Sommaire
Les albums qui ont failli détruire des groupes de rock
Beaucoup de personnes, à un certain âge, ont rêvé de devenir une star du rock. La célébrité, l’adulation, la créativité, les voyages, sans parler des revenus considérables — que demander de plus ? Cependant, la réalité de la vie d’un rockeur est bien plus difficile qu’on ne le pense, avec une espérance de vie de près de vingt ans inférieure à celle de la population générale, comme l’a rapporté The Wall Street Journal.
Le travail dans l’industrie musicale est également éprouvant. Cette dernière attire les artistes comme des papillons vers une lumière, mais c’est un milieu impitoyable. Par exemple, la pression financière peut contraindre un groupe fatigué à repartir en tournée ou à produire un nouvel album nécessitant un succès immédiat pour garantir sa survie. La tension ainsi créée peut être écrasante pour les membres du groupe.
Un album de rock est souvent le critère selon lequel les groupes sont évalués. Quelle que soit la qualité de leurs performances en direct ou les drames qui se déroulent en coulisses, un album classique peut conférer une forme d’immortalité à un groupe, les ancrant dans l’esprit de leurs fans à une période précise. Mais malgré les meilleures intentions des artistes, des producteurs et des manageurs, les choses ne se déroulent pas toujours comme prévu et peuvent menacer l’existence même des groupes. Voici quelques albums notables qui ont failli exploser à la face de leurs créateurs.
L’album difficile de Rage Against the Machine
Le groupe de rap metal politiquement engagé, Rage Against the Machine, avait fait forte impression avec son premier album éponyme sorti en 1992. Propulsé par une diffusion intensive de leur single emblématique « Killing In The Name » — un titre protestataire contre le racisme systémique, rédigé en réponse à l’assassinat de Rodney King — RATM s’était hissé au sommet des charts Billboard, attirant l’attention des médias et du public.
Après trois années de tournées incessantes, le groupe aspirait à un succès égal avec son album suivant. Cependant, comme l’indique Ultimate Classic Rock, le quatuor dirigé par Zack de la Rocha a ressenti une pression intense. Les différences créatives ont rapidement mené à des tensions lors des séances d’enregistrement dans un studio de luxe d’Atlanta, qui coûtaient 2 000 dollars par jour. Ce climat de stress a failli entraîner une scission du groupe, ses membres retournant à Los Angeles pour se regrouper.
Finalement, lorsque l’album a été publié, l’enthousiasme du groupe était palpable. Le guitariste Tom Morello a expliqué à la presse que malgré les retards et les différends, « Evil Empire » semblait être la continuité de la synergie créative qui avait marqué leur premier opus. « Je dirais que cet album … est un véritable témoignage de la chimie du groupe, » a-t-il commenté. « C’est juste la façon dont nous jouons ensemble qui rend tout cela fluide, et c’est là où nous avons de la chance. »
À l’image de leur premier album, « Evil Empire » a atteint la première place du Billboard Hot 100 après sa sortie en avril 1996, et a ensuite été certifié triple platine par la RIAA.
Le premier Beatle a quitté plus tôt que vous ne le pensez
Tout amateur de musique connaît la lutte tumultueuse qui a marqué la séparation des Beatles, ces « quatre gars qui ont secoué le monde ». Des accusations de trahison, des amitiés brisées, et chacun pensant à « Moi, Moi, Moi », comme l’a si bien dit George Harrison. Mais qui a été le premier à quitter le groupe ? Était-ce John Lennon, qui, comme l’a rapporté le Independent, avait annoncé son intention de partir dès 1969, plusieurs mois avant que Paul McCartney ne rende public le désengagement des Beatles lors d’une conférence de presse ? Ou était-ce McCartney lui-même ?
La réponse, bien que surprenante, est ni l’un ni l’autre. En réalité, c’est Ringo Starr qui a été le premier à quitter les Beatles — temporairement, pour deux semaines — en 1968, alors que le groupe enregistrait des morceaux pour l’album « The Beatles », plus communément connu sous le nom de « L’Album Blanc ». « Je suis parti parce que je ressentais deux choses : je n’étais pas au meilleur de ma forme, et je sentais que les trois autres étaient vraiment heureux pendant que je me sentais comme un étranger », a déclaré Starr, selon la Beatles Bible.
Cependant, Starr a vite découvert que les autres membres du Fab Four ressentaient également un certain éloignement, chacun d’eux se sentant exclu d’une manière ou d’une autre. Après des vacances en Sardaigne sur le yacht de son ami Hollywoodien Peter Sellers, Ringo est revenu en studio, où, selon Forbes, il a découvert que son kit de batterie avait été décoré de fleurs et d’une pancarte « Bienvenue de retour, Ringo » préparée par Harrison.
Les Beach Boys rencontrent un obstacle
Aux côtés des Beatles, les rockeurs californiens des Beach Boys sont considérés comme la source ultime des mélodies entraînantes des années 60. Cependant, tout comme leurs rivaux britanniques, à la fin de la décennie, le groupe fondé par Mike Love, Al Jardine et les frères Brian, Carl et Dennis Wilson s’est retrouvé confronté à une crise menaçant de paralyser leur riche créativité.
En 1967, la pression pesait lourdement sur le groupe. Les Beatles, bien que rivaux, entretenaient une relation amicale avec les membres des Beach Boys et venaient de surprendre le monde avec la sortie de l’album emblématique « Sgt. Pepper’s Lonely Hearts’ Club Band. » Brian Wilson, principal compositeur des Beach Boys, souhaitait surpasser cette œuvre. Leur récent single, « Good Vibrations », avait été un immense succès, et selon Goldmine, le groupe s’est mis au travail sur un nouvel album, « Smile », qui devait contenir une quantité de musique équivalente à celle de leur précédent chef-d’œuvre.
Cependant, d’après Groovy History, Brian Wilson, en raison de sa consommation excessive de drogues, commençait à éprouver une paranoïa extrême — il avait la conviction d’être suivi par des enquêteurs engagés par son propre père et le super-producteur des années 60, Phil Spector. Sa santé mentale s’est détériorée au point où son comportement commençait à affecter ses collaborateurs. De plus, ses ambitions musicales mettaient à l’épreuve ses compagnons, déjà épuisés par les tournées autour de la musique de Wilson. Selon Ultimate Classic Rock, le groupe a finalement « tiré le rideau » sur les sessions interminables de Wilson et a mis le projet en veille. Ce dernier a été publié sous le nom de « Smile Sessions » en 2011.
Fleetwood Mac et le drame de Rumours
Fleetwood Mac est un groupe ayant traversé de nombreuses évolutions tant sur le plan stylistique qu’au niveau de ses membres. Cependant, pour de nombreux fans, aucun autre line-up n’est aussi emblématique que celui qui a donné vie à l’album souvent considéré comme leur chef-d’œuvre : Rumours, sorti en 1977. L’album est presque aussi célèbre que les conflits internes qui l’ont accompagné, des tensions qui, peut-être, sous-tendent une part de sa brillante pérennité.
Selon Rolling Stone, durant l’enregistrement, les membres du groupe étaient plongés dans deux séparations tumultueuses : Stevie Nicks venait de rompre de manière acrimonieuse avec Lindsey Buckingham, avec qui elle avait rejoint le groupe en 1975, tandis que Christine McVie, une autre chanteuse du groupe, vivait un divorce compliqué avec le bassiste John McVie. Bien que ce dernier couple ait choisi de maintenir un silence respectueux lorsqu’ils n’étaient pas en studio, Nicks et Buckingham n’ont pas caché les effets de leur rupture, multipliant les disputes et créant une atmosphère tendue entre eux et le reste du groupe. Nicks est même allée jusqu’à avoir une liaison avec le batteur et membre fondateur Mick Fleetwood, risquant ainsi de creuser un fossé irréparable au sein du groupe.
Toutefois, si ces tourments amoureux ont transformé les sessions de Rumours en une épreuve personnelle, ils ont également fourni aux musiciens une inspiration inégalée. Nicks et Buckingham ont ainsi composé respectivement Dreams et Go Your Own Way, des titres qui demeurent des favoris des fans.
Captain Beefheart a terrorisé son groupe lors de la création de Trout Mask Replica
Don Van Vliet, plus connu sous le nom de « Captain Beefheart », est l’un des grands excentriques du vingtième siècle. Cet artiste hors normes, également impliqué dans les arts visuels, a su se forger une place dans l’avant-garde américaine à la tête de The Magic Band. Au départ, ils jouaient un blues intense dans le style de Howlin’ Wolf avant d’évoluer vers une musique plus obscure et décalée. Leur album marquant de 1969, Trout Mask Replica, est toujours réputé — ou peut-être tristement célèbre — pour être l’un des albums les plus difficiles et les plus intransigeants de l’histoire du rock.
Les circonstances de sa création sont tout aussi choquantes que la musique elle-même. Dans un extrait d’un livre récent de John « Drumbo » French, membre de The Magic Band, publié dans The Quietus, le musicien raconte comment il a dû transcrire les compositions farfelues improvisées par Beefheart — celui-ci les écrivant sur un piano, un instrument dont il ne maîtrisait pas les bases — et enseigner à ses camarades, durant douze mois, comment interpréter cette musique erratique et non conventionnelle selon les exigences de Beefheart. Selon The Michigan Times, le groupe était soumis à des répétitions marathons de douze heures, affamé, isolé et victime d’abus émotionnels et physiques de la part de Beefheart lui-même. French a quitté le groupe après avoir été jeté dans des escaliers, juste à la fin de la production de l’album. Étonnamment, le musicien malmené est revenu, et le groupe a continué dans une forme similaire pour trois autres albums.
King of Leon : Un succès dévastateur
Lorsque Kings of Leon a sorti le tube international « Sex on Fire », cela a marqué leur transformation d’un groupe de garage rock indépendant à des mégastars capables de remplir des stades. Le morceau, ainsi que l’album « Only By The Night » de 2008, a non seulement rencontré un succès retentissant dans divers pays, mais a également confirmé leur percée aux États-Unis, atteignant le statut de double platine et remportant deux Grammy Awards, selon le producteur de l’album, Jacquire King.
Cependant, la montée en puissance du groupe, dirigé par le chanteur Caleb Followill, s’est accompagnée de défis difficiles à surmonter. Ils ont constaté que leur nouvel auditoire, composé de jeunes fans qui ne comprenaient pas leur œuvre plus sombre et antérieure, était particulièrement difficile à atteindre. De plus, les tournées incessantes, agrémentées de concerts parfois désastreux qui ont poussé le groupe à exprimer sa frustration sur Twitter, ont épuisé les membres. En 2011, un incident en direct où Caleb a quitté la scène a suscité des interrogations sur l’avenir des Kings.
Comme l’a expliqué le bassiste et claviériste Jared Followill, il y avait clairement des tensions internes au sein du groupe. « Vous ne pouviez même pas mentionner ‘radio airplay’ sans que Caleb ne devienne en colère, » a-t-il déclaré. Le groupe avait été traité de « vendez-vous » après « Sex on Fire », et Caleb ne voulait pas que les gens pensent que c’était tout ce qu’ils avaient tenté de faire.
Malgré un album de suivi en 2010 qui n’a pas réussi à réorienter leurs intérêts créatifs, le groupe a finalement décidé de faire une pause. Ils ont fait leur retour en 2013 avec « Mechanical Bull », que de nombreux critiques ont perçu comme un retour à leur essence musicale.
L’extême déclin de The Fall
Considéré comme une référence majeure par de nombreux groupes américains tels que Sonic Youth, Pavement et LCD Soundsystem, The Fall, pionnier du post-punk britannique, a vu sa légende s’étendre bien au-delà de la musique. Depuis sa formation en 1976, le groupe est connu pour son impressionnant turnover de membres et un rythme intense de sessions d’enregistrement et de tournées. À la fin des années 90, Mark E. Smith, fondateur et membre constant du groupe, attirait autant l’attention pour son comportement extrême que pour son oeuvre musicale singulière et brillante.
Le bassiste de longue date, Steve Hanley, a décrit dans son ouvrage « The Big Midweek » (un mémorandum sur ses 18 années au sein du groupe) une partie de l’animosité qu’éveillait Smith. Dans un contexte de manipulation croissante, d’alcoolisme et d’usage assidu de drogues — des thèmes récurrents dans la musique de The Fall — le groupe se sépara à la suite d’une altercation très médiatisée sur scène, qui mena Smith en prison.
Cette mania de Smith est palpable sur l’album qu’ils ont sorti à cette époque : « Levitate », leur 19ème album, produit par Smith lui-même et perçu par de nombreux fans comme un premier faux pas pour The Fall, marquant aussi la fin d’une époque avec le départ de Hanley. Cependant, Smith conserva la claviériste Julia Nagle et réussit à former à nouveau le groupe pour sortir un nouvel album l’année suivante. The Fall continua ainsi de tourner et d’enregistrer jusqu’à la mort de Smith en 2018.
Aerosmith’s Night In The Ruts
Aerosmith, le groupe emblématique formé par Steven Tyler et Joe Perry, est aujourd’hui surtout reconnu pour son immense succès dans les années 90, marqué par des titres incontournables tels que « Crazy » et « I Don’t Want to Miss a Thing ». Cependant, il est intéressant de noter que leur ascension fulgurante a véritablement commencé près de deux décennies plus tôt. Leur hit « Walk This Way », réédité plus tard en collaboration avec Run-DMC, a vu le jour en 1975.
Malheureusement, cette montée en puissance a rencontré des obstacles majeurs en 1979, lorsque le guitariste et membre fondateur Joe Perry a quitté le groupe, en raison de tensions internes. À ce moment-là, Aerosmith traversait une période difficile, subissant des pertes financières importantes, en plus d’une fatigue accumulée par un emploi du temps de tournée épuisant. Ils se sont retrouvés sur la route alors qu’ils auraient dû se concentrer sur l’enregistrement de leur sixième album.
Cette situation s’est avérée trop difficile à gérer pour Perry, dont l’absence a conduit à ce que les parties de guitare de l’album, qui sera finalement intitulé « Night In The Ruts », soient enregistrées par divers musiciens de studio.
Le résultat n’a pas été à la hauteur des attentes, et la popularité d’Aerosmith a commencé à s’effriter. Toutefois, le groupe a fait preuve de résilience et a su se relever, pour connaître un renouveau à la fin des années 80.
Le projet avorté de « One By One » des Foo Fighters
Après la tragique disparition de son ancien camarade de groupe Kurt Cobain et la dissolution de Nirvana, Dave Grohl a su renaître de ses cendres en fondant les Foo Fighters. Entre leur premier album éponyme sorti en 1995 et « There Is Nothing Left to Lose » en 1999, Grohl s’est affirmé comme une véritable superstar, posant les bases d’une seconde carrière florissante.
Cependant, au tournant du millénaire, la machine Foo Fighters semblait sur le point de dérailler. Comme l’a rapporté Spin, le premier signe d’alerte est survenu lorsque le batteur Taylor Hawkins a sombré dans un coma suite à une overdose pendant une tournée au Royaume-Uni. D’après Rock N’ Roll True Stories, la tournée a été annulée, et le groupe a pris le chemin du studio d’enregistrement de Hawkins pour travailler sur leur prochain album, tandis qu’il se remettait. Malheureusement, ces sessions se sont avérées peu fructueuses, et après quatre mois, Grohl était déçu des enregistrements. Après avoir investi un million de dollars dans la production, ils ont décidé d’abandonner le projet et de prendre une pause prolongée, Grohl rejoignant temporairement Queens of the Stone Age.
Cette période fut difficile, mais cette interruption a permis au groupe de se régénérer. En 2002, ils ont fait leur retour avec la version réenregistrée de « One by One », poursuivant leur série d’albums à succès.
Deftones : une frôlée de rupture pendant leur période sobre
Lorsque Chino Moreno, le chanteur des Deftones, évoque les « jours sombres » de son groupe, il fait référence à leur album acclamé par la critique en 2000, « White Pony ». Le titre de cet album prend une connotation particulière, car le succès du groupe californien de metal alternatif a coïncidé avec une utilisation croissante de la cocaïne. Bien que ce mode de vie festif ait pu sembler attrayant dans un premier temps, les Deftones se sont rendu compte qu’il commençait à affecter à la fois leur travail et leurs relations au sein du groupe. Ils ont atteint un point où ils se considéraient comme une ombre de ce qu’ils étaient autrefois : « Cela vous déprime et vous enfonce encore plus dans le trou ».
Aujourd’hui, la manière dont ils ont réussi à sortir de cette spirale demeure un témoignage de leur résilience. Au milieu des années 2000, le groupe a cherché à se désintoxiquer, entraînant une montée des tensions qui les a presque poussés à la séparation. Néanmoins, cette tension a également servi un but créatif, insufflant à leur cinquième album, « Saturday Night Wrist », sorti en 2006, une qualité brute qu’ils avaient cru perdue. Cet album s’est révélé être un triomphe critique et commercial, constituant un véritable retour pour un groupe qui, un temps, semblait au bord de l’effondrement.
Les Eagles ne pouvaient pas égaler leur plus grand succès
Imaginez devoir suivre un succès aussi colossal que « Hotel California » des Eagles. Ce chef-d’œuvre rock de 1977, issu de l’album du même nom, est rapidement devenu la chanson emblématique du groupe et leur plus grand succès international, remportant un Grammy pour la meilleure chanson rock. Ce morceau est devenu un classique, tandis que son solo de guitare prolongé a été qualifié de meilleur de tous les temps par le magazine Guitarist en 1994.
Le groupe, déjà immensément populaire avant la sortie du nouvel album, comme en témoigne le succès phénoménal de leur premier album « Greatest Hits » en 1975, a sillonné les routes sans relâche pour promouvoir leur nouveau matériel. Cependant, selon Ultimate Classic Rock, les tensions se sont accumulées entre les membres, les frustrant et les éloignant les uns des autres. Lorsqu’il a enfin été temps d’enregistrer un nouvel album, Glenn Frey, membre fondateur, a déclaré à The Independent : « Nous ne faisions plus confiance à l’intuition des autres, ce qui a entraîné d’importants désaccords. De plus, Don Henley et moi avions développé des problèmes de drogue, ce qui n’a pas aidé. Aller en studio était comme aller à l’école – je n’avais tout simplement pas envie d’y aller. »
L’album qui en a résulté, « The Long Run » (1977), a été un échec critique et commercial et marquerait la dernière sortie du groupe pendant 28 ans.