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En février 2023, lors de l’épisode « New Rule » de son émission « Real Time », le comédien Bill Maher a suggéré que les membres du Congrès pourraient s’inspirer d’Hollywood. En soulignant les tensions partisanes croissantes à Washington D.C. et les altercations physiques qui ont éclaté dans d’autres législatures, Maher a exprimé des doutes quant à la capacité des Républicains et des Démocrates à s’unir avec un nouvel esprit d’amour et de fraternité. Au lieu de cela, il a proposé ce qu’il appelle une règle fondamentale du spectacle : « Vous pouvez accomplir de grandes choses tout en détestant profondément vos collègues. »
Le reste de son monologue était consacré à des exemples de grandes productions hollywoodiennes qui ont connu un succès populaire et critique malgré les tensions entre co-stars et réalisateurs. Maher n’a pas tort : il est possible de réaliser de grands films malgré des relations difficiles au sein de l’équipe créative. Toutefois, aucun des exemples qu’il a cités n’impliquait des relations si tendues que les co-stars refusaient littéralement de travailler ensemble. Cependant, de tels cas existent également.
Les acteurs qui refusent de partager une scène ou même une pièce avec d’autres ne se limitent pas au cinéma contemporain. Les stars de l’Old Hollywood avaient leurs propres rivalités, dont certaines ont laissé aux producteurs et réalisateurs l’énigme logistique de savoir comment tourner avec deux vedettes qui refusaient de travailler ensemble. Voici un aperçu de quelques-unes de ces quasi-catastrophes — et de la manière dont les films ont tout de même été réalisés.
Frank Sinatra et Marlon Brando
Les années 1950 marquent une transition significative dans le paysage d’Old Hollywood, alors que le système des studios commence à céder la place à des producteurs indépendants. Frank Sinatra et Marlon Brando incarnent parfaitement ces deux époques distinctes. Sinatra, véritable figure emblématique du show-business traditionnel, contraste avec Brando, qui a émergé en tant qu’artiste durant cette décennie, nourrissant un mépris profond pour Hollywood en tant qu’industrie commerciale.
Bien que cela ne semblait pas inévitable, leurs tensions ont éclaté sur le plateau de « Guys and Dolls ». Au départ, Brando a tenté de collaborer avec Sinatra lors des répétitions, voulant notamment travailler sur les numéros musicaux où Sinatra avait plus d’expérience. Cependant, Sinatra a fermé la porte à cette collaboration, exacerbant ainsi le fossé entre eux. Quand Brando s’est senti écarté, le plateau s’est divisé en deux camps. Le réalisateur Joseph Mankiewicz, prenant le parti de Brando, a été confronté à des difficultés alors que Sinatra refusait de se plier aux exigences de la production.
La situation s’est détériorée au point où les deux acteurs ont évité tout contact direct sur le plateau, préférant communiquer par intermédiaires. Cette rivalité n’a cependant pas affecté d’autres relations professionnelles lors du tournage, et le film « Guys and Dolls » a été un succès tant sur le plan critique que commercial à sa sortie en 1955. Malgré cela, ni Sinatra ni Brando ne garderaient un souvenir positif de cette expérience ni du film dans leurs années ultérieures.
Peter Sellers et Orson Welles
Le grand public connaît désormais « Casino Royale » comme le premier film de Daniel Craig dans le rôle de James Bond, mais cette œuvre a en réalité débuté en tant que comédie basée sur le premier livre d’Ian Fleming. À travers une série complexe de contrats précoces, les droits de « Casino Royale » sont arrivés entre les mains du producteur Charles K. Feldman, qui chercha à capitaliser sur le phénomène Bond avec une parodie audacieuse et coûteuse. Ce film a compté cinq réalisateurs et de nombreux scénaristes, créant une atmosphère festive qui continue d’attirer un culte jusqu’à nos jours.
Cependant, l’un des nombreux acteurs de ce film, Peter Sellers, n’a que peu apprécié le tournage. Bien qu’il soit légendaire dans l’histoire d’Hollywood pour ses talents comiques, Sellers se révélait être un homme capricieux et difficile à gérer. Ses exigences lors de la production de « Casino Royale » n’étaient pas à l’abri des tensions. Il avait notamment demandé que le grand Orson Welles soit casté dans le rôle du méchant Le Chiffre. Toutefois, Sellers devint rapidement paranoïaque et jaloux de Welles, qui était apprécié par l’équipe pour son attitude joviale et recevait une attention admirative de la part de dignitaires en visite.
Malgré certaines affirmations contraires, Sellers et Welles ont bien partagé l’écran au cours de quelques scènes. Néanmoins, au fil du temps, Sellers insista pour que les prises soient filmées séparément afin qu’ils ne se croisent pas sur le plateau. Il continua à manifester son mécontentement de plusieurs manières, allant jusqu’à frapper un réalisateur, selon certaines sources. Finalement, il quitta le projet avant que toutes ses scènes ne soient tournées, ce qui entraîna une réécriture complexe impliquant plusieurs doublures pour James Bond.
John Wayne et Clint Eastwood
Certains acteurs parviennent sur le plateau, puis décident de ne pas travailler ensemble. D’autres n’atteignent même pas ce stade. John Wayne et Clint Eastwood sont des noms emblématiques du genre western, et leurs carrières se sont chevauchées à une époque donnée. Il semblerait donc naturel pour un producteur ou un studio de les réunir dans un film. Cependant, le Duke n’a jamais vraiment apprécié le nouvel arrivant sur la scène western (il faisait partie des nombreuses stars que Wayne ne pouvait supporter). S’il n’était pas carrément hostile envers Eastwood, il faisait en tout cas le choix de ne pas travailler avec lui.
Il n’en a pas toujours été ainsi. Selon Mary Lea Bandy dans son ouvrage Ride, Boldly Ride: The Evolution of the American Western, Wayne avait encouragé Eastwood au début de sa carrière. Mais Wayne était également très attaché à l’image traditionnelle du western, avec ses chapeaux blancs et noirs, célébrant l’esprit pionnier de l’Amérique et un certain type de conservatisme idéalisé. L’ascension d’Eastwood en tant qu’acteur, puis réalisateur de films qui subvertissaient et défiaient cette image traditionnelle, déplaisait au Duke.
Pour sa part, Eastwood avait sollicité Wayne dans les années 1970 pour qu’il rejoigne le casting du film The Hostiles. Il lui avait même envoyé le scénario, qui était encore en développement. Wayne avait répondu par une lettre exprimant son opposition à l’image de l’Ouest américain que Eastwood avait présentée dans High Plains Drifter. Eastwood a tenté à trois reprises de convaincre Wayne, mais celui-ci est resté ferme dans ses convictions. Eastwood a par la suite attribué cette distance entre eux à des différences générationnelles et d’attitude.
John Wayne et Charlton Heston
Bien que John Wayne ait été adoré par le public américain, il avait son lot de relations tumultueuses. En effet, il avait refusé de travailler avec Clint Eastwood, et d’autres acteurs, de par sa réputation, ont également décliné l’invitation de collaborer avec lui. C’est particulièrement le cas de Charlton Heston, une icône du cinéma en son propre droit, qui a choisi de ne pas apparaître dans un film avec le célèbre héros de l’Ouest.
En 1960, Wayne était déjà une légende d’Hollywood, tandis que Heston commençait à briller. Wayne aspirait non seulement à jouer, mais également à passer derrière la caméra pour donner vie à son projet de film tant convoité sur le siège de l’Alamo. Toutefois, la pression des investisseurs l’a contraint à accepter le rôle principal de Davy Crockett, alors qu’il espérait confier le rôle de Jim Bowie à Heston, connu pour avoir incarné de grands leaders comme Moïse.
Cependant, au moment où « L’Alamo » était en production, Heston se déclarait démocrate, alors que Wayne était déjà célèbre (et, dans certains cercles, notoire) pour ses opinions conservatrices. Heston a donc décidé de passer son tour sur ce projet, déclarant plus tard que la présence de Wayne en tant que réalisateur avait été un facteur déterminant de sa décision. Les deux acteurs n’ont jamais collaboré après « L’Alamo », même s’ils sont apparus tous les deux dans « The Greatest Story Ever Told », mais dans des scènes séparées. Ironiquement, des années plus tard, Heston, devenu lui-même un républicain de droite, a exprimé des regrets d’avoir décliné Wayne et « L’Alamo ».
Joel McCrea et Veronica Lake
Les scènes d’amour peuvent s’avérer délicates pour les acteurs, même dans les meilleures circonstances. Ces moments sont en effet des exercices de romance fictive réalisés devant les caméras et une multitude de membres de l’équipe de tournage. Toutefois, la situation devient encore plus tendue lorsque les acteurs chargés de jouer une scène romantique ne se supportent pas.
C’est précisément le cas de Joel McCrea et Veronica Lake dans la comédie romantique de 1941, Sullivan’s Travels. Le film a charmé le public de l’époque et a contribué à renforcer la réputation du réalisateur Preston Sturges en tant que talent de premier plan. McCrea était reconnaissant envers Sturges d’avoir adapté le rôle principal spécifiquement pour lui. De son côté, Sturges a soutenu Lake comme actrice principale malgré les objections du studio, et elle a pris plaisir à travailler sur le film. En revanche, les réticences du studio à l’engager découlaient en partie de sa réputation d’être difficile, ce qu’elle a, hélas, confirmé en ne connaissant pas ses répliques et en cachant sa grossesse de six mois, ce qui a contribué à déborder le budget et le calendrier de production. À la fin du tournage, le réalisateur et son partenaire de jeu étaient tous deux exaspérés par son comportement, et selon Vanity Fair, McCrea aurait même déclaré que « la vie est trop courte pour tourner deux films avec Veronica Lake. »
McCrea aurait maintenu cette philosophie lorsque l’occasion s’est présentée de retrouver Lake dans une autre comédie un an plus tard. I Married a Witch semblait être un excellent véhicule pour Lake, mais sa production a également été marquée par des retards et des problèmes. Une partie des difficultés était apparemment due à McCrea, qui a été sollicité pour le rôle principal avant de se désister en réalisant qu’il devrait travailler à nouveau avec Lake.
Charles Laughton et Laurence Olivier
Dans l’univers d’Old Hollywood, il est fréquent de retrouver des acteurs britanniques incarnant les figures d’élite, qu’elles soient républicaines ou impériales. « Spartacus » a rassemblé deux des plus grands acteurs anglais de leur génération : Laurence Olivier dans le rôle de Crassus et Charles Laughton dans celui de Gracchus. Cependant, l’entente entre ces deux vétérans des scènes britanniques et des écrans d’Hollywood était loin d’être cordiale. Un autre acteur britannique du film, Peter Ustinov, a même raconté qu’ils étaient tellement animés par leur aversion mutuelle qu’ils en étaient réduits à se comporter comme des « animaux grognants ».
Kirk Douglas, le protagoniste et producteur du film, a persévéré pour rassembler ces trois hommes autour du projet malgré le mépris de Laughton pour le script et la situation conjugale difficile d’Olivier. Laughton n’a pas cessé de se plaint au fil du tournage, même après que le studio ait consenti à laisser Ustinov réécrire les dialogues du personnage de Laughton. Ce dernier, selon Ustinov, « était toujours là, prêt à être offensé ». Douglas se souvient même d’une menace de poursuite judiciaire proférée par Laughton. Pour sa part, Olivier déclarait qu’il n’appréciait que peu Laughton, admettant que ce dernier était « le seul acteur que j’ai connu qui était un génie. Peut-être est-ce pour cela qu’il était si difficile ». Olivier a tenté, de manière ironique, de lui indiquer où se positionner sur la scène, en lui montrant un schéma d’une scène de Stratford.
Les tensions ont atteint un tel niveau qu’Ustinov a dû jouer le rôle de médiateur entre ces deux hommes, étant donné qu’ils refusaient de travailler ensemble directement. Ustinov n’a pas contesté cette description dans son entretien, bien que les détails de leur arrangement soient restés vagues. « Il n’y avait vraiment rien à faire à propos de leur hostilité, » avouait Ustinov. « Mais je n’étais pas assez fou pour leur suggérer de reconsidérer leur comportement. »
Bette Davis et Errol Flynn
Bette Davis et Errol Flynn ont partagé l’écran à deux reprises alors qu’ils étaient sous contrat chez Warner Bros dans les années 1930, notamment dans « The Sisters » et « The Private Lives of Elizabeth and Essex ». Bien qu’elle ait plus tard décrit Flynn à Dick Cavett comme « l’homme le plus beau qui ait jamais vécu, et le plus charmant », elle n’a pas été dupée par son charisme. Pour Davis, il manquait de discipline et de talent en tant qu’acteur. De son côté, Flynn n’appréciait pas le côté autoritaire de Davis.
Leur relation de travail était particulièrement tendue sur le plateau de « Elizabeth et Essex », où Davis a été vue frappant Flynn avec sa main ornée de bagues, tandis que Flynn la frappait dans le dos. Cette animosité a persisté même après le tournage, conduisant Davis à décliner une offre alléchante pour un rôle majeur.
En effet, selon ses propres mots lors de son entretien avec Cavett, David O. Selznick lui avait proposé de prêter Davis et Flynn pour jouer les rôles principaux dans sa production de « Autant en emporte le vent ». Cependant, Davis ne souhaitait pas retravailler avec Flynn, qu’elle ne jugeait pas capable d’incarner le personnage de Rhett Butler. Elle était persuadée que cela ne dérangerait pas Flynn, affirmant même qu’il était « la personne la plus honnête concernant son talent », avouant qu’il n’était « pas du tout un acteur ».