Sommaire
Les relations entre ces superstars du rock sont presque toujours tendues, mais leur personnalité flamboyante établit la raison de ces egos surdimensionnés. Au sein des meilleures formations, la talent d’écriture et la chimie sur scène du chanteur principal et du guitariste lead parlent d’elles-mêmes.
L’histoire du rock est parsemée de ces puissants duos qui frappent fort. En effet, tant de tandems remarquables, tels que les frères Gallagher d’Oasis, Zach de la Rocha et Tom Morello de Rage Against The Machine, Phil Anselmo et Dimebag Darrell de Pantera, Bono et The Edge de U2, Corey Glover et Vernon Reid de Living Colour, ou encore Gerard Way et Ray Toro de My Chemical Romance, n’ont tout simplement pas pu trouver leur place dans cette liste. Nous vous assurons, nous avons fait de notre mieux.
Mais qui peut prétendre au titre de meilleur duo chanteur-guitariste dans l’histoire du rock ? Des géants comme AC/DC, Alice In Chains, Aerosmith, Guns N’ Roses, Van Halen et The Who figurent parmi les plus emblématiques. Voici ici certains des plus grands duos de l’histoire du rock ‘n’ roll.
Brian Johnson et Angus Young — AC/DC
AC/DC a perdu son ancien chanteur, Bon Scott, en 1980, suite à une nuit de beuverie. Pour Angus Young, le guitariste principal, c’était comme perdre un membre de la famille. « C’est très, très difficile de traverser quelque chose comme ça. Ce n’est pas seulement un ami, c’est aussi quelqu’un avec qui on a travaillé tout ce temps, » expliquait-il lors d’une interview.
Habituellement, la perte d’un chanteur principal pourrait annoncer la fin d’un groupe. Cependant, AC/DC n’est pas un groupe comme les autres. Bien qu’ils aient pleuré leur camarade, ils ne se sont pas arrêtés de jouer. Brian Johnson a été engagé quelques mois plus tard. Leur premier album avec lui, « Back in Black, » sorti la même année, a marqué les esprits avec des titres emblématiques tels que « Hell’s Bells, » « Rock and Roll Ain’t Noise Pollution, » et « You Shook Me All Night Long. » Cet album ne représente pas seulement le disque le plus réussi du groupe, mais c’est également le plus grand album de rock de tous les temps.
Brian Johnson était exactement ce dont le groupe avait besoin : un chanteur puissant avec une voix inimitable, capable de dominer la scène et de captiver des foules massives. Pourtant, il a toujours été heureux de laisser la vedette à Angus Young, vêtu de son uniforme d’écolier et maniant sa Gibson SG. Ensemble, ils forment l’un des duos les plus dynamiques et redoutables de l’histoire du rock ‘n’ roll.
Layne Staley et Jerry Cantrell — Alice In Chains
Personne ne se doutait qu’il assistait à un moment historique lorsque Alice In Chains monta sur scène le 3 juillet 1996. Ce concert fut le dernier que le groupe torturé de métal-grunge donnerait avec son chanteur emblématique, Layne Staley. Peu après, Staley devint un reclus et perdit tragiquement la vie en 2002 d’une overdose, causant une immense perte pour la communauté rock. Sa voix inégalée dans les années 90 se distinguait clairement au milieu de ses pairs du grunge. Il transforma sa douleur et ses peurs en quelque chose de désespérément beau et intemporel.
La capacité du groupe à perdurer après la perte de son membre le plus reconnaissable, ainsi que de son son unique, témoigne du talent d’un autre membre : le guitariste et chanteur de soutien, Jerry Cantrell. Aujourd’hui, Cantrell partage les tâches vocales avec William DuVall. Sa voix remarquable, son excellente technique de jeu et son écriture poétique ont toujours été le cœur de l’obscure brillance d’Alice In Chains. Ensemble, lui et Staley formaient un duo puissant, marquant une ère de révolution musicale. Nirvana mettait fin à ce que la plupart qualifiaient de « rock classique », ouvrant la voie à une nouvelle ère musicale.
D’autres groupes grunge comme Alice In Chains ont également pris part à ce mouvement, caractérisé par un rejet de tout ce qui l’avait précédé. Cependant, Staley et Cantrell ont réussi à capturer la dynamique chanteur-guitariste inspirée des plus grands groupes classiques, réalisant leur art avec une telle maîtrise qu’ils rivalisaient avec n’importe lequel de ces ensembles légendaires.
Roger Daltrey et Pete Townshend – The Who
Comme souvent dans les partenariats créatifs, Roger Daltrey et Pete Townshend — respectivement le chanteur principal et le guitariste de The Who — n’ont pas toujours eu une relation facile. Au cœur de leur conflit se trouvait un manque de communication et de dialogue, ce qui n’a pas empêché leur ascension fulgurante vers le statut d’icônes du rock des années 1960.
Eddie Vedder de Pearl Jam a écrit pour Rolling Stone : « The Who a commencé comme un spectacle. Ils sont devenus spectaculaires… Pete pouvait tirer des notes de sa guitare comme un mécanicien extrait de l’huile d’un chiffon. La voix de Roger Daltrey transmettait de la vulnérabilité sans faiblesse ; doute et confusion, mais sans appel à la pitié. »
Effectivement, Daltrey était un simple mortel, mais cette voix unique était autre chose. Peu de chanteurs, tous genres confondus, possèdent une telle puissance brute, et l’âge n’a pas atténué son tranchant. Townshend, quant à lui, était un complément parfait, déversant son énergie dans de puissantes accords que seuls des coups de bras en moulin pouvaient produire.
Ensemble, soutenus par le bassiste John Entwhistle et le batteur Keith Moon dans la section rythmique, ils incarnaient l’esprit rebelle et juvénile du rock.
Steven Tyler et Joe Perry – Aerosmith
Les Toxic Twins, nommés d’après leur légendaire abus de drogues durant leur apogée, incarnent une équipe créative qui fonctionne grâce à leurs oppositions. Il est difficile de trouver une personnalité plus excentrique que Steven Tyler dans le monde du rock. Sa présence scénique est inoubliable : il hurle et crie tout en atteignant les notes justes. À ses côtés, Joe Perry apporte une attitude décontractée, maîtrisant son axe avec une aisance déconcertante. Qui a jamais eu une allure aussi cool sur scène ?
Aerosmith se distingue non seulement par son rôle pionnier dans un style de rock qui dominera les années 70 et 80, mais aussi par ce qui pourrait bien être le plus grand retour de l’histoire du rock. En 1979, des ego surdimensionnés, des abus de substances et des conflits internes conduisent Perry à quitter le groupe. Ni son projet solo ni Aerosmith ne réussiront à atteindre les sommets de popularité des années 70 jusqu’au retour de Perry en 1984.
D’après les sources, des albums comme Pump, Permanent Vacation, et un remix de leur succès Walk This Way avec les superstars du hip-hop Run DMC ont permis au groupe d’entrer dans les années 90 comme l’une des formations les plus innovantes du rock.
Il est difficile, et un peu déprimant, d’imaginer où serait la musique pop sans ces bad boys de Boston, et surtout sans Tyler et Perry, l’un des plus grands duos dans l’histoire du rock.
Ozzy Osbourne et Randy Rhoads
La carrière révolutionnaire d’Ozzy Osbourne avec Black Sabbath a pris fin de manière abrupte à la fin des années 70. Cependant, le Prince des Ténèbres n’était pas encore prêt à se retirer. Il a lancé une carrière solo qui allait redéfinir le hard rock et le heavy metal des années 80, toujours accompagné de quelques-uns des guitaristes les plus talentueux de l’époque. Jake E. Lee et Zakk Wylde sont devenus des légendes à part entière, mais tout vrai fan sait que le premier guitariste d’Osbourne était son meilleur.
Voici donc le jeune Randy Rhoads, dont l’empreinte indélébile sur la musique est reconnue par le Rock & Roll Hall of Fame, qui le décrit comme « l’un des guitaristes les plus importants et influents de tous les temps ». Son parcours musical, qui a été marqué par une formation classique, a profondément influencé son style, caractérisé par une technique de solo rapide qui a défini le metal des années 1980 et au-delà.
Ensemble, le fou de heavy metal et ce jeune prodige à la guitare Les Paul ont produit quelques-uns des hymnes les plus mémorables de l’histoire du rock, notamment « Crazy Train » et « Mr. Crowley » issus de l’album « Blizzard of Ozz » sorti en 1980, ainsi que « Flying High Again » de l’album suivant « Diary of a Madman ». Malheureusement, Rhoads a tragiquement perdu la vie dans un accident d’avion en 1982, mais son immense influence perdure encore aujourd’hui.
Ozzy Osbourne et Tony Iommi — Black Sabbath
Dès le début des années 70, un tout nouveau genre de rock commençait à se former : le heavy metal. Et c’est en grande partie grâce à Black Sabbath que ce mouvement musical a vu le jour.
Le groupe avait déjà adopté une forme de rock ‘n’ roll plus lourde, mais trois aspects les distinguaient, les propulsant vers un territoire plus sombre et influent. D’abord, les paroles tordues et les images saisissantes, inspirées par un cauchemar du bassiste Geezer Butler. Ce dernier avait évoqué la vision d’une silhouette noire le surveillant à la fin de son lit, un thème qui s’est imprégné dans la musique de Sabbath.
Ensuite, il y a les cris terrifiants d’Ozzy Osbourne. Sa manière de hurler : « Qu’est-ce que c’est que ce truc qui se tient devant moi ? » dans le single éponyme du groupe — faisant référence au cauchemar de Butler — est suffisante pour hanter les rêves de quiconque.
Enfin, Tony Iommi, dont l’histoire personnelle est aussi fascinante que sa musique. Suite à un accident industriel qui lui a coupé les bouts des doigts, Iommi n’a pas laissé cela entraver son amour pour la guitare. Il a fabriqué des prothèses pour ses doigts et, comme le souligne Louder, il a également desserré les cordes de sa guitare pour faciliter le jeu. Cet ajustement était crucial, car des cordes plus lâches produisent un son plus lourd et plus sombre.
Les riffs diaboliques d’Iommi ont créé une sonorité perçante de malice ; Osbourne a canalisé cet esprit. Le heavy metal n’a depuis jamais regardé en arrière.
Axl Rose et Slash — Guns N’ Roses
« Il était probablement grand temps », a déclaré Slash à propos de sa réunion en 2015 avec Axl Rose. Les fans attendaient ce moment depuis des décennies. Cependant, il est difficile d’imaginer que cela aurait pu se produire plus tôt, tant les tensions entre Axl et Slash étaient profondes. Axl avait affirmé un jour : « Pas dans cette vie… » en réponse à la question de savoir s’il retravaillerait un jour avec Slash. En 2016, ils ont choisi cette phrase comme titre pour leur tournée de retrouvailles, qui a rempli les stades.
L’énergie dangereuse et imprévisible qui a fait d’eux des superstars a également conduit à leur déclin. C’est une histoire aussi ancienne que le temps. Pourtant, lorsque leur collaboration fonctionnait, rien ne surpassait leur musique, pas même leurs escapades — des fêtes excessives de Slash, les tempêtes de colère d’Axl sur scène ou leurs retards, parfois à l’origine de véritables émeutes.
Les morceaux de leur premier album, Appetite for Destruction, sorti en 1987, abordent des thèmes tels que l’addiction aux drogues, le côté sombre de l’hédonisme et la colère de devoir se battre sur les rues sordides de Los Angeles. Cet album emblématique de rock ‘n’ roll n’aurait pas été possible sans les nombreux excès de ses deux figures emblématiques. Rolling Stone l’a classé parmi les plus grands albums de tous les temps.
Freddie Mercury et Brian May — Queen
Le 13 juillet 1985, Queen a rejoint d’autres superstars des années 80 lors du concert de charité Live Aid au Royaume-Uni. Peu avant cet événement, comme le souligne Holly Thomas pour CNN, le groupe n’était pas à son apogée et avait souffert des conséquences d’une série de concerts malavisés en Afrique du Sud. Leur performance n’était pas attendue à la hauteur des attentes habituelles. En effet, ils n’avaient même pas le temps d’exécuter un set complet et ont dû fragmenter leurs plus grands succès tels que « Bohemian Rhapsody » et « Radio Gaga » en courts extraits, trouvant des moyens créatifs de les enchaîner.
Ce qui s’est déroulé ce jour-là pourrait bien être considéré comme l’une des plus grandes performances de tous les temps. Tous les membres étaient en pleine forme, mais le véritable star, sans conteste, était Freddie Mercury. Si vous avez vu ne serait-ce qu’une poignée d’extraits de ce spectacle, vous aurez compris l’ampleur de l’événement.
Cette performance n’était d’ailleurs pas inhabituelle pour Queen. Elle est devenue la plus emblématique de leur carrière, et peut-être l’un des concerts les plus célèbres de l’histoire, à l’exception de Woodstock. Remplir les plus grandes salles du monde était tout simplement dans leur ADN.
Mercury est souvent considéré comme le meilleur homme de scène de tous les temps, et il existe même des recherches qui l’affirment. Mais il ne faut pas négliger Brian May, le guitariste à la chevelure frisée de Queen. Ses riffs et ses solos sont toujours d’une expressivité naturelle, sans jamais tomber dans le show-off. Ensemble, ils ont créé certaines des meilleures musiques et des performances les plus mémorables de l’histoire du rock.
David Lee Roth et Eddie Van Halen — Van Halen
Eddie Van Halen laissait toujours la musique parler pour lui. Après tout, il maîtrisait la guitare électrique mieux que presque n’importe quel autre musicien. Il a véritablement révolutionné le jeu de la six cordes, transformant cet instrument en véritable œuvre d’art. Contrairement à ses nombreux imitateurs, sa façon de jouer était une expression artistique et non un simple effet de scène. Impossible de ne pas l’écouter.
David Lee Roth, extravagant et bruyant, captivait l’attention autant par son charisme que par ses performances vocales. Pour lui, le monde de la musique était avant tout un show, et il pensait que le public ne payait pas pour voir des artistes se contenter de jouer quelques morceaux. Chaque concert de Roth était un spectacle à part entière, car il considérait cela comme un impératif professionnel. Selon The Washington Post, la personnalité flamboyante de Roth combinée au génie de Van Halen a fonctionné pendant un certain temps. Pourtant, leur vision de la musique et de la vie en groupe était souvent opposée, ce qui a créé des tensions et entraîné le départ de Roth.
Cependant, leur collaboration a également engendré une dynamique créative qui a marqué l’histoire musicale des années 80 et au-delà. Réduire leur relation à un simple « magie » serait erroné : ils ont travaillé dur pour atteindre ce niveau d’excellence, ayant tous deux une grande expérience avant de se produire sur les grandes scènes. Une fois sur scène, personne ne pouvait leur égaler.
Mick Jagger et Keith Richards — The Rolling Stones
La voix de Mick Jagger, avec son intonation conversationnelle inspirée par les chanteurs de R&B et de blues, a marqué un tournant décisif dans l’histoire du rock’n’roll. À ce sujet, Steven Van Zandt souligne dans Rolling Stone que « l’acceptation de la voix de Jagger à la radio pop a ouvert la voie à d’autres artistes. Soudain, Eric Burdon et Van Morrison n’étaient plus si étranges — même Bob Dylan. »
Concernant Keith Richards, il explique aussi que « Richards a souvent été sous-estimé, se voyant historiquement assigné au rôle de guitariste rythmique. Pourtant, ses solos sont remarquables. » Ensemble, Jagger et Richards ont vu leur carrière exploser avec l’avènement de l’invasion britannique au milieu des années 60. Ils ont été les premiers à incarner le duo chanteur-guitariste dans le rock.
Ce qui est étonnant, c’est qu bien que ce modèle ait souvent été imité, il n’a jamais été surpassé. Comment aurait-il pu l’être ? Les Stones ont fait tout ce qu’il fallait dès le départ. Jagger est une force musicale, avec ses mouvements entraînants, tandis que Richards, en tant que guitariste rythmique, crée une magie sonore avec des riffs simples. Il n’a jamais eu besoin de se pavaner avec des solos virtuoses.
Ensemble, ils sont aussi inarrêtables aujourd’hui qu’ils l’étaient lorsque, dans les années 60, ils ont d’abord épouvanté les parents. Leur chimie semble intemporelle. Elle était présente lorsqu’ils étaient jeunes et affamés de succès, et elle perdure aujourd’hui alors qu’ils sont respectés comme des figures emblématiques du rock. Cette connexion demeurera même des années après leur départ, lorsque vos petits-enfants découvriront pour la première fois les classiques des Stones.
Robert Plant et Jimmy Page – Led Zeppelin
Dave Grohl a une fois écrit pour Rolling Stone : « Je considère Jimmy Page plus fou que Jimi Hendrix. Hendrix était un génie enflammé, tandis que Page était un génie possédé. » Cette déclaration souligne non seulement le talent exceptionnel de Page, mais aussi l’impact qu’il a eu sur le paysage musical rock.
Quant à Robert Plant, sa voix a été couronnée comme la plus grande du rock, une reconnaissance que l’on ne reçoit pas par hasard, comme le souligne NME. Les concerts de Led Zeppelin étaient empreints d’une atmosphère presque mystique. Si l’on observe leurs performances, on remarque que Plant et Page, tout comme leurs camarades Brian Jones et John Bonham, interagissaient peu avec le public. Plant ne tendait pas toujours son micro vers les spectateurs pour les refrains, et Page ne se laissait pas distraire en surfant sur la foule pendant ses solos. Cela pourrait s’expliquer par le fait qu’ils ont précédé cette culture du spectacle ou tout simplement parce qu’un concert de Led Zeppelin offrait une expérience musicale inédite.
Assister à un concert de Led Zeppelin, c’était bien plus que regarder son groupe préféré interpréter des succès. C’était comme si ces quatre musiciens captaient l’essence même de la musique depuis les sphères célestes, presque comme une forme de magie noire. Plant restait souvent là, les yeux fermés, tournant sa main, perdu dans les mélodies. Et pourtant, il électrisait la scène de manière inégalée. De son côté, Page était trop absorbé par l’instrument qu’il avait maîtrisé pour accorder de l’attention au public. Malgré ce manque d’exubérance, leur présence scénique était suffisamment envoûtante, mêlant charme indéniable et magie musicale, pour les ériger en duos chanteur-guitariste emblématiques : jamais égalés, mais toujours imités.