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Les Chansons de 2012 qui Fêtent leur Dixième Anniversaire
L’année 2012 a marqué un tournant dans l’univers musical, souvent perçue comme un mélange de styles et d’expérimentations. Le Guardian a évoqué ce phénomène en soulignant l’absence de nouveaux mouvements marquants, tout en notant que peu de genres se démarquaient comme durant l’année précédente, notamment avec la bouffée de rap et de R&B. Se plonger dans les mélodies d’il y a dix ans suscite chez beaucoup un mélange de nostalgie et d’étonnement.
Les artistes de 2012 ont semblé contrecarrer les tendances établies en proposant des albums qui invitaient les auditeurs à délaisser la recherche de singles au profit d’une écoute attentive des récits musicaux complets. Des œuvres emblématiques comme « Orange » de Frank Ocean et « good kid, m.A.A.d. City » de Kendrick Lamar ont exigé une écoute profonde, révolutionnant ainsi la scène musicale et la carrière de leurs créateurs.
Cette période a également été marquée par un nouvel engouement pour l’album, qui a favorisé des expérimentations artistiques audacieuses, comme l’a noté Junkee. Parallèlement, des tendances comme l’explosion de la musique électronique et le retour en force des boy bands ont également été signalées par des publications telles que le Hollywood Reporter. Des hymnes pour les jeunes, tels que « We Are Young » du groupe fun., et « Young, Wild & Free » de Snoop Dogg et Wiz Khalifa, ont non seulement dominé les charts, mais ont aussi reçu des nominations aux Grammy Awards.
Call Me Maybe de Carly Rae Jepsen
Carly Rae Jepsen a fait irruption sur la scène musicale avec son single phare « Call Me Maybe », qui a rapidement séduit le monde entier. La chanson est devenue omniprésente, impactant même l’industrie musicale. Jepsen se remémore la période où elle travaillait comme serveuse, et l’effet qu’a eu sa chanson sur les clients : « Une citation directe que j’ai entendue était quelque chose comme, ‘Cette fille Carly Rae Jepsen était en boucle pendant tout notre voyage, et nous en avons tellement marre… Ces gens dehors ME CONNAISSENT ! Ok, ils ne ME connaissent pas vraiment, mais ils connaissent ma MUSIQUE ! … Et ils HAISSENT ça mais ils le SAVENT et j’en suis bizarrement fière. »
L’ascension de « Call Me Maybe » a coïncidé avec un changement de paradigme dans l’industrie musicale. Les anciennes méthodes de création de succès ne suffisaient plus. Cette chanson, ainsi que plusieurs autres succès de 2012, a bénéficié d’un énorme coup de pouce de la part des réseaux sociaux. « Call Me Maybe » a occupé la première place des charts pendant neuf semaines, un record pour l’année, principalement grâce à un vidéo de lip-sync partagée par Justin Bieber et ses amis, ainsi qu’à des milliers d’hommages de fans qui ont suivi. Si une chanson accrocheuse parvient à pénétrer l’algorithme des plateformes, elle a des chances de devenir un immense succès et de propulser l’artiste vers la célébrité. Voilà le chemin qu’a emprunté Jepsen pour atteindre sa renommée, dix ans plus tard.
Merry Go Round de Kacey Musgraves
Alors que Taylor Swift opérait sa transition vers la pop, de nouvelles artistes prenaient le relais dans le paysage de la musique country. Kacey Musgraves a débarqué avec le titre « Merry Go Round », qui a non seulement connu un grand succès à la radio, mais a également marqué les esprits par son propos réfléchi. Dans ses propres mots, elle a partagé : « Nous grandissons tous avec l’espoir de briser le cycle de la vie telle que nous la connaissons, essayant de faire croire que tout est parfait sous la surface… Nos zones de confort nous poussent à nous contenter de cette idée, et je pense qu’il y a de l’espoir à savoir que tout le monde s’est déjà senti ainsi ».
Ce morceau, ancré dans une réalité concrète, évite de sombrer dans des émotions floues. Même Katy Perry a reconnu la portée de cette chanson, la qualifiant dans The New York Times comme « l’un des morceaux les plus uniques et honnêtes écrits en 2012 ». À seulement 24 ans, Musgraves a été nommée à quatre Academy of Country Music Awards, y compris celle de la Meilleure Chanteuse, en compétition avec des pionnières comme Taylor Swift et Carrie Underwood. Rapidement, elle est devenue une étoile montante, se produisant au célèbre Ryman Theater, un véritable symbole de réussite dans le monde de la musique country.
We Are Young par Fun. avec Janelle Monae
Le groupe Fun., composé de Nate Ruess, Jack Antonoff et Andrew Dost, a connu une certaine réussite avec son premier album, sans pourtant dépasser la 71ème place des charts. Ce n’est qu’après avoir collaboré avec Jeff Bhasker, producteur réputé travaillant avec Beyoncé et Kanye West, que leur second album a propulsé leur renommée. La présence de Janelle Monae sur le morceau « We Are Young » a également contribué à son succès. Cette chanson a bénéficié d’un stratagème marketing audacieux, attirant l’attention des producteurs de l’émission « Glee », qui ont choisi de reprendre la chanson avant même sa sortie — une première à l’époque.
Comme le rapportent plusieurs médias, y compris The New York Times, ce groupe a navigué en dehors des sentiers battus de l’industrie musicale, illustrant les nouvelles voies pour gagner en popularité. Dans une interview accordée à Time, les membres affirment que « We Are Young » semblait naturellement conçue pour être un single. Ils la décrivent comme « invitante » et ayant trouvé le juste équilibre entre l’attrait populaire et leur identité musicale. Le choix du second single s’est avéré plus délicat, mais c’est véritablement « We Are Young » qui a fait d’eux des icônes culturelles.
Une question demeure : si Janelle Monae n’avait pas été choisie, et que Rihanna avait été leur premier choix, cela aurait-il modifié significativement la dynamique de la chanson ? Cela reste un mystère.
Gangnam Style par Psy
Si une chanson pouvait être élue « chanson de 2012 », ce serait sans conteste « Gangnam Style » de Psy, probablement l’un des premiers exemples de célébrité virale générée par Internet, venue tout droit de Corée du Sud. Néanmoins, affirmer que cela marque le début de sa carrière minimiserait le travail acharné de Psy, qui a commencé à se faire connaître depuis les années 2000. Son premier passage en Corée du Sud fut marqué par des paroles controversées, mais son talent scénique était déjà palpable, comme le montre le clip de ce morceau. Comme le précisait Billboard, il ne restait plus qu’à attendre que le reste du monde prenne conscience de son art.
L’histoire de « Gangnam Style » est jalonnée de premières que aucun autre artiste ne pourra jamais reproduire. Dans une économie d’attention où l’oubli est instantané, Psy a su capter l’attention du public. Les chiffres témoignent de cette popularité incroyable, car il est devenu le tout premier clip musical à dépasser le milliard de vues. Ce phénomène a même obligé YouTube à redessiner son compteur de vues, lorsqu’en 2014, celui-ci atteignait 2,1 milliards de visionnages. Quiconque était vivant et conscient en 2012 ne pouvait ignorer ce titre ; il était littéralement omniprésent.
Mais que devient Psy aujourd’hui ? Selon Billboard, il a fondé sa propre maison de disques, P-Nation, en 2019, afin de soutenir les artistes dans le domaine du K-pop.
Swimming Pools (Drank) de Kendrick Lamar
À l’exception de Jay-Z et Kanye West, peu de rappeurs suscitent l’attention et le respect que Kendrick Lamar. L’année 2012 a marqué un tournant avec la sortie de son premier album majeur, good kid, M.A.A.D. City. Dans son analyse, Pitchfork fait le lien entre l’album précédent de Lamar, Section.80, et son premier single, Swimming Pools (Drank) : « L’élément le plus ambitieux de _Section.80_ était sa tentative de retracer les maux omniprésents de sa communauté et de sa tranche d’âge à la simple et éternelle pathologie de la pression des pairs … Swimming Pools (Drank) aborde l’abus d’alcool de manière similaire, tout en montrant une grande empathie en capturant le tourment mental que ressent chaque buveur. »
Lamar ne cherche pas à glorifier le mode de vie gangster ; au contraire, il l’examine avec compassion, compréhension et créativité. Cette approche intime de son succès (et des autres morceaux de son répertoire) a été si frappante qu’elle a attiré l’attention de revues psychiatriques, qui ont même inclus un article académique sur l’abus de drogues et d’alcool dans The Lancet : « Il décrit les raisons pour lesquelles les gens boivent de l’alcool : parce qu’ils aiment ‘la sensation’ (biologique), pour ‘anéantir leurs chagrins’ (psychologique), ou pour ‘s’intégrer aux populaires’ (social). »
Il est clair que, bien que la chanson ait connu un grand succès sur les classements de Billboard, Lamar a tenté d’inciter son public à réfléchir tout en se laissant porter par la musique. Rarement, des morceaux parviennent à tordre la ligne entre accessibilité (ou popularité) et profondeur.
I Will Wait de Mumford & Sons
Lorsqu’un groupe atteint le sommet du succès avec un album, le suivant peut s’avérer être un véritable casse-tête. C’est ce qui est arrivé à Mumford & Sons, le groupe folk britannique, après le triomphe de leur premier opus, « Sigh No More ». Leur deuxième album, « Babel », témoigne de l’épuisement d’un groupe ayant parcouru les routes après une tournée intense. « I Will Wait » fut le premier extrait de ce nouvel album. Cet air non seulement poursuit l’élan de leur réussite initiale, mais l’affine également avec une grande maestria.
Selon plusieurs critiques, Mumford & Sons se sont imposés comme une sorte de « One Direction pour un public plus mature » ou un « Arcade Fire version grand public ». Leur musique évoque un sentiment de collectivité et de famille de substitution qui résonne avec un large auditoire.
De plus, Mumford & Sons dégage une spiritualité qui capte l’esprit religieux de l’Occident. Ils se retrouvent souvent au centre du débat « sont-ils ou ne sont-ils pas chrétiens ? », une question qui intriguerait de nombreux auditeurs. Les paroles des membres du groupe se distinguent par leur honnêteté brute et leur richesse poétique, contrastant avec la musique chrétienne contemporaine souvent perçue comme trop abstraite. Néanmoins, il est mentionné que le groupe devrait peut-être modérer son langage, ce qui pourrait carrément déplaire à un certain public.
Video Games de Lana Del Rey
En suivant une tendance où les artistes connaissent un grand succès avec leur deuxième album, Lana Del Rey a sorti « Born to Die » en 2012, dont le single phare, « Video Games », a rapidement capté l’attention. Elle a reconnu que « Video Games » était tout sauf ce que la radio attendait : « ‘Video Games’ était une ballade de quatre minutes et demie … Sans instruments. C’était trop sombre, trop personnel, trop risqué, pas commercial. Ce n’était pas pop jusqu’à ce que ça passe à la radio. »
Sa musique a été perçue par certains comme un antidote à une scène musicale encombrée de « EDM à l’identité interchangeable ». Selon Dazed, « Le moment où la chanson a été diffusée à la radio, l’accueil a été sans précédent — et aussi extrêmement éphémère » en raison du backlash lié au fait que « Lana Del Rey » n’était qu’un pseudonyme pour Lizzy Grant, et sa révélation comme une simple phénomène de YouTube.
Cela s’est produit malgré les transformations croissantes de l’industrie musicale, où de nombreux artistes acquièrent leur notoriété grâce à Internet. Pourtant, Del Rey a continué à proposer une formule qui ravit les auditeurs tout en déconcertant les tendances musicales de chaque année. « Les paroles semblent être soupirées au lieu d’être chantées ; il y a des échos de mélancolie ainsi que cette tristesse cinématographique qui est devenue synonyme de Del Rey. » Sa musique oppose le passé romantique des relations à la vacuité de ce même passé ; « une juxtaposé de la fantaisie et de la réalité ». Avec le clip de « Video Games », la chanson trouve cet équilibre à la perfection.
Hold On par Alabama Shakes
Dans le paysage culturel, atteindre la première place des chansons de l’année selon Rolling Stone est un signe indéniable de réussite, ou du moins un indicateur d’une fabrication culturelle efficace. Alabama Shakes, cependant, a véritablement marqué des points dans la première catégorie. Le groupe a vu son succès « Hold On » décrit par Rolling Stone comme une œuvre capturant « le fantôme du rock et de la soul des années 60, sans tomber dans le piège des exagérations vocales ou de l’imitation sans âme… naviguant sur une ambiance marquée par les sons de Muscle Shoals et Stax-Volt. » L’article poursuit avec lyrisme : « Si des fantômes habitent cette musique, ce sont des fantômes personnels, mais Howard les maîtrise, faisant de ce morceau un cri de ralliement contre l’échec. »
En 2018, NPR a classé « Hold On » à la cinquième position de sa liste des 200 meilleures chansons écrites par des femmes du XXIe siècle. Selon leur analyse, « c’est la sagesse lyrique qui masque la jeunesse de Howard et rend cette chanson si spéciale. ‘Hold On’ est… un mantra offrant l’encouragement nécessaire pour traverser les moments difficiles de la vie. » Brittany Howard a su forger son identité dans l’industrie musicale en refusant de laisser sa musique, son groupe ou sa personne être catégorisés par l’ethnicité ou le genre — un défi de taille, surtout pour une artiste qui s’est révélée comme homosexuelle dans ses vingtièmes années dans le Sud américain. Dans ce contexte, « Hold On » fait écho à une multitude d’anxiétés tout en portant un espoir qui les transcende toutes.
We Are Never Ever Getting Back Together de Taylor Swift
Peu de stars de la pop ont autant marqué l’esprit du public américain que Taylor Swift, dont Beyoncé est peut-être la seule autre concurrente. Swift est une artiste conçue pour la radio, la célébrité et l’industrie, comme le souligne Complex. Ayant commencé sa carrière dans la musique country pour évoluer vers la pop, elle est actuellement en train de réenregistrer ses anciens albums dans son style, selon Time. Sa capacité à manipuler les médias tout en produisant des musiques que sa fanbase dévore a été largement reconnue par The Guardian.
« We Are Never Getting Back Together » symbolise un tournant crucial juste avant qu’elle ne devienne l’icône pop que son album suivant, « 1989 », allait confirmer. C’est un air accrocheur, indépendamment de l’opinion que l’on pourrait avoir sur la carrière de Swift. Cependant, la critique des médias était partagée. Le Washington Post notait que l’accent était mis sur le côté pop plutôt que country de la chanson, soulignant l’absence de sonorité country dans ce morceau de pop élaborée. Bien que le refrain soit entraînant, certains trouvaient difficile de se montrer trop enthousiaste concernant l’album « Red ». En revanche, Rolling Stone qualifiait la chanson (et le clip) de « adorable », se rendant compte que Swift est une artiste que l’on aime ou déteste, mais dont le succès ne fait aucun doute.
Ho Hey par The Lumineers
Wesley Schultz, le chanteur du groupe The Lumineers, a expliqué que leur célèbre chanson « Ho Hey » visait à capter l’attention d’un public habituellement indifférent lors de leurs concerts à Brooklyn. En ajoutant des cris pour ponctuer le morceau, l’idée était de provoquer une réaction chez les spectateurs.
Ce succès musical s’est immiscé dans la culture américaine, apparaissant d’abord dans la série peu connue “Hart of Dixie”, puis dans des publicités et s’établissant dans l’univers des séries télévisées. Il a notamment été repris dans la fameuse série « Nashville » avant d’atteindre son paroxysme de popularité grâce à des parodies sur « The Late Show ». De fait, si la radio était allumée, il y avait de fortes chances que cette chanson soit diffusée.
Un article de Vice soulignait avec humour le caractère accrocheur de la chanson, en notant qu’elle court le risque de sembler fabriquée : “C’est pour le bien du produit culturel lui-même, qui profite à ses créateurs en devenant commercialement viable bien après qu’elle ne soit plus à la mode parmi des consommateurs plus avisés.” La chanson « Ho Hey », sortie au printemps 2012, a ainsi été décrite comme le titre d’été incontournable pour la musique contemporaine adulte en 2013. Cette question de la primauté entre la musique pop et l’argent qui la soutient reste un débat ouvert dans l’industries musicale.
Take A Walk par Passion Pit
Le mouvement emo n’est pas mort, il a simplement évolué vers des sonorités plus pop. Passion Pit en est la preuve avec des paroles chargées d’émotion, habillées de mélodies qui pourraient presque être qualifiées de pop insouciante. Le chanteur, Michael Angelikos, a éprouvé une certaine tension en découvrant que la maison de disques avait choisi « Take A Walk » comme premier single. Il a exprimé son appréhension en déclarant : « Je ne sais pas si quelqu’un va le comprendre… puis j’ai pensé que tout le monde allait croire que j’étais vraiment politique, ce qui n’est pas le cas ; cela parle davantage de la famille pour moi. Je ne me considère pas vraiment comme une personne politique ; je n’aime pas vraiment les chansons politiques, pour être franc. »
Cette descendance emo se révèle à travers un article de Pitchfork qui évoque comment la musique d’Angelikos découle directement de ses propres luttes avec sa santé mentale.
Malgré ces thématiques sérieuses qui se cachent en arrière-plan, la musique elle-même déborde d’un espoir inébranlable. Comme l’indique Faux, « Imprégnée des sons familiers qui ont défini leur ascension vers la célébrité, ‘Take A Walk’ arbore des synthétiseurs montants, des percussions percutantes et les bonnes vibrations de Passion Pit. » Cette combinaison est rarement égalée depuis les années 1980 par des groupes tels que Tears for Fears et Talk-Talk.
Sixteen Saltines de Jack White
Jack White est véritablement un caméléon musical. Il a accumulé des groupes et des projets avec une aisance déconcertante, tout en conservant le respect qu’il a acquis grâce à son premier groupe, The White Stripes. Bien que « Sixteen Saltines » puisse sembler être un choix étrange pour conclure cette liste, c’est également l’une des chansons les plus entraînantes qui y figurent. Comme le souligne Stereogum, la phrase « J’ingère seize crackers Saltine puis je me lèche les doigts » est une véritable réussite lyrique rock. Au-delà de l’allitération, ces mots évoquent une certaine sensualité, tant sur le plan littéral qu’à travers la tradition des double sens vertigineux qui remonte à « Blueberry Hill ».
La chanson (accompagnée de son clip) reflète l’âme nostalgique de White lorsqu’il évoque cette génération qu’il voit comme apathique, préoccupée uniquement par les jeux vidéo et d’autres activités sédentaires sur écran. Quelles que soient vos pensées sur cette réflexion, il est difficile de ne pas apprécier la mélodie entraînante de ce morceau.