également plusieurs records en matière de concerts rassemblant un public immense. Leur prestation à Hyde Park en 1969 a attiré entre 250 000 et 500 000 personnes, tandis que le show donné à Rio de Janeiro en 2006 a réuni environ 1,5 million de spectateurs.
En 2023, des images des répétitions de Mick Jagger ont été diffusées, offrant un aperçu de son énergie incroyable à 80 ans. Impressionnant, on estime qu’il parcourt environ 19 kilomètres à chaque concert, démontrant une vitalité rare dans l’univers du rock.
Mick Jagger a toujours été reconnu pour son talent exceptionnel d’animateur. Un concert des Rolling Stones dépasse largement la simple performance musicale pour offrir une expérience immersive et unique. Elevé avant l’ère d’internet, des réseaux sociaux et de TikTok, Jagger a su développer un sens du spectacle qui a grandement contribué à faire des Stones un groupe légendaire pour ses prestations live.
Dans une interview donnée en 1995 au magazine Rolling Stone, Jagger expliquait qu’il avait pressenti son don pour la scène dès ses premiers concerts dans des clubs. Ce sentiment d’excitation qu’il ressentait, il l’attribuait à deux facteurs :
- La musique blues et rock possède naturellement un pouvoir de connection avec le public.
- Il incarnait ce pouvoir d’une manière propre, difficile à retrouver chez d’autres artistes aujourd’hui.
Jagger soulignait également qu’au-delà de la musique, la notion de performance était cruciale. Selon lui, dans cette période post-édouardienne précédant la télévision, tout le monde était appelé à « jouer un rôle » lors des réunions familiales : récitations de poésie, interprétations au piano ou chant par l’oncle, chacun devait participer. Il se considérait comme l’un de ces enfants passionnés par la scène. Ce besoin d’approbation venait autant de l’envie d’être reconnu que du plaisir intrinsèque à offrir un spectacle vivant.
La créativité musical peut fluctuer, mais il existe une valeur inestimable à prendre le temps de peaufiner son art. Le duo formé par Mick Jagger et Keith Richards illustre parfaitement cette idée, avec une carrière d’une longévité impressionnante et un succès retentissant. Fait remarquable, la première chanson complète qu’ils ont écrite ensemble a rencontré un succès surprenant dès ses débuts.
Après avoir lancé leur parcours principalement avec des reprises de blues, Jagger et Richards ont composé le titre emblématique « As Tears Go By ». Ce morceau fut tout d’abord destiné à Marianne Faithfull, qui le propulsa dans les charts en 1964. Cependant, les Rolling Stones finirent par reprendre la chanson après avoir connu la gloire avec des titres plus puissants et rock’n’roll, comme « Get Off Of My Cloud ».
C’est à ce moment précis qu’une évolution fascinante s’est opérée. Les Rolling Stones auraient pu rester cantonnés à leur image de groupe blues rock énergique, mais avec la sortie de « As Tears Go By » sur l’album December’s Children (And Everybody’s), ils démontrèrent une véritable profondeur et une gamme émotionnelle élargie. Dans des interviews ultérieures, Mick Jagger confiait : « C’est une chanson très mélancolique pour un garçon de 21 ans. C’est la sensation du soir, en regardant des enfants jouer — c’est assez naïf, mais il y a une tristesse presque adulte dedans. C’est une chanson relativement mature comparée au reste de nos compositions de l’époque. »
À l’époque des premiers enregistrements des Rolling Stones, la technologie ne permettait pas d’ajustements infinis ni de retouches parfaites comme aujourd’hui. Mick Jagger et son groupe ont dû composer avec des moyens très limités pour enregistrer leur premier album, sans budgets colossaux ni studios dernier cri.
Cet album a été enregistré en seulement quatre jours au Regent Sound Studio, un lieu équipé sommairement — les matériaux d’isolation phonique étaient constitués de simples cartons d’œufs, et l’instrument souvent pris pour des maracas n’était en réalité qu’une pièce de monnaie dans une bouteille vidée de son cognac. Malgré ces conditions rudimentaires, l’enregistrement a capturé une énergie brute et un talent authentique, reflétant l’essence véritable des Stones plutôt qu’une image minutieusement façonnée.
Keith Richards lui-même a reconnu, avec le recul, combien ce premier album était remarquable. L’adage selon lequel « la nécessité est mère de l’invention » prend ici tout son sens : ces contraintes ont donné naissance au son brut et rugueux si caractéristique des Rolling Stones. Ce style lo-fi marque encore aujourd’hui leur musique, se distinguant nettement de la perfection aseptisée des productions modernes.
Lorsque Mick Jagger et Keith Richards étaient encore de très jeunes musiciens, c’est autour d’une passion commune pour le rhythm and blues qu’ils se sont liés d’amitié. À une époque où les réseaux sociaux et Internet n’existaient pas, ces disques de blues restaient rares et confidentiels au Royaume-Uni.
Dans une interview accordée à Rolling Stone, Jagger racontait comment, dans une gare, il avait partagé avec Richards cette musique et ces sons qui allaient définir leur carrière. Dès la formation des Rolling Stones, il fut clair que leur groupe ne se limitait pas au simple statut d’un groupe de rock.
Contrairement à l’opinion populaire, c’est précisément grâce à cet amour pour une musique peu connue que Jagger et Richards ont pu ouvrir la voie à la popularisation du blues en Grande-Bretagne. Avant l’émergence des Stones, le blues restait en effet un genre marginal ; leur succès a profondément changé la donne.
Leur nom même tire ses racines d’une chanson de Muddy Waters, figure emblématique du blues. Leurs reprises de titres blues ont atteint les classements musicaux, tout comme leurs compositions originales, fortement influencées par cette tradition qu’ils admiraient depuis leur jeunesse.
Leur album « Blue & Lonesome », sorti en 2016, est un hommage direct aux grands maîtres du blues qui les ont précédés. Ce respect sincère n’a pas empêché certaines controverses liées à l’appropriation culturelle, mais Jagger et les Stones ont toujours revendiqué leur rôle d’ambassadeurs, encourageant leurs fans à découvrir l’histoire et les racines profondes de ce genre musical.
À l’époque où Mick Jagger s’affirmait peu à peu et envisageait sérieusement une carrière dans la musique, être musicien ne signifiait pas faire partie des élèves populaires ou des personnes considérées comme « cool ». Au contraire, il rappelait dans une interview accordée à Rolling Stone en 1995 qu’à 15 ans, il jouait dans divers petits groupes et se produisait le samedi soir, malgré la désapprobation ferme de ses parents. La musique rock était alors perçue comme l’apanage de classes très modestes, loin des milieux éduqués et sociaux élevés.
Mick Jagger racontait : « Mes parents désapprouvaient totalement cela. Parce que ça ne se faisait tout simplement pas. Le rock ‘n’ roll, c’était pour les gens de basse classe, ne l’oublions pas. Les chanteurs de rock n’étaient pas des personnes instruites. »
Par ailleurs, alors qu’il étudiait à la prestigieuse London School of Economics, il doutait encore entre une voie académique et une carrière musicale, avant que cette dernière ne l’emporte. Ce choix ne fut pas sans conflit familial, son père exprimant ouvertement son opposition. À ce propos, Jagger confiait au journal The Times que son père avait un projet pour lui, mais que ce projet ne correspondait pas du tout à ses aspirations personnelles.
Le rock and roll a connu de nombreuses métamorphoses, et il est facile d’oublier qu’à l’époque où les Rolling Stones sortaient leurs premiers singles et albums, ils donnaient vie à un son totalement inédit. Saisir la portée d’une création originale exige un talent exceptionnel, et Mick Jagger l’a évoqué dans une interview accordée à Rolling Stone, en soulignant combien leur originalité a propulsé le groupe vers des sommets inégalés.
Parmi les morceaux cités, Tell Me (You’re Coming Back) se distingue comme une chanson pop diffusée dans une période dominée par le R&B. Incontournable également, (Can’t Get No) Satisfaction doit son succès à plusieurs éléments réunis, selon Jagger : « Un titre très accrocheur, un riff de guitare mémorable, et un son de guitare unique à l’époque. Ce morceau capture en outre parfaitement l’esprit de son temps, ce qui est crucial pour ce genre de chansons. »
Toujours généreux dans la reconnaissance de ses pairs, Mick Jagger attribue une part essentielle à Brian Jones, musicien naturel qui a façonné ce son distinctif des Stones. « Il jouait de la guitare slide à une époque où personne n’en jouait vraiment, » confie Jagger, ajoutant : « Il possédait une touche très lyrique. » Brian Jones a incontestablement contribué à faire évoluer le paysage musical de cette époque.
Interrogez n’importe qui sur le leader des Rolling Stones, la réponse unanime sera Mick Jagger. Pourtant, Jagger a partagé des réflexions sur le leadership et le succès qui méritent une attention plus grande.
Lors d’une interview accordée à Rolling Stone, il a comparé sa manière de diriger les Stones et son partenariat avec Keith Richards à celui de John Lennon et Paul McCartney avec les Beatles. Selon lui, Lennon et McCartney étaient en compétition pour être à la tête du groupe, ce qui a finalement mené à des tensions difficiles à gérer. À l’inverse, Jagger expliquait : « En leadership, on peut avoir des moments où une personne est plus au centre que l’autre… Il faut s’accorder sur les rôles de chacun. »
Il a également évoqué Brian Jones, dont l’attitude ressemblait à celle de Lennon et McCartney, avec des tensions qui ont fini par éclater à cause de fortes personnalités empêchant Jones d’assumer une place centrale. À cela s’ajoutait la jalousie ressentie envers Jagger en tant que chanteur principal. Mais sa conception du leadership reste remarquablement pragmatique : « Il faut comprendre que dans un groupe, tout le monde est plus ou moins uni, chacun a sa place, certains mènent dans certains domaines, d’autres dans d’autres. »
Ce modèle a fait ses preuves au fil des décennies, illustré par une carrière longue et une formation du groupe très stable. Une leçon intemporelle sur la collaboration et la réussite collective dans la musique rock.
L’une des principales raisons pour lesquelles le monde ne verra jamais un autre Mick Jagger réside dans sa voix. Unique en son genre, personne n’a jamais été confondu avec lui, et dès les premières notes, il est impossible de douter de son identité. Lors d’une interview datant de l’époque de l’album « Voodoo Lounge », Jagger a évoqué pour Hot Press l’importance de la personnalité qui se cache derrière une voix, parfois plus essentielle que la perfection technique.
Selon lui, « on peut posséder une voix techniquement parfaite, mais si le timbre est étrange ou déplaisant pour les auditeurs, cela peut les agacer. En revanche, si l’interprétation est énergique, peu importe si la voix n’est pas techniquement parfaite. » Il ajoute que cette distinction, cette singularité, se transmet à la naissance et ne s’enseigne pas.
Au fil des années, la voix de Jagger a parfois été critiquée, certains producteurs ayant même suggéré de le remplacer pour assurer le succès du groupe. Pourtant, ce qui différencie véritablement sa voix, c’est sa capacité à traverser le temps sans perdre son caractère. En écoutant les chansons des années 60 puis le dernier album « Hackney Diamonds », on constate que, même si la voix a évolué, elle reste instantanément identifiable, distincte, et conserve ce charisme que peu d’artistes parviennent à préserver en vieillissant.
Alors que les voix changent, cassent ou s’affaiblissent avec le temps, celle de Mick Jagger demeure inimitable, fidèle à son essence, un véritable symbole du rock britannique.
Le rock recèle de nombreuses histoires tragiques. De nombreux groupes ont été bouleversés par des événements dramatiques, se séparant souvent avant que leurs fans ne soient prêts à les voir disparaître, laissant des chansons légendaires inachevées. Dans ce contexte, il est d’autant plus remarquable que Mick Jagger ait réussi à préserver l’unité des membres clés des Rolling Stones au fil de tragédies marquantes, remontant notamment à la mort de Brian Jones en 1969.
Bien que Brian Jones ait été exclu du groupe avant son décès, un concert initialement prévu à Hyde Park a été transformé en hommage deux jours après qu’on ait retrouvé son corps à son domicile. Mick Jagger a ouvert le spectacle en récitant « Adonais » de Percy Bysshe Shelley, et les Stones ont perpétué sa mémoire à travers des morceaux dédiés comme « Shine A Light » extrait de l’album « Exile on Main St. ».
Quelques semaines plus tard, un nouveau coup dur a failli briser définitivement le groupe : lors d’un concert désormais tristement célèbre à Altamont, quatre personnes ont perdu la vie. En 1987, Jagger expliquait à Rolling Stone combien cette tragédie les avait profondément affectés, et comment elle leur avait fait comprendre l’importance de garder un contrôle absolu sur chaque aspect de leurs spectacles.
Enfin, la disparition de Charlie Watts en 2021 a été un dernier choc. Deux ans après, Mick Jagger confiait au Guardian qu’il pensait encore souvent à son ami, surtout lorsqu’il joue, s’imaginant ce que Watts aurait joué à sa place. Il ajoutait avec une gravité sincère : « En vieillissant, beaucoup de vos amis disparaissent. Ça commence dès la vingtaine. »
C’est Mick Jagger qui a imaginé l’un des logos de groupe les plus emblématiques de l’histoire de la musique : la célèbre langue sortie des lèvres des Rolling Stones. Ce symbole, commandé à un étudiant en arts nommé John Pasche, surpasse même en notoriété les graphismes associés aux Beatles. La version gagnante fut la deuxième tentative de Pasche, répondant parfaitement au souhait de Jagger d’avoir un logo simple, distinct et immédiatement reconnaissable.
Ce logo a évolué au fil du temps, adoptant notamment une version noire à la mort du batteur Charlie Watts. On ignore précisément combien d’argent cette image a généré pour le groupe, mais il est supposé que les revenus se chiffrent à plusieurs centaines de millions de dollars. Curieusement, bien que Mick Jagger soit à l’origine du concept, cette bouche n’est pas censée représenter ses propres lèvres.
D’où vient alors cette idée ? Mick Jagger a confié au The Times of India que, peu avant de concevoir le logo, son frère lui avait offert un livre contenant des images de la déesse Kali. Il raconte : « J’ai vu cette image de la langue de Kali, détachée. Cela a été une source d’inspiration. » Son intuition s’est révélée juste, donnant naissance à un des symboles les plus puissants et durables du rock britannique.
Le succès des Stones à une époque où la musique était en pleine révolution
De nombreux musiciens pionniers sont reconnus pour avoir été en avance sur leur temps, et cela s’est souvent traduit par une disparition rapide dans l’oubli. Mick Jagger et les Rolling Stones ont connu l’exact contraire. Dans une interview accordée à Hot Press, Jagger a expliqué que leur succès s’est largement joué au fait qu’ils étaient au bon endroit, au bon moment.
Au XXIe siècle, les fandoms sont monnaie courante, mais cette notion est relativement récente. Selon Mick Jagger, ce tournant est survenu juste au moment où le monde a commencé à remarquer qu’ils proposaient quelque chose de véritablement novateur. Avant cela, la culture populaire était surtout faite de petites modes et de styles propres à chacun, en pleine émergence. L’arrivée des Beatles et des Stones a poussé les journalistes à considérer ces phénomènes pop comme dignes d’être couverts, contribuant ainsi à transformer des facettes jusque-là très marginales en mouvements globaux.
Une autre interview dans Rolling Stone va plus loin en soulignant que l’image de bad boys des Stones n’a pas disparu comme beaucoup d’autres tendances culturelles, car elle correspondait parfaitement à l’état d’esprit des années 1960. Cette décennie marquée par les protestations, les émeutes, les changements sociaux rapides et des guerres impopulaires, a trouvé dans Mick Jagger et son groupe une voix unique qui traduisait l’essence même d’une époque. Bien que Jagger ait toujours affirmé qu’ils ne prônaient pas la violence, ils sont devenus les représentants idéaux des aspirations et des tensions d’un monde en mutation.
Mick Jagger et les Rolling Stones ont souvent été associés à des thématiques sombres : leur tube « Sympathy For The Devil », la pochette de l’album « Beggars Banquet » ornée de symboles occultes, ou encore l’album de 1967 « Their Satanic Majesties Request ». Cette œuvre particulière est considérée comme le point de départ de toute l’esthétique liée au heavy metal, une influence qui trouve son origine dans un livre.
Ce livre est « Le Maître et Marguerite » de Mikhaïl Boulgakov. Le tome de Jagger lui avait été offert par Marianne Faithfull et, selon de nombreux témoignages, il a déclenché non seulement une fascination pour l’occultisme et le satanisme, mais aussi une inspiration majeure dans le répertoire des Stones.
Pour mieux comprendre, ces albums et chansons précédaient la tragédie d’Altamont, événement qui allait conforter l’image des Rolling Stones en miroir sombre des Beatles, symbole de paix et d’amour. Dans une interview accordée à Rolling Stone en 1995, Jagger a cherché à éclaircir cette réputation, notamment en évoquant la polémique autour de l’imagerie satanique : « Tout cela a été largement exagéré par les journalistes. Nous ne voulions pas vraiment emprunter cette voie. Je pensais que « Sympathy For The Devil » suffisait. On ne voulait pas en faire une carrière. » Pourtant, le mal était déjà fait.
De nos jours, il est presque acquis que les chansons peuvent aborder tous les sujets imaginables. Bien sûr, l’amour et la perte restent des thèmes éternels, mais il suffit de penser à des succès inattendus comme la chanson dédiée aux fameux gobelets rouges Solo de Toby Keith.
Cette large acceptation du contenu lyrique trouve en grande partie ses racines dans l’alliance créative de Mick Jagger et Keith Richards. Ensemble, ils ont repoussé les limites des sujets abordés dans la musique populaire.
Lors d’une interview accordée à Rolling Stone en 1987, Mick Jagger fut interrogé sur l’intention des Rolling Stones de véhiculer des messages puissants en faveur du changement social par leurs chansons. Sa réponse fut claire : ce n’était pas réellement leur objectif, mais il reconnut que certains morceaux, comme « Mother’s Little Helper », avaient eu un impact particulièrement marquant.
Il expliqua qu’à l’époque, et même au début de leur carrière, les thèmes des chansons restaient très restreints. Il déclara : « Peut-être que ce que nous avons fait à cette période, c’est d’élargir le champ des sujets de la musique populaire au-delà des thèmes typiques de l’adolescence, du genre ‘lune en juin’ ou ‘j’ai une nouvelle moto’. Nous avons affirmé qu’on pouvait écrire une chanson sur tout ce qu’on voulait. Cela a été une avancée majeure — sûrement l’un des héritages les plus importants dans le domaine de la composition, avec d’autres artistes.»
Dans une autre interview avec Rolling Stone, quelques années plus tard, Jagger soulignait que leur démarche avait transformé des textes clichés en œuvres profondément personnelles. Lorsqu’on lui fit remarquer que c’était un pas audacieux, il répondit avec simplicité : « Je ne sais pas si c’était audacieux. Cela n’avait simplement jamais été fait auparavant. »
Parmi les fans des Rolling Stones, l’album « Tattoo You » figure souvent parmi les préférés. Ce disque est également une démonstration éclatante du talent exceptionnel de Mick Jagger et de ses compagnons, car il est majoritairement composé de chansons initialement écartées lors d’albums précédents.
L’histoire de la création de « Tattoo You » est étonnamment singulière. En 1981, Mick Jagger et Keith Richards traversaient une période de tension, caractéristique de leur relation complexe, à la fois fraternelle et conflictuelle. Alors que le groupe manquait de nouveaux morceaux pour composer un album, Chris Kimsey, un ingénieur du son reconnu, s’est penché sur des pistes abandonnées lors des sessions pour « Black & Blue », « Some Girls », « Emotional Rescue » et « Goat’s Head Soup ».
Ces fragments de chansons ont été revisités, finalisés par Jagger et assemblés par Kimsey pour donner naissance à un album cohérent, brillant et intemporel. Quoiqu’inhabituel comme procédé, ce travail de récupération s’est avéré être un pari gagnant et illustre à quel point le talent de Mick Jagger est exceptionnel et rare. Ce mélange d’anciennes idées redécouvertes donne notamment une profondeur particulière à des morceaux comme « Waiting On A Friend », qui gagne en émotion.
Dans un univers souvent marqué par la compétition et le désir de s’approprier seul la lumière des projecteurs, Mick Jagger a toujours adopté une approche bien différente. Sa propension à partager la scène avec d’autres artistes de grand talent a donné naissance à des collaborations mémorables, enrichissant ainsi l’histoire du rock. Tout a commencé en 1985 avec le duo légendaire, à la fois drôle et légèrement kitsch, « Dancing in the Street », enregistré avec David Bowie.
Mais cette collaboration n’était que le début. Jagger a également enregistré aux côtés de Tina Turner et Dave Grohl, et a même prêté sa voix en chœur sur l’une des chansons les plus énigmatiques de l’histoire du rock, le tube « You’re So Vain » de Carly Simon en 1972 — chanson dont l’objet reste secret, bien que Simon ait précisé qu’il ne s’agit pas de Jagger. Sa liste de partenaires est impressionnante, comprenant des légendes telles que Peter Tosh, Muddy Waters, Eric Clapton, Bono, Pete Townshend et Lenny Kravitz, son désir d’ouvrir son univers musical à divers horizons ne démentant jamais.
Par ailleurs, Mick Jagger n’a jamais craint de prendre part à des projets où il n’était pas l’artiste principal. En 1984, il a ainsi enregistré un duo avec Michael Jackson intitulé « State of Shock », initialement destiné à un partenariat avec Freddie Mercury. Cette faculté à collaborer, même en second plan, témoigne d’une humilité rare et d’une volonté constante de participer à la richesse du paysage musical, faisant de lui une figure incontournable non seulement des Rolling Stones, mais aussi du monde du rock dans son ensemble.
Plutôt que de cimenter une rivalité avec les Beatles, ils ont collaboré
Dans l’univers de la musique, de nombreuses rivalités ont rapidement dégénéré, ce qui n’a rien d’étonnant dans un milieu où se mêlent talents créatifs, fortes personnalités et compétition intense. Lorsqu’on évoque les grands rivalités des années 1960, on pense souvent aux Rolling Stones face aux Beatles. Pourtant, Mick Jagger a toujours démenti ce clivage.
Lors d’une interview accordée à Rolling Stone, Jagger expliquait que la principale différence résidait dans leurs origines régionales : les Stones venaient du sud de l’Angleterre, tandis que les Beatles étaient originaires du nord. Il confiait avoir particulièrement tissé des liens avec John Lennon, déclarant : « Nous entretenions tous une bonne relation avec John. Il semblait comprendre et partager notre univers musical, si bien que nous allions souvent ensemble dans des clubs. Nous passions beaucoup de temps à traîner… C’était une personne cultivée, très intelligente, cynique, drôle et une compagnie réellement plaisante. » Évoquant la disparition de Lennon, Mick Jagger ajoutait avec émotion : « J’ai ressenti une grande tristesse à la perte de quelqu’un que j’aimais énormément. »
Cette proximité s’est également traduite par des collaborations musicales entre les membres des deux groupes. Ils ont notamment échangé des titres, à l’instar de « I Wanna Be Your Man », et se sont souvent épaulés en chantant en arrière-plan les uns pour les autres. Mick Jagger et Keith Richards figurent ainsi sur « All You Need Is Love », tandis que Ronnie Wood a coécrit certaines chansons avec George Harrison.
Si vous avez l’impression que toute la musique moderne se ressemble, ce n’est pas simplement l’avis d’un nostalgique. Une étude réalisée en 2015 par l’Université Médicale de Vienne a confirmé que la musique contemporaine, tant vocale qu’instrumentale, tend à devenir plus uniformisée et moins complexe. Cette uniformité s’explique par une préférence du public pour ce qui leur est familier, rendant les sons reconnus plus populaires et plus vendus.
Par ailleurs, le recours croissant aux samples de vieux morceaux dans les nouvelles compositions renforce cette tendance. Dans ce contexte, il devient de plus en plus improbable qu’un artiste capable de révolutionner le rock à la manière de Mick Jagger émerge à nouveau. En 2015, Mick Jagger lui-même partageait ses conseils à destination des générations futures pour rester pertinentes dans l’industrie musicale : puiser dans sa créativité et cultiver son caractère unique.
« Il faut apporter une touche d’originalité à chaque spectacle, une singularité qui soit propre à soi-même et qui rende chaque prestation différente et spéciale. » Une exigence difficile à atteindre, mais qui semble naturelle chez Jagger. Reconnu comme l’un des artistes les plus assidus et impliqués, il supervise méticuleusement la création de ses morceaux, du début à la fin, afin que les contributions de chacun soient parfaitement audibles et harmonieuses.
L’influence de Mick Jagger dépasse tous les genres musicaux
Lorsque des musiciens reconnus s’aventurent en dehors du genre qui les a rendus célèbres, cela suscite souvent la controverse. Un exemple récent en est Beyoncé et son album « Cowboy Carter », qui a soulevé de nombreuses interrogations sur la promotion, les cérémonies de récompenses, et même la définition même d’un genre d’album. Pourtant, Mick Jagger semble avoir évité ces polémiques, ou du moins les avoir brillamment ignorées, notamment dans le cadre de ses projets solo.
Cette ouverture musicale s’applique aussi aux Rolling Stones eux-mêmes. Si la plupart des gens considèrent le groupe comme une formation de rock profondément inspirée par le blues, leur répertoire inclut également des chansons country mémorables. Des titres comme « Wild Horses », « Dead Flowers », « Far Away Eyes » ou « Sweet Virginia » s’intègrent si naturellement à leur style qu’on pourrait oublier qu’ils appartiennent en réalité à la country.
D’autre part, Mick Jagger ne cache pas son admiration pour des artistes contemporains éloignés de son univers, tels que Machine Gun Kelly et Yungblud. En 2022, lors d’une interview pour The Independent, il expliquait que ces deux musiciens lui « faisaient penser qu’il restait encore un peu de vie dans le rock’n’roll », un éloge venu d’une légende qui souligne l’importance de la diversité musicale. Explorer différents genres est souvent périlleux, mais personne ne le fait avec autant d’aisance et d’authenticité que Jagger.
La longévité des Stones offre à Mick Jagger une vision unique du temps et du vieillissement à travers la musique
Mick Jagger a fêté ses 80 ans en 2023, un exploit remarquable pour un artiste de premier plan, surtout quand on considère la longue liste d’acteurs et de musiciens tragiquement décédés à seulement 27 ans. En observant également ceux qui sont partis à 30 ans, il devient encore plus impressionnant de constater que Mick Jagger non seulement a performé pendant six décennies, mais qu’il continue à le faire avec l’énergie qui le caractérisait déjà dans les années 1960 et 70.
Dès 1994, alors qu’il n’avait encore que cinquante ans, des interviews comme celle accordée à Hot Press soulignaient déjà cette longévité exceptionnelle des Rolling Stones. Mick Jagger expliquait alors que partager tant d’années de scène avec les mêmes musiciens leur conférait une qualité singulière : « L’intuition n’est rien d’autre qu’une somme d’expériences accumulées, ce qui évite d’avoir à intellectualiser chaque geste. »
Andrew Watt, producteur de l’album Hackney Diamonds, a raconté dans un entretien accordé à The Guardian sa fascination à observer la magie se créer. Le Mick Jagger que le public découvre sur scène est le même en studio. Il décrit la complicité entre Jagger, Keith Richards, Ronnie Wood et Steve Jordan (remplaçant de Watt) d’une manière poignante et poétique : « Ce qui rend les Stones si extraordinaires, c’est leur légèreté, leur capacité à accélérer ou ralentir, et leur rythme interne commun. »
Cette alchimie unique, portée par une expérience partagée sur plusieurs décennies, fait de Mick Jagger une légende que le monde ne reverra sans doute jamais reproduite.