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Les significations cachées des chansons rock classiques
Les musiciens associent fréquemment leurs riffs et rythmes triomphants aux événements de leur époque et aux événements marquants de leur vie, s’inspirant d’une source personnelle et unique. Dans les années 1980, par exemple, les groupes de rock semblaient plus grands que nature, à une époque de glamour, de metal des cheveux et de rock d’arène, lorsque des formations comme Blondie, The Police et Chicago ont enregistré les plus grands succès de l’année, tandis qu’un producteur légendaire a fondé le Rock & Roll Hall of Fame. Cette popularité all-enveloppante a entraîné certaines hypothèses malheureuses de la part des anti-rock, qui réduisaient souvent l’ensemble du genre à des voitures rapides, de jolies filles et toutes les drogues qu’un corps peut supporter. En comparaison, le rock moderne pourrait sembler incertain, mais ces jours de gloire du rock and roll recèlent en réalité un monde étonnant d’interprétations cachées.
Bien que chaque groupe ait sa part de morceaux sans équivoque, de nombreux titres de rock classique dissimulent leur message derrière des couches de poésie. La signification cachée de ces chansons rock classiques apportera beaucoup de joie aux auditeurs futurs.
Hotel California et le rêve américain
Parmi les grandes réussites culturelles de 1977, avec l’Apple II et « Star Wars », « Hotel California » des Eagles se classe sans conteste. Ce morceau emblématique, coécrit par Glenn Frey, Don Henley et Don Felder, a débuté sous le titre intrigant de « Mexican Reggae ». Une fois son vrai nom adopté, il a remporté le Grammy Award de l’Album de l’Année en 1977, accumulant des millions de ventes, mais il restait difficile à interpréter. La richesse d’images utilisée dans la chanson laisse souvent l’auditeur face à une multitude de significations.
Heureusement, les membres du groupe ont partagé leurs réflexions sur le message caché de « Hotel California », révélant que cette chanson à succès aborde principalement leur expérience de « poisson hors de l’eau » dans l’excès américain, propre à l’État californien. Lors d’une interview accordée à « 60 Minutes » en 2002, Don Henley a décrit « Hotel California » comme « une chanson sur le côté sombre du rêve américain et sur l’excès en Amérique ». Il a évoqué son parcours, lui et ses camarades, en tant que « jeunes de classe moyenne du Midwest », positionnant le morceau comme une « interprétation de la vie huppée à L.A. »
Lors d’un entretien en 2016 avec « CBS This Morning« , Henley a ajouté que la narration de la chanson représente « un voyage de l’innocence à l’expérience », une phrase qu’il a reprise plusieurs fois. Il a également souligné la complexité de la chanson en affirmant : « Elle peut avoir un million d’interprétations ».
With or Without You, une réflexion sur la dualité de Bono
U2, l’une des plus grandes bands au monde, a connu un succès retentissant en Europe dès ses débuts. Toutefois, il a fallu cinq albums avant qu’ils ne parviennent à dominer les charts américains. Le premier single de l’album The Joshua Tree, With or Without You, est une ballade puissante qui a marqué l’apogée du succès critique et commercial du groupe. Bien que U2 ait depuis surpassé cet exploit à plusieurs reprises, cette chanson reste l’un de leurs titres les plus emblématiques. En mars 2024, elle était même leur morceau le plus diffusé sur Spotify, ayant dépassé 1 milliard de streams.
La plupart des auditeurs s’accordent à dire que With or Without You traite d’une relation impossible. Cependant, Bono a adopté une approche introspective en analysant les paroles. Plutôt que de concentrer son propos sur une romance vouée à l’échec, l’un des plus grands succès de U2 évoque en partie les deux facettes de sa personnalité. Bono a été souvent éloigné de sa famille en raison d’un emploi du temps de tournée intensif, laissant un impact sur sa santé mentale qui l’a conduit à écrire cette chanson. Dans une interview avec Rolling Stone en 1986, il a expliqué qu’il trouvait « presque impossible d’être marié et de faire partie d’un groupe en tournée », ce qui a inspiré ce morceau mélancolique.
Born in the U.S.A. : une chanson mal comprise
Le classique de Bruce Springsteen, « Born in the U.S.A. », sorti en 1984, ne cherche pas à dissimuler son sens, mais la majeure partie de ses usages dans la vie publique est profondément mal interprétée. Un pourcentage embarrassant d’auditeurs entend le refrain puissant et suppose qu’il s’agit d’un cri de patriotisme enthousiaste, alors qu’en réalité, il relate l’histoire sombre d’un vétéran militaire abandonné par son pays. Springsteen a emprunté le titre du script du film de Paul Schrader du même nom, intégrant des éléments tirés des récits de vétérans vietnamiens. Si la chanson avait conservé son titre de version antérieure, « Vietnam », elle aurait peut-être échappé au destin curieux de « Born in the U.S.A. »
Après la sortie de la chanson, Springsteen a reçu l’attention positive de nombreuses personnes avec qui il n’était pas d’accord. Ronald Reagan lui a même fait une mention dans un discours, ce qui a incité Springsteen à aborder cette incompréhension sur scène lors d’un concert. Il a plaisamment suggéré que les interprétations contradictoires de son œuvre ne faisaient qu’accroître sa popularité et son succès, remerciant ceux qui n’avaient pas compris le message. Alors que la chanson constituait à l’origine une critique de l’incapacité des États-Unis à prendre soin de ses vétérans, de nombreux politiciens qui ont soutenu des conflits ultérieurs ont utilisé l’œuvre de Springsteen pour promouvoir leurs campagnes.
Chaque souffle que vous prenez est plus sombre qu’il n’y paraît
La chanson « Every Breath You Take » de The Police a connu un succès colossal qui ne cesse de croître au fil des ans. En 2019, Broadcast Music Incorporated (BMI) a reconnu cette chanson comme étant la plus souvent jouée dans son catalogue de plus de 4 millions de titres. En d’autres termes, « Every Breath You Take » a été diffusée plus fréquemment sur les stations de radio américaines que n’importe quelle autre chanson jamais écrite. Une étude menée en 2021 a tenté d’expliquer cet accomplissement, notant que le classique de 1983 de The Police est l’une des très rares chansons qui s’adapte à n’importe quel moment de la journée.
Les humoristes et artistes de parodie plaisantaient souvent en disant que « Every Breath You Take » était l’hymne des stalkers. L’implication de ces blagues étant que la chanson était à l’origine une belle histoire d’amour qui aurait parfaitement accompagné un mariage, mais ces blagues décrivaient effectivement les intentions de la chanson. Sting a décrit le morceau comme « une petite chanson méchante, vraiment plutôt maléfique » et a déclaré : « C’est à propos de la jalousie, de la surveillance et de la possession » (via le Financial Times). La chanson est née de l’esprit de Sting en réponse à l’échec de son premier mariage et à la rupture imminente du groupe.
Cendres et cendres : la fin d’une ère
Dans son ascension à la célébrité dans les années 1970, David Robert Jones s’est fait connaître sous plusieurs noms tels que Ziggy Stardust, Halloween Jack et le Thin White Duke, mais c’est en tant que légendaire rock star David Bowie qu’il a marqué les esprits. Avant de se lancer dans sa série de réinventions constantes, il avait créé Major Tom, l’astronaute de « Space Oddity ». En 1980, Bowie a repris le récit de l’une de ses chansons les plus emblématiques pour donner une mise à jour à Major Tom dans « Ashes to Ashes ». Le résultat fut un au revoir émouvant tant au personnage qu’à l’ère Bowie des années 70.
Les paroles d’ouverture de « Ashes to Ashes » interrogent : « Te souviens-tu d’un gars qui a été dans une si ancienne chanson ? » La chanson explique que le voyage malheureux de ce personnage familier a laissé Major Tom seul et perdu dans l’espace, le contraignant à se tourner vers la drogue. Bowie a précisé que l’absence de Tom était une décision artistique marquant la conclusion d’une décennie très importante. Dans le livre de Nicholas Pegg, « The Complete David Bowie » (via NPR), l’artiste célèbre a déclaré : « Je clôturais vraiment les années 70 pour moi. » Major Tom a parfaitement ponctué les années 1970, permettant à Bowie de commencer et de terminer confortablement la phase la plus emblématique de sa carrière.
Sweet Emotion est en partie consacrée à la première femme de Joe Perry
« Sweet Emotion » a sans conteste marqué le début de l’ascension d’Aerosmith dans le paysage rock des années 70, propulsant enfin le groupe dans le Top 40 et ouvrant la voie à une nouvelle publication de « Dream On » qui cimentera leur premier hit dans le Top 10. Comme beaucoup de chansons de rock classique, « Sweet Emotion » est bien plus célèbre pour son riff de basse et son arrangement de guitare que pour ses paroles. Une écoute rapide peut donner l’impression d’une chanson sur la liberté et l’esprit des hippies, mais les paroles sont en réalité plus contestées et accusatrices.
La création de « Sweet Emotion » coïncidait avec une période où les personnalités conflictuelles menaçaient de faire échouer le projet. L’un des principaux problèmes était la première femme du guitariste Joe Perry, Elyssa. Autrefois, le chanteur principal Steven Tyler avait frappé à la porte de la chambre d’hôtel des Perry à la recherche de drogues. Éprouvant des symptômes de sevrage et désespéré de trouver une solution, il s’est vu refuser l’accès par Perry et sa femme, qui ont gardé la drogue pour eux. Tyler aurait été tellement furieux envers son ami qu’il a commencé à composer certaines des paroles pleines de haine présentes dans « Sweet Emotion ». En ce qui concerne Perry, il quitta le groupe en 1979, divorça d’Elyssa en 1982, puis rejoignit à nouveau le groupe l’année suivante.
La chambre blanche est un lieu littéral
Cream, supergroupe emblématique du rock, était composé du bassiste et chanteur principal Jack Bruce, du batteur Ginger Baker et du guitariste Eric Clapton, chacun ayant connu un certain succès avec des groupes précédents. Leur plus grand succès commercial reste le classique de 1967 « Sunshine of Your Love », mais ils ont également atteint le Top 10 avec leur single de 1968 « White Room ». Comme beaucoup de chansons de Cream, les paroles peuvent sembler difficiles à déchiffrer. L’imagerie est frappante, mais le sens profond semble enfoui sous le récit obscur d’un espace mystérieux et vide dans une gare.
Le musicien et parolier Pete Brown a expliqué que cette chanson était inspirée par l’appartement blanc dans lequel il vivait. Il a déclaré : « Je vivais dans cette véritable chambre blanche et j’essayais de faire face à diverses choses qui se passaient. » Pour lui, ce domicile est devenu un lieu essentiel, lui offrant un espace de transition pour surmonter ses addictions. Brown a précisé : « C’est un endroit où je me suis arrêté, où j’ai renoncé à toutes drogues et à l’alcool en 1967 grâce à la chambre blanche. » Ce qui fait que la chanson est encore mémorable aujourd’hui, c’est sans doute le mystère qui entoure ses paroles cryptiques.
Panama est une chanson sur une voiture
Van Halen est un groupe qui a souvent repoussé les limites, changeant de frontman à plusieurs reprises durant son apogée. David Lee Roth, le chanteur original, est l’une des voix emblématiques de l’âge d’or du rock. Sa chanson « Panama », sortie en 1984, est devenue un classique instantané, mêlant des références à une voiture et à une femme.
Cette métaphore a émergé d’une critique selon laquelle Roth composait uniquement des morceaux sur les femmes, les fêtes et les voitures. Réalisant qu’il n’avait jamais réellement abordé le thème des véhicules dans sa musique, il a décidé d’explorer ce concept dans « Panama ». Le titre peut faire référence à plusieurs voitures, notamment un véhicule de drag nommé Panama Express qu’il a vu lors d’une course, ou même une vieille station wagon qu’il avait chez lui.
La chanson débute avec le rugissement d’un puissant moteur, qui correspond à la Lamborghini Miura S de 1972 d’Eddie Van Halen ; cependant, ce véhicule n’est pas celui du sujet. Le clip vidéo présente également une voiture au premier plan, mais ce n’est probablement pas la « Panama » évoquée. Roth est resté volontairement flou sur le véritable sujet de la chanson, mais il a été clair sur le fait qu’elle n’a rien à voir avec le pays ou son célèbre chapeau.
Mama, I’m Coming Home est une chanson d’amour
Qui se souvient des frasques d’Ozzy Osbourne, une image emblématique du heavy metal ? Bien qu’il semble parfois distant de son passé scénique, notamment dans des émissions telles que « The Osbournes » ou « Ozzy & Jack’s World Detour », il est important de noter que malgré son trône ornée d’ailes de chauve-souris, Ozzy partage des moments de qualité avec sa famille, révélant un homme de famille tout autant que rock star. Un exemple puissant de cette dualité se trouve dans sa chanson de 1991, « Mama, I’m Coming Home », qui peut être considérée comme un hymne pour tous ceux qui ont une place spéciale dans leur cœur.
« Mama, I’m Coming Home » est une ballade émotive qui aborde les luttes d’Ozzy avec la dépendance et l’amour indéfectible de celle qui l’a soutenu à travers ces épreuves. La relation entre Ozzy et sa partenaire de longue date, Sharon, joue un rôle central dans son identité culturelle. Dans les notes de couverture de son album compilation de 1997, « The Ozzman Cometh », il a révélé que l’expression titre était la façon dont il terminait souvent ses appels avec sa femme durant ses tournées. Bien qu’il soit tentant de penser qu’il chante à sa mère, « Mama » était en réalité un doux surnom pour sa chère épouse. Il est tout à fait approprié qu’elle soit devenue un élément majeur de son seul succès solo dans le Top 40.
Landslide concerne deux relations importantes
Fleetwood Mac a été l’un des groupes les plus tumultueux de l’histoire du rock’n’roll. Ce chaos interne a néanmoins donné naissance à certaines des plus belles chansons du genre. Il est bien connu que le groupe a traversé de constantes fluctuations dues aux relations romantiques au sein de la formation et en dehors. Les histoires entourant Fleetwood Mac ont suscité de nombreuses spéculations, notamment en ce qui concerne la relation de Stevie Nicks avec Lindsey Buckingham, qui a servi de source d’inspiration inépuisable pour leurs compositions musicales.
Sortie en 1974, la chanson « Landslide » aborde cette relation orageuse entre les deux musiciens. Bien que ce thème soit central, Nicks a également révélé qu’une autre relation clé dans sa vie a influencé les paroles de cette chanson. Dans plusieurs interviews, elle a clarifié le sens de « Landslide » en s’éloignant de diverses interprétations. Lors d’un épisode de 1998 de l’émission « Storytellers » sur VH1, elle a partagé que presque tous ses amis et membres de sa famille pensaient qu’elle avait écrit « Landslide » pour eux. Elle a même mentionné son père, indiquant qu’il était en partie lié à sa création.
D’ailleurs, dans son interview pour The Arizona Republic, elle a précisé : « C’est une chanson sur la relation père-fille. » Ces récits changeants suggèrent que la chanson évoque des sentiments complexes concernant ces deux relations.
Un Éclipse Totale du Cœur parlait de vampires
Bonnie Tyler, bien que n’étant pas une rock star au sens traditionnel, a réussi à embrasser un large éventail de styles musicaux, qui l’ont propulsée vers le succès dans les années 70 et 80. Au cours de ce parcours, elle a collaboré avec des légendes du rock telles que Rick Derringer et des membres du E Street Band de Bruce Springsteen. Ses deux chansons les plus emblématiques ont émergé de son travail avec le producteur talentueux Jim Steinman, connu pour son travail sur des titres de rock opératique pour Meat Loaf.
« Total Eclipse of the Heart » est vite devenu l’un de ses plus grands succès, bien qu’à l’origine, il n’ait pas été prévu pour elle. Les paroles de cette chanson, presque gothiques, révèlent une tonalité romantique tournée vers l’ombre et l’obscurité. Lorsque Steinman a approfondi le thème vampirique dans sa production musicale de 2002, « Dance of the Vampires », il a précisé que l’idée d’une pièce musicale sur des vampires était toujours son intention initiale.
Il paraît que la chanson a été à l’origine écrite sous le titre « Vampires in Love », inspirée par le récit classique de « Nosferatu ». Ce fait offre une perspective intrigante sur le message caché derrière cette mélodie mémorable : les personnages principaux représentent en réalité des vampires, ce qui pourrait servir de leçon pour les futurs compositeurs de ballades.
Wish You Were Here parle d’absence et d’encouragement
Formé en 1965, Pink Floyd se compose à l’origine de Roger Waters à la basse, Rick Wright aux claviers, Nick Mason à la batterie et Syd Barrett à la guitare solo. Le groupe a rapidement gagné en notoriété dans le milieu underground britannique de l’époque, s’affirmant comme une voix forte du mouvement psychédélique. Barrett, dans de nombreux aspects, a dirigé la direction créative précoce du groupe, mais une tragique dégradation de sa santé mentale l’a écarté en 1968. L’album de 1975 des Floyd, Wish You Were Here, est souvent interprété comme un adieu mélancolique à Barrett, mais la chanson titre évoque plus qu’un seul sujet. Derrière Wish You Were Here, il y a de nombreuses significations cachées.
Bien que Wish You Were Here aborde la perte et la séparation créative causées par l’absence de Barrett, Waters entend également que la chanson soit un appel introspectif à l’action. Dans un documentaire de 2012 intitulé Pink Floyd: The Story of Wish You Were Here, il déclare : « C’est pour m’encourager à ne pas accepter un rôle principal dans une cage, mais à continuer d’exiger de moi-même que je garde des auditions pour un rôle secondaire dans la guerre. » L’incitation de la chanson à vivre pleinement et à « être dans les tranchées » est autant un message pour Waters que pour tout auditeur.