Les Groupes de Rock Indispensables des Années 2000 à Découvrir

Les Groupes de Rock les Plus Importants des Années 2000

Les années 2000 ont été une période charnière pour la musique rock, avec l’émergence de groupes qui ont redéfini le paysage sonore de l’époque. Ces créateurs de sons innovants ont captivé les auditeurs avec leur musique distinctive et leurs performances énergiques. Voici quelques-uns des groupes de rock les plus marquants des années 2000 à découvrir :

• The White Stripes : Ce duo de Détroit, composé de Jack et Meg White, a revitalisé le rock avec leurs riffs puissants et leur esthétique rétro. Leur album « Elephant », sorti en 2003, a propulsé le groupe sur le devant de la scène internationale.

• Linkin Park : Mêlant habilement des éléments de rock alternatif, de nu-metal et d’électronique, Linkin Park a marqué les esprits avec des titres comme « In the End » et « Numb ». Leur album « Meteora » a été un énorme succès en 2003.

• Arctic Monkeys : Originaires de Sheffield, ces jeunes britanniques ont apporté un vent de fraîcheur au rock indépendant avec leur album « Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not » en 2006, devenu le disque le plus rapidement vendu de l’histoire du Royaume-Uni.

• The Strokes : Venant de New York, The Strokes ont offert un son garage rock revitalisant avec leur album « Is This It » en 2001, acclamé par la critique et devenu instantanément un classique.

• Green Day : Ce groupe punk rock californien a marqué les années 2000 avec des albums emblématiques comme « American Idiot » en 2004, portant un message politique fort et devenant un symbole de la contre-culture.

Ces groupes ont façonné et influencé le paysage musical des années 2000 avec leurs styles uniques et leurs paroles inspirantes. Leur impact perdure encore aujourd’hui, témoignant de l’importance de cette décennie pour la musique rock moderne.

Divertissement

La musique rock, comme le souligne Vice, est en déclin, laissant place à un regain de popularité pour le rap et la pop dans les années 2000. Malgré cela, cette décennie a vu émerger une explosion de nouveaux sons, marquant ce qui aurait pu être le dernier grand moment du genre. Des groupes incontournables comme Avenged Sevenfold, Evanescence, Sum 41, Arcade Fire, les Killers, Deftones, Muse, Queens of the Stone Age, 3 Doors Down, Death Cab for Cutie, Incubus, Maroon 5, Breaking Benjamin, les All American Rejects, Disturbed, Killswitch Engage, Underoath, sans oublier Creed, Limp Bizkit et Nickelback (oui, avouons-le, on a tous au moins une chanson qu’on aime) n’ont pas tous pu figurer sur cette liste, tant ils étaient nombreux. Inutile de préciser que des artistes de garage, de metal, d’indie, de pop punk et d’emo qui y ont été inclus étaient tout simplement trop talentueux pour être ignorés. (Et Green Day avec « American Idiot » n’a pas été oublié. Billie Joe et sa bande comptent parmi les meilleurs artistes des années 90).

Alors, posez les enfants pour la sieste et ressortez le crayon eyeliner, chers millennials vieillissants. De Paramore et The White Stripes à My Chemical Romance, Fall Out Boy, Slipknot et Foo Fighters, ces groupes musicaux sont incontournables des années 2000, offrant une diversité sonore toujours percutante aujourd’hui.

The White Stripes

Selon Nick Hasted de Louder, les White Stripes ont non seulement insufflé une fraîcheur au blues rock – exploit non négligeable étant donné sa longévité – mais ont également donné un coup de boost bien nécessaire à tout le genre au début des années 2000, contribuant à le ramener à une place de respectabilité. Comme le souligne Hasted : « Après tout, à l’aube du siècle, le rock était largement délaissé, jusqu’à ce que la conviction à base de blues des White Stripes aide à le ressusciter. »

Cependant, ce n’était pas seulement leur talent musical brut ni leur capacité incroyable à revisiter une forme d’art déjà explorée pour dénicher des pépites que de nombreux autres artistes avaient étrangement ratées qui a valu aux rockeurs de « Seven Nation Army » une acclamation si large. Selon Marc Spitz de Vanity Fair, une partie du succès durable du groupe était due au fait qu’ils restaient accessibles et authentiques, ne perdant jamais de vue leurs racines garage rock même après avoir atteint une reconnaissance grand public. Comme l’a décrit Spitz : « … Ils n’ont jamais perdu ce côté groupe populaire, cette démarche de collectionneurs de chambre… Je me souviens encore de recevoir la promo d' »Elephant ». C’était du vinyle (bien sûr)… on pouvait sentir l’odeur de renfermé des étagères de disquaires dans les sillons. »

Ils n’utilisaient pas de mises en scène élaborées ni de nombreux choristes en renfort, mais s’en tenaient simplement à une guitare et une batterie – ainsi qu’au talent brut de Jack et Meg White. « Les voir en couverture de Rolling Stone ou remplir le Madison Square Garden, » écrit Spitz, « ressemblait à nos propres triomphes. »

System of a Down

Kevin Winter/Getty Images

De nombreux artistes rock ont utilisé leur musique pour dénoncer l’injustice. The Clash a chanté sur la Guerre civile espagnole et la Baie des Cochons, selon The Conversation. Pendant ce temps, U2 est presque aussi célèbre pour le militantisme de Bono que pour « The Joshua Tree », comme le mentionne son interview avec CBS, et Rage Against The Machine a toujours affiché clairement ses opinions politiques (comme si leur nom ne le laissait pas deviner), selon Britannica.

Mais quiconque recherche des groupes de rock engagés ne devrait pas ignorer System of a Down, le groupe de metal mené par Serj Tankian qui a fait vibrer les tympans avec « Toxicity » en 2001, comme le souligne All Music, et qui utilise ses chansons pour encourager la littérature politique depuis le début (même s’il faut parfois consulter les paroles pour comprendre leur message).

Dans un article pour Vice, Emma Garland analyse comment les mélodies nu metal du groupe sont devenues un support étrangement parfait pour des discussions sur des sujets sérieux, tels que la guerre contre la drogue, le taux alarmant d’incarcération aux États-Unis, les mauvais traitements infligés aux minorités, et plus encore.

Freddy, l’un des interlocuteurs cités par Garland, résume bien la situation en déclarant : « Quand j’entendais Fred Durst hurler contre l’autorité dans Limp Bizkit, ma réaction était … ‘Oula, ce type est fou !’ et ça s’arrêtait là. Mais avec Serj Tankian, j’avais l’impression qu’il avait tous les faits, ce n’était pas juste de l’agression aveugle … il y avait une véritable idéologie derrière les paroles de System of a Down. »

Fall Out Boy

Fall Out Boy a touché l’or du punk pop du milieu des années 2000 avec « From Under the Cork Tree » en 2005, porté par des succès inoubliables tels que « Dance Dance » et « Sugar, We’re Goin’ Down », selon All Music, et avec l’album « Infinity On High » de 2007, en tête des classements, comprenant des singles comme « This Ain’t A Scene, It’s an Arms Race ».

Pourtant, Wentz, Patrick Stump et les garçons n’ont pas été oubliés. En fait, au fil des décennies suivantes, ils ont commencé à obtenir le respect qu’ils méritaient probablement depuis toujours, mais qui est rarement accordé à quiconque lorsqu’il commence à se faire connaître.

Dans un épisode de Punk Rock MBA (via YouTube), Finn McKenty explique plusieurs facteurs qui ont assuré la place de Fall Out Boy dans les annales de la gloire de la culture pop. Ils étaient au bon endroit au bon moment pour surfer sur ce qu’il appelle la vague « mall emo » du milieu des années 2000, et assez avisés en affaires pour capitaliser sur cette opportunité d’une manière que de nombreux autres groupes n’ont jamais fait. Malgré leur succès et leur évident talent, McKenty souligne également que les gars étaient assez humbles pour se respecter mutuellement et accepter occasionnellement de l’aide extérieure pour l’écriture de chansons – quelque chose que de nombreux artistes sont trop fiers de faire, à leur propre détriment.

Slipknot

Selon Decibel, le nu metal, fusion de heavy metal et de hip-hop, a été un phénomène éphémère. Aussi rapidement qu’il a envahi les classements à la fin des années 90, les effrayants dreadlocks de Korn et les fans en casquettes de Limp Bizkit sont devenus de l’histoire ancienne. Cependant, tous ceux qui ont émergé de cette scène n’ont pas disparu si rapidement.

Slipknot, par exemple, est parvenu à rester pertinent depuis la sortie de leur premier album « Iowa » en 2001, qui, selon Pop Matters, les a propulsés sur le devant de la scène et a eu un impact énorme sur le métal au 21e siècle. En conséquence, Corey Taylor et ses comparses se sont positionnés pour porter le flambeau du heavy metal aussi haut que quiconque depuis le début du millénaire, remportant même le prix du meilleur groupe de métal au monde aux NME Awards en 2020, selon Guitar.

Mais qu’est-ce qui rend un groupe conçu pour être aussi peu attrayant que possible si réussi ? Les masques terrifiants ? On pourrait soutenir que personne ne l’a fait mieux, mais Emma Garland de Vice note que d’autres, que ce soit avec du maquillage comme KISS ou Immortal, ou des masques comme GWAR ou Nekrogoblikon, l’ont également fait. Garland affirme plutôt que ce qui a maintenu Slipknot largement au-dessus de leurs pairs du shock rock, c’est le fait que les rockeurs sont tout simplement excellents dans ce qu’ils font. Personne ne prétend que cela convient à tout le monde, mais après de nombreux albums classés numéro un s’étendant sur des décennies (selon The New York Times), il est évident que ce n’est certainement pas pour personne.

Paramore

Les groupes de rock avec des chanteuses en tête ont parfois tendance à être sous-estimés ou catalogués comme des « girl bands », comme l’a souligné Amy Lee d’Evanescence sur les réseaux sociaux. Durant le début des années 2000, des artistes comme Lee ont démontré que les femmes pouvaient exceller dans la musique rock, comme le décrit Revolver.

Quelques années plus tard, Hayley Williams, la rouquine flamboyante, et Paramore ont émergé avec « Riot! », leur deuxième album regorgeant de tubes emo-pop-punk parmi les plus accrocheurs de la décennie, selon All Music. Beaucoup sont tombés sous le charme du riff entraînant et du refrain irrésistible de « Misery Business », tandis que « Crushcrushcrush » et « That’s What You Get » sont devenus incontournables pour toute playlist rétro emo.

Cependant, le groupe a commencé à explorer de nouvelles voies dès « Brand New Eyes » en 2009. En sortant leur quatrième album éponyme en 2013, porté par des titres comme « Ain’t It Fun » et « Still Into You », ils avaient évolué vers un son pop sucré. Et pourtant, ils excellaient dans ce registre, l’album faisant ses débuts en tête des classements et recevant des critiques élogieuses. Cette polyvalence a rendu Paramore très influent, non seulement parmi les autres groupes de rock émergeant à la fin des années 2000 et 2010, mais aussi au-delà. Pitchfork affirme que des artistes allant de Lil Uzi Vert aux mégastars de la pop comme Billie Eilish et Olivia Rodrigo ont puisé leur inspiration chez les rockeurs de « Decode ».

The Strokes

Les critiques musicaux ont parfois du mal à reconnaître l’excellence d’un groupe dès ses débuts. Pourtant, en 2001, lorsque les rockeurs indépendants The Strokes ont sorti « Is This It », ils ont immédiatement captivé l’attention et été salués comme quelque chose de différent et de sacrément bon.

L’album de début du groupe a marqué les esprits de manière indélébile, restant en tête du peloton du rock and roll pendant deux décennies, comme le souligne Far Out Magazine : « Les groupes et artistes qu’il a inspirés, l’influence des membres sur la mode et la culture, les acclamations internationales, les éloges sans fin, et maintenant les nombreuses rétrospectives qui consacrent sa divinité, tout cela peut être cité comme des preuves. »

L’impact de l’album a même été comparé aux changements révolutionnaires survenus une décennie auparavant, comme le mentionne Far Out Magazine : « Tout comme le grunge avait apparemment balayé la faction du glam metal de la fin des années 80, The Strokes ont instantanément relégué les groupes de nu-metal et les clowns du rap-rock au rang de complètement démodés. »

My Chemical Romance

My Chemical Romance a été formé par le leader Gerard Way après les attentats du 11 septembre 2001, sortant son premier album l’année suivante, selon All Music. Deux ans plus tard, la renommée et la fortune les ont trouvés après avoir fait sensation dans la scène underground, bien que les critiques étaient mitigées.

Depuis lors, la donne a changé. Les notes de piano d’introduction de « Welcome To The Black Parade », l’un des nombreux tubes de l’heure de gloire du groupe, l’album de 2006 « The Black Parade » (classé par Rolling Stone parmi les plus grands albums de tous les temps), sont devenues aussi emblématiques que l’introduction de presque n’importe quelle chanson. Dans son article sur l’album, qui comprend des succès comme « Teenagers » et « Famous Last Words », Rolling Stone affirme que Gerard Way est le nouveau David Bowie et compare favorablement l’album à d’autres opéras-rock légendaires tels que « Tommy » de The Who et « The Wall » de Pink Floyd.

Dans un article pour The Ringer, Rob Harvilla retrace le parcours curieux du groupe, des parias emo écartés par les élites au statut, selon ses mots, de « l’un des plus grands groupes de rock du 21e siècle. » Harvilla affirme que le groupe a combiné une personnalité hors norme avec une proximité émotionnelle de manière inoubliable, parlant à des millions d’adolescents désabusés, déclarant : « MCR est né dans une apocalypse, et conçu pour nous aider tous à y survivre… Nous sommes tous des opportunistes de la Black Parade maintenant. »

Coldplay


Le rock de stade rêveur a été largement alimenté par des groupes tels que U2 depuis les années 80 (selon Britannica), et même si le supergroupe irlandais n’a pas encore rangé micros et tambours, ils pourraient éventuellement décider de mettre un terme à leur carrière. Heureusement pour eux, et pour nous, il existe déjà un successeur bien rodé et digne de reprendre le flambeau.

Coldplay peut sembler un peu doux pour les fans de rock plus lourd, mais nous vous mettons au défi de ne pas vibrer sur le riff de piano d’ouverture de « Clocks », ou de ne pas chanter à tue-tête chaque mot de « Fix You ». Selon Udiscovermusic, il est difficile de contester que Chris Martin et les garçons de Coldplay n’ont pas écrit de mélodies magnifiquement enviables depuis la sortie de leur premier album « Parachutes » en 2000, un disque primé qui coche toutes les cases pour de futurs superstars des stades.

Plus de deux décennies plus tard, le style doux mais imposant de rock qu’ils ont popularisé résonne aussi net et frais que jamais : Selon Funktasy, le groupe a survécu et surpassé ses rivaux pop depuis des années, et est toujours capable de collaborer avec des artistes en vogue tels que les Chainsmokers et Beyonce pour produire des tubes en tête des charts.

Foo Fighters

Marcelo Hernandez/Getty Images

La présence des Foo Fighters dans les années 2000 pourrait sembler un peu tricher, car ce groupe mené par l’ancien batteur de Nirvana, Dave Grohl, a commencé à se faire remarquer dans les années 90 avec des albums comme leur premier opus éponyme de 1995 et « The Colour and the Shape » de 1997 (selon All Music). Cependant, toute la portée de leur impact n’a véritablement frappé les esprits qu’au 21e siècle, période pendant laquelle ils ont évolué, passant d’une bande flamboyante et tumultueuse à des vétérans adorés du rock paternel grâce à une série de disques acclamés et truffés de succès.

Selon The New York Times, la pertinence durable des Foo Fighters et leur succès en tournée s’avèrent d’autant plus impressionnants, puisque leur style de rock endiablé n’est pas le son le plus en vogue auprès des jeunes depuis des décennies. Pourtant, le charisme infini de Grohl est en grande partie responsable de maintenir le groupe en tête de liste lors de la planification d’événements tels que des concerts de bienfaisance ou des cérémonies de remises de prix, exigeant leur son distinctif décrit par The New York Times comme « de la musique rock empreinte de joie et de gravitas. »

Et si vous doutez encore que les rockeurs de « Monkey Wrench, » « Everlong, » et « Learn to Fly » attirent l’attention du grand public aujourd’hui, jetez un œil à la liste des célébrités venues célébrer le batteur Taylor Hawkins après sa tragique disparition en 2022, comme le rapporte USA Today. Des artistes comme Pink, Miley Cyrus, Elton John et même Metallica se sont donné rendez-vous pour offrir un dernier adieu éclatant au batteur aux cheveux dorés tant aimé, qui n’était même pas le leader du groupe.

Blink-182

Avec une bonne dose d’humour et de conscience de soi, le guitariste et chanteur Tom DeLonge, le co-leader et bassiste Mark Hoppus, et la superstar de la batterie Travis Barker – les trois gars du trio pop-punk californien Blink-182 – nous ont enchantés avec certains des hymnes les plus entraînants du tournant du millénaire dans le genre. De « What’s My Age Again? » et « All The Small Things », à « First Date », « I Miss You » et « Feeling This », ils ont laissé une empreinte massive, encore fumante, de la taille d’un cratère d’astéroïde, sur le monde du rock et de la pop, selon Sound Digest.

Les empreintes stylistiques visionnaires du groupe se retrouvent dans pratiquement chaque morceau pop-punk du 21e siècle. En d’autres termes, un monde sans Blink est un monde sans Panic! At The Disco, All Time Low, et pratiquement tous les autres groupes où les membres portaient des shorts Dickies qui dépassaient leurs genoux et coiffaient leurs cheveux avec beaucoup trop de gel.

Les gars de Blink ne sont pas étrangers aux querelles internes, cependant, avec Tom DeLonge démissionnant à deux reprises en raison de priorités concurrentes et de visions artistiques incompatibles, selon Sound Digest. Mais, selon NPR, il est de retour dans le groupe depuis 2022 et ces maîtres irrévérencieux de l’écriture de chansons décalées sortent enfin de nouveaux morceaux. Vous pouvez même les voir en tournée – bien que, comme le souligne Vice, les jours où vous pouviez les voir à des prix raisonnables semblent être révolus.

Linkin Park

Ethan Miller/Getty Images

Certains artistes atteignent leur apogée avec leur deuxième ou troisième album, comme la percée de Green Day avec « Dookie » au troisième essai (via Britannica). Cependant, Linkin Park, mené par Chester Bennington et Mike Shinoda, a connu son plus grand succès dès le départ, avec un premier album révolutionnaire en 2000, « Hybrid Theory », regorgeant de tubes au ton angsty tels que « One Step Closer », « Crawling » et « In The End » – des chansons emblématiques et instantanément reconnaissables de la décennie.

Prouvant qu’ils n’étaient pas un phénomène d’un seul hit, le groupe a ensuite enchaîné avec des singles tout aussi réussis sur « Meteora » en 2003, notamment « Numb », « Somewhere I Belong » et « Faint ». En 2007, « Minutes to Midnight » a offert des succès tels que « What I’ve Done » et « Bleed It Out ». Autant dire que ces artistes ont trouvé un son gagnant, posant ainsi les jalons posés par des groupes comme Korn, et devenant peut-être le plus grand phénomène rock de la décennie (selon Stereogum).

Selon Buzzfeed News, le groupe n’a pas seulement créé des morceaux imparables, mais a aussi permis aux jeunes aux émotions tourmentées d’exprimer leurs sentiments à travers la musique, plutôt que de les garder enfouis destructivement. Ils ont ainsi fait en sorte qu’une génération entière se sente un peu moins seule.