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Significations secrètes cachées dans des œuvres d’art célèbres
Les œuvres d’art nous parlent souvent à travers leurs couleurs, formes et compositions, mais le véritable message qu’elles véhiculent peut parfois être dissimulé sous la surface. Voici quelques-unes des significations moins évidentes trouvées dans des chefs-d’œuvre emblématiques :
- La Nuit étoilée de Vincent van Gogh : Au-delà de son esthétique fascinante, cette toile reflète les luttes internes de l’artiste. Les tourbillons de ciel représentent sa quête de paix intérieure alors qu’il luttait contre la maladie mentale.
- La Joconde de Léonard de Vinci : Ce célèbre portrait cache une multitude de secrets, notamment des théories sur l’identité de la femme représentée et les symboles cachés dans son sourire, qui pourrait évoquer des émotions complexes et contradictoires.
- Le Cri d’Edvard Munch : Cette œuvre emblématique est souvent interprétée comme une représentation de l’angoisse existentielle. Le visage criant évoque des sentiments de désespoir et d’aliénation, symbolisant la peur humaine face à l’infini.
- Les Médaillons de Botticelli dans Le Printemps : Ces médaillons évoquent des mythes et des légendes, intégrant un dialogue complexe entre la culture classique et la Renaissance, tout en explorant des thèmes d’amour et de fertilité.
Ces interprétations révèlent comment les artistes s’expriment au-delà de l’intention apparente, tissant des récits riches qui continuent d’inspirer et d’interroger les spectateurs modernes.
Les origines de l’art et ses significations cachées
Selon Psychology Today, l’art est une exclusivité humaine. Cependant, certains comportements observés chez les animaux, tels que le préenage des oiseaux et la décoration de nids pour séduire un partenaire, évoquent des actes artistiques. Ces créatures créent des expressions significatives qui touchent l’esprit des autres, une définition qui trouve écho dans la nature même de l’art.
La création artistique remonte à des temps immémoriaux. D’après le Smithsonian, la plus ancienne œuvre d’art jamais découverte provient d’une caverne en Indonésie. Il s’agit d’une représentation massive d’un animal nommé babirusa — un mélange de porc et de cerf — créée il y a plus de 35 400 ans, lorsque ces créatures cohabitaient avec les humains qui ont réalisé cette fresque.
Les chercheurs ont pu extraire beaucoup d’informations de ce dessin, notamment que l’artiste inconnu avait l’intention de représenter une femelle babirusa, comme en témoignent l’absence de défenses. Toutefois, toutes les œuvres d’art ne sont pas aussi simples à interpréter. Au fil des siècles, alors que les techniques et compétences artistiques ont évolué, les artistes ont souvent incorporé des significations cachées et des messages dans leurs créations. Il arrive parfois que des critiques, des historiens et des érudits mettent des siècles à déchiffrer les véritables intentions d’un artiste à travers son œuvre.
L’École d’Athènes de Raphaël
Raphaël est décédé en 1520, et selon la BBC, il a fallu près de 500 ans aux historiens de l’art pour remarquer un détail relativement minime dans L’École d’Athènes. Cette œuvre se trouve au Vatican et représente les textes philosophiques conservés dans les bibliothèques de l’Église. À l’époque, Raphaël, alors dans la vingtaine, faisait des esquisses préliminaires lorsqu’il s’est rendu compte qu’il rencontrait un problème : tous les anciens philosophes grecs avaient tendance à se ressembler. Plutôt que d’essayer d’innover pour les identifier, il a décidé de jouer avec ce chaos.
Le résultat est que personne n’a vraiment su qui est qui. Un des personnages pourrait représenter Euclide, tandis qu’un autre pourrait être Archimède. De même, un personnage pourrait être un général athénien nommé Alcibiade ou même Alexandre le Grand. Comment les historiens savent-ils que Raphaël était volontairement vague ? C’est en grande partie à cause d’un encrier, délicatement posé sur le bord d’une table, à côté d’un homme plongé dans ses pensées.
La figure ressemble à Michel-Ange, mais l’air de mélancolie qui l’entoure et son regard pensif laissent penser qu’il s’agit d’un clin d’œil à un philosophe grec nommé Héraclite — connu pour sa célèbre assertion que « l’on ne peut pas entrer deux fois dans le même fleuve ». Cette idée sur la fluidité d’un monde en perpétuel changement, qui était le fondement de ses travaux disparus, indique clairement que Raphaël a voulu maintenir une certaine ambiguïté dans sa représentation.
Le Portrait Arnolfini de Van Eyck
Jan van Eyck a peint le Portrait Arnolfini au 15e siècle. À première vue, cette œuvre semble ordinaire, représentant deux personnes et un chien dans une chambre. Cependant, des détails fascinants ont donné naissance à de nombreuses théories au fil des ans — et comme le souligne The Collector, il ne s’agit que de spéculations.
Une théorie longtemps établie a été remise en question dans les années 1990, et il est désormais pensé que les personnages du tableau sont Giovanni di Nicolao Arnolfini et sa femme Constanza Trenta… mais un problème se pose. Costanza est morte en couches en 1433, tandis que la date inscrite sur la peinture est 1434. Cependant, plusieurs indices semblent suggérer qu’il pourrait s’agir d’une peinture commémorative, et que la femme est en réalité décédée.
- L’homme semble tenir la main de la femme même si elle lui échappe.
- Un gargouille est présente à ses côtés, ce qui n’est pas exactement de bon augure.
- De plus, le chien à ses pieds est un animal souvent associé à la guidance des âmes vers l’au-delà.
L’élément le plus fascinant reste peut-être le miroir mural. Le côté qui fait face à l’homme est orné de scènes de la vie du Christ, tandis que l’autre côté représente sa mort et sa résurrection. Le lustre au-dessus du couple présente également un contraste similaire : au-dessus de la tête de l’homme, une bougie est encore allumée — tout comme sa vie. En revanche, l’autre côté montre une bougie éteinte, ne laissant derrière elle que des gouttes de cire. La flamme au-dessus de la tête de la femme a quant à elle brûlé jusqu’à son terme.
Café Terrasse au Nuit de Van Gogh
Les œuvres les plus emblématiques de Vincent van Gogh figurent souvent dans les chambres d’étudiants en raison de leur popularité. Toutefois, en 2015, l’historien de l’art Jared Baxter a effectué une découverte surprenante dans le tableau « Café Terrasse au Nuit ». Sa recherche a révélé la présence de treize personnages dispersés parmi les tables du café, dont une silhouette vêtue de blanc aux cheveux longs, tandis qu’un autre personnage semble s’éclipser dans l’ombre.
Cette observation n’est pas anodine puisqu’elle évoque un hommage à « La Cène » de Léonard de Vinci. Selon Baxter, au moment où Van Gogh a créé cette œuvre, il exprima dans une lettre à son frère un besoin immense pour, je cite, « la religion ».
Baxter souligne également (source : ArtNet) que cette révélation n’est pas isolée. D’autres œuvres de Van Gogh ont été analysées sous l’angle d’un « réalisme sacré ». Par exemple, l’image du soleil, qui évoque l’aura d’un halo dans « Les Semeurs », sert à illustrer que les créations de Van Gogh peuvent également posséder une signification profondément religieuse.
The Supper at Emmaus de Caravaggio
En 1601, Caravaggio reçut une commande pour réaliser Le Souper à Emmaüs. Cette scène, tirée de l’Évangile selon Luc, représente le Christ ressuscité partageant le pain avec des disciples qui ne le reconnaissent qu’à ce moment précis capturé dans la peinture. Cela semble simple, mais selon la BBC, il existe un petit détail qui confère à cette œuvre une signification révolutionnaire.
Quel est ce détail ? Un panier de fruits est posé à la bordure de la table, et deux brins de saule du panier sont cassés. Est-ce simplement un aspect réaliste, ou quelque chose de plus profond ? Ce quelque chose de plus profond concerne la manière dont ces brins sont pliés, formant presque un Ichthys complet, ce symbole du poisson que les croyants utilisaient autrefois pour s’identifier dans un monde où ils pouvaient être persécutés pour leurs croyances. (L’ombre derrière le bol a également la forme d’une queue de poisson.) La notion de « presque complet » est également significative. Pour s’identifier, les premiers chrétiens dessinaient la moitié de l’Ichthys au sol. Cela semblait être une action innocente à faire distraitement, et seuls ceux qui étaient initiés — de véritables croyants — sauraient compléter le dessin. Il est suggéré que Caravaggio invite le spectateur à se demander s’il finirait ce symbole apparemment inoffensif et s’il croirait.
Fait intéressant, la vie tourmentée de Caravaggio prit un tournant dramatique après cela — il mourut mystérieusement en 1610 — et, lorsqu’il réalisa une autre version de la même scène cinq ans après la première, le bol et l’Ichthys avaient disparu.
La Chapelle Sixtine de Michel-Ange
Il est difficile d’imaginer combien de personnes ont levé les yeux vers le plafond de la Chapelle Sixtine au cours des 500 dernières années. Fait surprenant, tous ces visiteurs ont généralement manqué le fait que l’œuvre ne se limitait pas à représenter les figures et scènes les plus importantes de la Bible, mais aussi l’anatomie humaine. Selon Scientific American, Michel-Ange avait une fascination durable pour l’anatomie — à l’âge de 17 ans, il pratiquait déjà la dissection de corps. Il commença son travail sur la Chapelle Sixtine en 1508, et ce n’est qu’en 1990 qu’un médecin nommé Frank Meshberger remarqua que l’image de Dieu tendant la main pour toucher Adam avait la forme d’une coupe transversale du cerveau humain. Meshberger a imaginé que c’était la manière dont Michel-Ange suggérait que Dieu avait donné à l’humanité son intelligence, mais depuis, des experts en neuroanatomie de l’Université Johns Hopkins ont découvert de nombreuses autres références anatomiques.
Dieu est situé juste au-dessus de l’autel — et l’apparence étrange (en vignette) est expliquée par le fait qu’elle représente de manière plutôt précise un autre cerveau humain et un nerf optique. La forme d’un rein humain a également été identifiée, une moelle épinière apparaît dans la robe de Dieu, et NBC rapporte que deux médecins brésiliens ont trouvé un cœur humain dans les plis de la Sibylle de Cumes.
Que signifie tout cela ? Il a été suggéré que Meshberger avait peut-être mal interprété l’œuvre, et que le Michel-Ange cynique voulait plutôt suggérer que Dieu — et l’Église — étaient une création du cerveau humain.
La chapelle Sixtine de Michel-Ange
Selon les travaux réalisés par le guide du Vatican Roy Doliner et le rabbin Benjamin Blech, le plafond de la chapelle Sixtine renferme bien plus que de simples images chrétiennes. Cette découverte a été initiée lorsqu’ils ont remarqué deux lettres sur le plafond — aleph et ayin — qui font référence à Christ en hébreu. Ces lettres n’étaient devenues visibles qu’après une restauration qui a éliminé des siècles de saleté, donnant lieu à une vaste enquête révélant davantage de mystères.
Prenons par exemple la représentation de David et Goliath. Leurs positions forment la lettre gimel, qui est associée à la force. Cette astuce se retrouve également dans la figure de Judith : elle tient la tête d’Holoferne, dessinand une autre lettre, het, liée à la notion de « bienveillance », selon The Telegraph. D’autres messages cachés sont également présents. Le prophète Zacharie est représenté à l’image du pape Jules II, un personnage que Michel-Ange n’appréciait guère, comme le suggère une scène derrière lui où un ange effectue un geste si obscène qu’il est mentionné dans l’Inferno de Dante. Doliner a expliqué à The Wall Street Journal qu’il avait réussi à inclure ces détails en raison de leur relative petitesse.
Michel-Ange a également intégré des hommes nus enlacés tendrement, les plaçant dans le paradis — une idée que l’on aurait jugée inconcevable au milieu du XVIe siècle.
Alors, quel était le but de toutes ces allusions ? Doliner suggère que Michel-Ange souhaitait que le plafond serve de rappel que Jésus était juif, et que la mémoire de la relation entre le judaïsme et le christianisme ne devrait jamais être oubliée : tout le monde est créé à l’image de Dieu.
Bacchus et Ariadne de Titien
Il est facile de mettre sur un piédestal les plus grands artistes de l’histoire, d’en faire des idoles, tout en oubliant qu’au fond, ils étaient tout simplement humains. Et comme la majorité des gens du XXIe siècle, ils allaient probablement rire des blagues de pet. Pour Titien, cela semble être le cas, car il a intégré un tel humour dans son œuvre inspirée par Ovide, « Bacchus et Ariadne ».
Cette peinture illustre le moment où Bacchus aperçoit pour la première fois Ariadne, abandonnée par Thésée sur l’île de Naxos. Le dieu apparaît en plein saut, une position souvent louée comme la parfaite expression de l’amour au premier regard, où le temps semble suspendu. Cependant, en regardant plus attentivement, on peut discerner une petite fleur sous ses pieds qui suggère qu’il n’a pas simplement sauté, mais qu’il a plutôt été propulsé dans les airs par un énorme flatulence.
Cette fleur, connue sous le nom de Capparis spinosa ou fleur de câprier, était couramment utilisée comme remède contre les gaz. Coïncidence intéressante, elle est plantée à côté d’un satyre. Ces créatures mi-hommes, mi-chèvres n’étaient pas seulement les fidèles de Bacchus, mais également célèbres pour leurs flatulences. En observant l’expression du satyre et le visage d’Ariadne, qui lève la main comme pour chasser l’odeur, il est difficile de contester que tout ce moment pourrait être le résultat d’une plaisanterie divine.
La Nuit étoilée de Van Gogh
La Nuit étoilée est l’une des œuvres les plus emblématiques de Vincent van Gogh, souvent accrochée dans les chambres d’étudiants. Peinte en 1889, les tourbillons présents dans cette toile sont caractéristiques du style de Van Gogh, mais elles ouvrent également la porte à des révélations inattendues. Selon Natalya St. Clair, chercheuse au Concord Consortium, ces tourbillons sont communs chez les peintres impressionnistes, servant à symboliser le mouvement. Toutefois, il a fallu des décennies avant que l’on réalise que Van Gogh avait peint quelque chose de plus : des images captées par le télescope Hubble de la NASA ressemblaient étrangement à cette œuvre.
Les photographies en question montraient des nuages de poussière tourbillonnant autour d’une étoile supergéante. Très loin d’une simple ressemblance, les images correspondaient précisément à ce que Van Gogh avait voulu illustrer dans La Nuit étoilée, mais aussi dans Champ de blé aux corbeaux et Route avec cyprès et étoiles. Un groupe de physiciens, sous la direction de l’Université nationale autonome du Mexique, a comparé des versions numérisées des œuvres de Van Gogh avec ces images capturées par la NASA. Ils ont découvert que leur similitude était étonnamment précise sur une échelle mathématique.
Les chercheurs ont également observé que ces œuvres plus précises avaient été réalisées à une période de grande turbulence dans la vie de Van Gogh. Lorsque son existence s’est apaisée, ce phénomène, connu sous le nom de « scalabilité de Kolmogorov », a disparu. Marcelo Gleiser a commenté : « C’était comme si son esprit avait pu accéder à un archétype universel où… le coup de pinceau du peintre et celui de la nature devenaient un et même. »
L’Allégorie avec Vénus et Cupidon de Bronzino
L’œuvre L’Allégorie avec Vénus et Cupidon du peintre italien Bronzino, réalisée au XVIe siècle, déborde d’images érotiques avec des personnages dénudés s’adonnant à des activités suggestives. Cependant, au-delà de ses apparences joyeuses, l’œuvre véhicule un message d’avertissement concernant les comportements sexuels, associés à la syphilis, une maladie nouvelle et considérée à l’époque comme incurable.
Selon une étude parue dans le Journal of the Royal Society of Medicine, cette création pourrait sembler célébrer la frivolité des chérubins et des nymphes, mais elle sert également à dénoncer les conséquences dramatiques qui peuvent résulter de telles irruptions. La figure qui surplombe la scène, souvent interprétée comme le Temps, rappelle que les actes transgressifs ne s’effacent pas aisément.
Parmi les personnages, un chérubin présente un épine de rose traversant son pied, symbolisant des lésions nerveuses et une insensibilité aux stimulations. Une autre figure, longtemps identifiée comme la Jalousie, manifeste des symptômes évidents de la syphilis secondaire : perte de cheveux, manques d’ongles, yeux injectés de sang et écoulement provenant des gencives. Quant à la jeune fille vêtue de vert, bien qu’elle séduise avec un rayon de miel, son apparence grotesque renforce le caractère allégorique de l’œuvre.
Le couple menacé par la mort de Dürer (La Promenade)
Les gravures d’Albrecht Dürer sont inoubliables. Elles ont contribué à faire de l’estampe une véritable forme d’art selon Artsy. Réalisée en 1498, l’œuvre Le couple menacé par la mort présente à première vue une représentation ordinaire d’un couple dont les regards ne se détournent pas l’un de l’autre, tout en étant suivi par un squelette inquiétant brandissant un sablier. Dürer avait un penchant pour l’obscurité — mais ce n’est pas tout ce qui se cache dans cette pièce.
Une exposition des œuvres de Dürer à St. Peter, Minnesota, a été relayée par MPR, mettant en lumière ce couple particulièrement scandaleux. Et pour cause ! La robe portée par la femme est déclarée illégale selon les lois vestimentaires extrêmement restrictives de Nuremberg à cette époque. La mention de cette ville apparaît sous une forme codée dans l’encolure de sa robe.
Intéressant, n’est-ce pas ? Mais il y a encore mieux. Ces lois vestimentaires régissaient les vêtements en fonction du statut social et marital des individus. Selon le Dallas Museum of Art, l’énorme plumes d’autruche plantées dans le chapeau de l’homme étaient réservées aux célibataires. Tout semblait en ordre jusqu’à ce que l’on observe le chapeau de sa compagne. Ces bonnets étaient portés par les femmes mariées, ce qui signifie que cette gravure apparemment innocente illustre en réalité une liaison adultère.
Les escargots de l’ère médiévale
Les manuscrits médiévaux des XIIIe et XIVe siècles ont été réalisés à une époque où tout était copié à la main. Les scribes ajoutaient souvent des ornements personnels autour des bordures du texte, ce que l’on appelle la marginalia, qui peut parfois sembler pour le moins étrange. Selon la British Library, un motif revient fréquemment : des chevaliers affrontant des escargots. Leur présence répétée laisse à penser qu’ils revêtent une signification particulière, bien que l’on ne sache pas exactement laquelle.
Plusieurs théories captivantes émergent néanmoins, dont l’une suggère que les escargots représentaient un groupe connu sous le nom de Lombards. Ce groupe a été largement condamné pour divers comportements répréhensibles, souvent qualifiés de « non-chivalresques ». Selon Britannica, l’ère de domination lombarde au VIe siècle était d’une telle violence et confusion que cela paraîtrait logique, surtout considérant qu’elle a été finalement renversée par les forces unies de Charlemagne et du pape Adrien Ier.
Cependant, cette interprétation n’est pas universellement acceptée. D’autres avancent que l’escargot pourrait symboliser la tentation féminine, tandis que certains universitaires le perçoivent comme une représentation des luttes des classes inférieures contre l’aristocratie. Une autre théorie propose que ces dessins n’onturaient été qu’un exutoire pour des scribes agacés par les escargots dévorant leurs jardins, imaginant ainsi des chevaliers venant à leur secours face à ces envahisseurs voraces. Quelle en est la véritable signification ? Nul ne le sait !
Mona Lisa de Léonard de Vinci
La Mona Lisa de Léonard de Vinci est si emblématique qu’on a parfois tendance à croire que tout a déjà été dit à son sujet. Si son sourire énigmatique capte l’attention de nombreux observateurs — à tel point qu’il aurait conduit au désespoir au moins une personne — d’autres détails, tels que ses mains et ses paupières, confèrent à l’œuvre une aura presque surnaturelle. Selon la BBC, ce sont ses mains, ainsi que le support sur lequel elles reposent, qui donnent une nouvelle dimension à la pièce.
La Mona Lisa est assise sur une chaise appelée « pozzetto », ce qui signifie « petit puits ». Cette spécificité modifie considérablement notre interprétation ; certains soutiennent qu’il ne s’agit plus simplement d’un portrait, mais d’un paysage, avec la figure centrale qu’elle représente. La rivière qui s’écoule derrière elle ne fait pas que passer à côté, elle semble également alimenter son « puits ». De plus, la teinte de sa robe, semblable à celle des algues, et l’obscurité ambiante suggèrent que cette atmosphère trouble était intentionnelle de la part de Léonard.
L’idée d’une femme associée à un puits possède des connotations profondément spirituelles. Elle connecte les femmes aux forces qui soutiennent le monde — l’eau — et les représentations de figures féminines de la chrétienté (comme Rachel, Rébecca, et même la Vierge Marie) près des puits sont nombreuses. Selon cette interprétation, l’eau peut étancher tant la soif physique que spirituelle. En installant soigneusement la Mona Lisa au sein d’un puits vivant, Léonard en fait une incarnation de « l’eau vive ».
L’homme aux carrefours / L’homme, contrôleur de l’univers de Rivera
Il existe un dicton selon lequel se faire des ennemis parmi les artistes et les auteurs peut avoir des conséquences inattendues ; à un moment donné, ils risquent de vous inclure dans leur œuvre, souvent de manière peu flatteuse. L’histoire de cette œuvre débute lorsque Nelson Rockefeller engage Diego Rivera pour concevoir une fresque au Rockefeller Center. Rivera réalise une série de trois fresques. Si l’une d’elles, L’homme aux carrefours, est approuvée, les choses se compliquent lorsque l’artiste s’attaque aux différences entre le socialisme et le capitalisme, suscitant une couverture médiatique intense. Face aux accusations de propager une idéologie communiste, Rivera finit par intégrer une figure controversée : Vladimir Lénine, avant d’être finalement payé et remercié.
En 1932, après cet incident, Rivera crée L’homme, contrôleur de l’univers, sa pièce maîtresse qui accentue les disparités entre communisme et capitalisme. Cette œuvre regorge de symboles puissants, et un ajout choquant est destiné à rendre hommage à l’échec de son projet précédent : la fresque détruite. Au centre de la composition, John D. Rockefeller est représenté d’une manière que sa famille n’apprécierait sans doute pas : il se trouve dans un nightclub en train de boire avec une femme mystérieuse. Pour renforcer son message, Rivera inclut également une coupelle de Pétri contenant des bactéries. Ces bactéries ? La syphilis.
