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Albums qui ont détruit des groupes
La création musicale n’est pas toujours synonyme d’harmonie. Parfois, le processus de réalisation d’un album constitue le point de rupture d’un groupe. Ironiquement, le produit final — en dehors des discordes internes — n’est pas systématiquement un désastre musical. Comme vous le découvrirez ici, certains albums aujourd’hui qualifiés de chefs-d’œuvre sont nés de ressentiments, de batailles pour le contrôle créatif et de désaccords profondément personnels.
Un signe majeur indiquant qu’un album est destiné à détruire le groupe qui le réalise est qu’un membre prend le contrôle de la direction musicale, ignorant les contributions des autres. Une mise en garde pour les futurs leaders autoproclamés : cela tend à créer du ressentiment et peut susciter des mutineries parmi les autres membres. Un autre problème qui a causé la chute de nombreux groupes avant l’heure est l’abus de substances. Même si un groupe rencontre d’autres difficultés, cela tend à exacerber toutes les autres tensions.
Et surtout, évitez d’inviter des couples à rejoindre votre formation, à moins que vous ne soyez convaincu qu’ils fonctionneront bien en tant qu’ex. La musique est souvent décrite comme la nourriture de l’amour, mais lorsque la relation se dégrade, le groupe suit souvent le même chemin.
Les récits d’albums ayant déchiré des groupes partagent des éléments communs : jalousie, trahison, divergences créatives. Pourtant, chacun d’eux représente un chapitre unique dans l’histoire de chaque groupe, et souvent — mais pas toujours — le dernier.
Tension chez The Beatles culminant avec Let It Be
Bien qu’elle véhicule un message de « vivre et laisser vivre », la chanson intitulée « Let It Be » ne reflète pas l’état d’esprit collaboratif des membres des Beatles durant sa création. Selon un article de l’Independent, des divisions avaient déjà émergé dès 1966, lorsque le guitariste George Harrison menaça de quitter le groupe, frustré que ses contributions soient moins valorisées que celles du célèbre duo Paul McCartney et John Lennon. McCartney semblait prendre les rênes du groupe, et un séjour de méditation en Inde, en 1968, a révélé que les quatre membres étaient divisés tant sur le plan spirituel que créatif.
C’est durant ce séjour que Lennon entama une relation adultère avec Yoko Ono. Bien qu’Ono ne soit pas la cause de la séparation des Beatles, les membres du groupe ressentirent du ressentiment face à son intention de l’inclure lors des sessions d’enregistrement de « The White Album » en 1968. Cet album faillit provoquer la scission du groupe, mais ils se réunirent l’année suivante pour « Let It Be ». Les tendances dominatrices de McCartney, l’addiction à l’héroïne de Lennon et son exigence de communiquer uniquement via Ono, ainsi que les frustrations créatives de Harrison, rendirent les sessions tendues. Harrison décida même de quitter temporairement le groupe, mais finit par revenir.
Les Beatles enregistrèrent ensuite un autre album ensemble, « Abbey Road », quelques mois plus tard. Lorsque celui-ci sortit en septembre 1969, Lennon avait déjà quitté le groupe (ou du moins, c’est ce qu’il affirmait). En avril 1970, McCartney annonça qu’il ne comptait pas sortir de nouveau musique avec les Beatles, scellant ainsi le destin du groupe. Le mois suivant, « Let It Be » fut publié, mais il était déjà trop tard : les Beatles étaient morts.
Les tensions chez Guns N’ Roses durant l’enregistrement de Use Your Illusion I & II
En 1987, le premier album au titre prophétique de Guns N’ Roses, Appetite for Destruction, les propulse de légendes de Los Angeles à superstars nationales. Cette réussite marque le début d’un style de vie chaotique qui finira par fragiliser leurs fondations.
Entre Appetite, le second album GN’R Lies (sorti en 1988), et les albums en deux volumes Use Your Illusion I & II de 1991, la plupart des membres du groupe sombrent dans de graves problèmes de toxicomanie. Des concerts continus alimentaient leur consommation d’alcool et de drogues, et à leur retour à Los Angeles, les tensions grandissaient entre eux. Lors du début des sessions d’enregistrement pour Illusion, le guitariste rythmique Izzy Stradlin venait de retrouver la sobriété, tandis que le batteur Steven Adler avait été renvoyé à cause de son usage de drogues qui affectait son jeu.
Tandis que Slash et le bassiste Duff McKagan continuaient à consommer, Stradlin observait avec inquiétude la détérioration de ses camarades. Parallèlement, le chanteur Axl Rose nourrissait son image d’égocentrique, retardant leur entrée sur scène, quittant les concerts en plein milieu et se heurtant aux fans. Un incident notoire à St. Louis, survenu quelques mois avant la sortie de l’album, provoqua une émeute mémorable.
Bien que l’album double Illusion ait reçu un bon accueil, la pression sur le groupe était devenue insoutenable. Stradlin officialise son départ deux mois après la sortie. L’album de reprises, The Spaghetti Incident?, enregistré en grande partie durant les sessions Illusion, ne rencontra pas le succès escompté en 1993. En 1996, l’égocentrisme de Rose pousse Slash à quitter le groupe, suivi un an plus tard par McKagan.
La formation classique de Fleetwood Mac a survécu à Rumours mais pas à Tango in the Night
Le drame qui a inspiré l’album « Rumours » de Fleetwood Mac en 1977 est devenu une pierre angulaire de l’histoire du rock. En résumé, deux couples qui représentaient quatre cinquièmes du groupe étaient en train de se séparer. La moitié de chaque ex-couple s’est lancée dans une nouvelle romance avec un autre membre de la bande. Notamment, pendant la tournée de l’album, la chanteuse Stevie Nicks et le cinquième membre restant, le batteur Mick Fleetwood (récemment divorcé), ont eu une liaison.
Malgré ce tourbillon d’émotions, Fleetwood Mac non seulement a survécu à « Rumours », mais a également créé l’un des albums les plus vendus et les plus acclamés de tous les temps. Deux albums et des tournées mondiales plus tard, en 1982, le groupe a pris une pause. Les chanteuses Nicks et Christine McVie ainsi que le guitariste Lindsey Buckingham — l’ex de Nicks — se sont consacrés à leurs carrières solo, mais seules les deux chanteuses ont rencontré le succès, au grand désespoir de Buckingham.
En 1985, Buckingham travaillait sur un projet solo. Cependant, Fleetwood l’a convaincu de partager ses chansons avec le groupe. À ce moment-là, Fleetwood et Nicks consommaient encore plus de drogues — principalement de la cocaïne — qu’ils ne l’avaient fait durant les sessions de « Rumours ». L’album a été enregistré chez Buckingham, qui n’appréciait pas les fêtes bruyantes que ses camarades organisaient chez lui. Une fois « Tango in the Night » terminé, Buckingham a quitté Fleetwood Mac. Cela a marqué la fin de l’apogée du groupe, bien qu’il soit revenu en 1996, mais a été renvoyé en 2018, apparemment à l’insistance de Nicks.
Creedence Clearwater Revival ne pouvait pas être réanimé après Mardi Gras
Creedence Clearwater Revival est un groupe emblématique construit sur des contradictions : un son folk-blues des années 50 provenant d’un groupe californien du nord actif dans les années 70. Formé par un quatuor d’amis d’enfance et de frères, leur trajectoire musicale a été marquée par de grands succès suivis d’une chute dramatique. Stu Cook, Doug Clifford et John Fogerty ont créé ce qui allait devenir CCR en 1959, à l’âge de 14 ans, et l’aîné de John, Tom, les a rejoints peu après.
En 1967, leur nouvel label discographique a propulsé leur album éponyme vers une popularité grand public. Désireux de capitaliser sur ce succès commercial, John a poussé ses camarades à sortir constamment de nouveaux morceaux, avec trois albums lancés et des tournées majeures en 1969 uniquement.
Cependant, le comportement autoritaire de John a commencé à peser sur le moral du groupe. En 1971, Tom a quitté le groupe, fatigué de recevoir des ordres de son petit frère. Cette année-là, les membres restants se sont regroupés pour enregistrer un nouvel album, mais la sortie de Tom et l’égocentrisme de John ont condamné ce projet avant même qu’il ne commence. Des versions divergentes existent sur ce qui s’est réellement passé par la suite. Selon John, Cook et Clifford ont menacé de quitter le groupe s’ils n’étaient pas autorisés à écrire et chanter un tiers du nouvel album.
De leur côté, Cook et Clifford affirment que John les a piégés dans une limousine, leur annonçant qu’ils seraient renvoyés s’ils ne contribuaient pas au nouvel album. Ils soutiennent que John a délibérément saboté le groupe, conscient que sa voix était le son caractéristique de CCR. L’album « Mardi Gras » a été un échec retentissant, conduisant à la séparation du groupe en 1972.
Combat Rock résume les dernières années de The Clash
En 1982, The Clash avait accompli ce qui semblait impossible pour un groupe britannique : ils avaient réussi à se faire un nom en Amérique. Leur cinquième album, Combat Rock, les a propulsés vers un succès grand public aux États-Unis, avec des singles tels que Rock the Casbah et Should I Stay or Should I Go, considérés comme des classiques.
Cependant, ce dernier morceau allait bientôt prendre une nouvelle signification. Au cours des cinq années précédentes, l’usage de drogues du batteur Nick « Topper » Headon était devenu une dépendance aiguë à la cocaïne et à l’héroïne. Bien qu’il ait été productif en studio—jouant de la batterie, de la basse, et du piano tout en écrivant majoritairement Rock the Casbah—sur scène, il était devenu un poids pour le groupe. Lors d’un concert à Amsterdam en soutien à Combat Rock, le chanteur Joe Strummer a décidé de renvoyer Headon.
Mais Strummer ne s’est pas arrêté là. Pendant l’enregistrement de Combat Rock, Mick Jones, guitariste et chanteur, frustré par l’autorité de Strummer sur la direction musicale, a voulu explorer le hip hop et les synthétiseurs. Il s’est également disputé avec le bassiste Paul Simonon et le manager connu pour ses méthodes controversées, Bernie Rhodes. Jones a même créé sa propre version de Combat Rock, intitulée Rat Patrol From Fort Bragg, mais le reste du groupe a rejeté cette idée.
Au cours d’une pause qui a traîné jusqu’en 1983, les relations au sein du groupe étaient tendues, au point qu’ils ne se parlaient presque plus. Le 10 septembre, Strummer et Simonon ont publié un communiqué annonçant le renvoi de Jones. Celui-ci et Headon ont été remplacés, avec l’ajout d’un troisième guitariste : mais le dernier album de The Clash, Cut the Crap, a littéralement échoué à répondre aux attentes, entraînant la désintégration du groupe.
The Ramones ont dit ¡Adios Amigos! après des années de rivalité amère
Le fait que les Ramones aient duré plus de 20 ans est un véritable miracle du punk rock. Pendant une grande partie de ces deux décennies, le chanteur Joey et le guitariste Johnny ont refusé de se parler. La formation originale des Ramones se composait de Joey, Johnny, du bassiste Dee Dee et du batteur Tommy. Ils prenaient tous le nom de Ramone, mais aucun d’entre eux n’était réellement lié, sauf par leur sensibilité à l’exclusion.
Calme, anxieux et aspirant à être un hippie, Joey était toujours le parfait opposé de Johnny, bruyant, colérique et de droite. Selon Rolling Stone, Johnny a reconnu dans son autobiographie qu’ils ne s’étaient jamais très bien entendus. Cependant, en 1982, un simple désaccord s’est transformé en hostilité ouverte, lorsque la petite amie de Joey, Linda Danielle, a quitté Joey pour Johnny, et l’a ensuite épousé. Aucun des deux n’a quitté le groupe, mais ils n’ont échangé aucun mot civil pendant les 14 années suivantes, même en se produisant ensemble avec les Ramones.
Tommy avait quitté le groupe en 1978, fatigué des tournées et des caprices de Johnny. En 1989, le toujours imprévisible Dee Dee est parti pour commencer une carrière dans le rap. Avec seulement deux membres fondateurs pris dans une rivalité irréparable, Johnny a décidé que le groupe était fini. « ¡Adios Amigos! » est sorti le 18 juillet 1995, et les Ramones (avec les remplaçants Marky à la batterie et C.J. à la basse) ont donné leur dernier concert le 6 août 1996 au Hollywood Palace. Dee Dee est décédé d’une overdose d’héroïne quatre ans plus tard. Lorsque Joey est mort d’un lymphome en 2001, Johnny n’a pas assisté aux funérailles.
Les conflits de Simon & Garfunkel sur Bridge Over Troubled Water
Paul Simon et Art Garfunkel, réunis par le hasard et propulsés par le succès, ont commencé leur carrière musicale en tant que duo d’adolescents. Après une séparation temporaire due à l’échec de leur premier album, ils ont connu un succès fulgurant grâce à « The Sound of Silence ». L’intérêt d’un disc-jockey pour cette chanson ainsi qu’une version légèrement remixée les ont propulsés sur le devant de la scène.
Malgré la sortie régulière d’albums, des tensions internes naissaient entre les deux artistes. Simon désirait explorer des projets en solo, tandis que Garfunkel poursuivait une carrière cinématographique. Ces ambitions divergentes atteignaient un point de friction en 1969 lorsque le réalisateur Mike Nichols exclut Simon de son adaptation cinématographique de « Catch 22 » tout en donnant à Garfunkel un rôle de quatrième palier, augmentant ainsi la rivalité entre les deux. De surcroît, ce retard de tournage fut préjudiciable pour leurs projets musicaux communs.
L’album « Bridge Over Troubled Water », célèbre principalement pour sa chanson titre, illustre bien ces conflits. Simon, qui avoua ressentir de la rancœur en voyant Garfunkel interpréter sa chanson et en recevoir les louanges, exprime une déchirure palpable au sein du duo. Bien que l’album remporte le Grammy du meilleur album en 1970 et se classe numéro un durant dix semaines, ces succès ne suffisirent pas à maintenir l’unité du duo.
N.W.A. a perdu deux membres clés à cause des droits des albums
Dans le cas de N.W.A., ce n’est pas le processus créatif de la réalisation d’un album qui a conduit à la séparation du groupe, mais plutôt des disputes concernant les droits d’auteur. Sorti en 1988, le premier album du groupe, Straight Outta Compton, a profondément résonné, en particulier auprès des jeunes noirs défavorisés. Beaucoup se reconnaissaient dans ce que N.W.A. défendait comme un portrait réaliste des défis rencontrés en grandissant dans des zones urbaines marquées par la pauvreté, amplifiés par le racisme systémique.
Cependant, alors que l’album devenait un succès national, des ressentiments concernant les paiements commençaient à se former au sein du groupe. Un membre, Arabian Prince, avait quitté le collectif avant même la sortie de l’album, en raison de sa conviction que les droits d’auteur n’étaient pas distribués équitablement. Selon Rolling Stone, lors de la tournée de promotion de l’album, Ice Cube a décidé de quitter le groupe plutôt que d’accepter un chèque de 75 000 dollars qu’il estimait être bien en deçà de sa part équitable. De plus, les autres membres étaient également en colère de ne pas avoir reçu de paiements pour leur travail sur l’album solo d’Eazy-E, intitulé Eazy-Duz-It, auquel ils croyaient avoir contribué de manière égale.
N.W.A. et Ice Cube ont continué à créer de la musique, y compris des morceaux qui s’attaquaient directement les uns aux autres. Mais après la sortie du deuxième album du groupe, Efil4zaggin, Dr. Dre a également décidé qu’il était insatisfait de son contrat et a quitté le groupe pour se lancer dans une carrière solo. Les membres restants ont parfois collaboré, mais jamais sous le nom de N.W.A.
Les Eagles sous pression après l’album Hotel California
On pourrait penser qu’un album considéré comme le meilleur jamais réalisé par un groupe, tant par ses membres que par ses fans, souderait l’équipe. Pourtant, lorsque les Eagles atteignirent leur apogée avec « Hotel California » en 1976, le seul chemin qui leur restait à parcourir était celui de la chute.
Ironiquement, c’est leur origine d’outsiders du Midwest qui leur a permis de créer « Hotel California », une allégorie sur les ravages de l’hédonisme au cœur de la scène musicale de Los Angeles. Ce titre évoque aussi des thèmes tels que le satanisme, le cannibalisme ou la toxicomanie, comme le souligne la BBC. La formation même admet qu’elle ne sait pas comment expliquer ce morceau emblématique. Dans une interview, le guitariste Don Felder a partagé : « Tout le monde [dans le groupe] est arrivé à Los Angeles… en traversant le désert la nuit, l’on voit une lueur au loin… à des centaines de kilomètres. »
Tandis que l’album et la chanson connaissaient un immense succès, les Eagles luttaient en interne pour déterminer la direction à prendre. Le chanteur Glenn Frey a révélé qu’ils avaient l’impression d’avoir épuisé leur créativité et leurs textes sur « Hotel California ». La création de leur album suivant, « The Long Run », s’est transformée en trois années de dur labeur, culminant par une bagarre physique lors d’un concert entre Felder et Frey, un épisode qui scella leur destin commun. Frey a même exprimé qu’il n’y avait qu’un mot pour expliquer la séparation des Eagles : « Hotel California ».
Le dernier album de The Verve
The Verve s’est fait connaître pour son approche novatrice du Britpop, notamment pour avoir réussi à empêcher le troisième album des titans du genre, Oasis, de s’installer à la première place des charts. Leur renommée s’est intensifiée par la suite, marquée par des séparations et des retrouvailles dramatiques.
Le premier éclatement du groupe survint en 1993, trois mois après la sortie de leur deuxième album, « A Northern Soul », acclamé par la critique. La création de cet album s’est révélée être une véritable catastrophe rock’n’roll, alimentée par l’usage excessif de drogues et d’alcool, laissant les membres épuisés et leurs relations tendues. La domination du groupe par le chanteur Richard Ashcroft, qui refusait d’accepter d’autres contributions créatives, compliquait encore la situation. Malgré cela, quelques semaines plus tard, Ashcroft proposa de mettre de côté leurs différends afin de tirer profit de leur succès, bien que cela se fasse sans le guitariste Nick McCabe. McCabe revint dans le groupe pour leur opus de 1997, « Urban Hymns », mais après deux ans, une nouvelle séparation intervint.
En 2007, Ashcroft persuada McCabe et le bassiste Simon Jones de se réunir pour enregistrer un nouvel album, « Forth ». McCabe exprima ensuite sa frustration quant au fait qu’Ashcroft, habituellement brut dans son expression, semblait retenir des paroles qu’il jugeait trop personnelles. Deux ans plus tard, en août 2009, il fut rapporté que McCabe et Jones n’avaient pas parlé à Ashcroft depuis un an. Une source aurait déclaré que le duo considérait que la fin de The Verve était définitive et que l’expérience de la tournée et de l’enregistrement de « Forth » leur avait fait comprendre qu’Ashcroft n’avait enregistré ce dernier album que pour relancer sa carrière solo.
La rupture silencieuse d’ABBA après « The Visitors »
En 1981, les membres d’ABBA étaient prêts à prendre leurs distances avec le groupe qui les avait propulsés vers la gloire. Les deux mariages au cœur de la formation s’étaient effondrés. Le guitariste et auteur-compositeur Björn Ulvaeus et la chanteuse Agnetha Fältskog avaient annoncé leur divorce en 1979, une expérience racontée dans la chanson « The Winner Takes It All », interprétée par Fältskog sur l’album « Super Trouper » d’ABBA sorti en 1980. De plus, quatre semaines avant de commencer le travail sur le huitième album d’ABBA, « The Visitors, » en mars 1981, le pianiste Benny Andersson et la chanteuse Frida Lyngstad avaient annoncé leur séparation.
Selon le Telegraph, Ulvaeus et Andersson cherchaient également à s’éloigner d’ABBA pour des raisons professionnelles. Après sept années à produire des succès pop éclatants, ils désiraient explorer de nouveaux horizons, tels que les comédies musicales.
Au moment où le groupe s’est réuni pour enregistrer « The Visitors, » Ulvaeus sortait avec sa future seconde épouse. Fältskog a plus tard avoué avoir été blessée par la rapidité avec laquelle il avait tourné la page, ce qui l’a plongée dans une profonde dépression. Andersson, quant à lui, qui avait été infidèle, était apparemment au bord de l’effondrement nerveux. Les tensions persistantes entre les deux chanteurs éclataient également de temps en temps. Ces sentiments se sont traduits dans des titres comme « One of Us » et « Slipping Through My Fingers. » Même après la sortie de l’album, ABBA n’a pas annoncé de séparation officielle, mais tous les membres ont avancé vers d’autres projets, pliant silencieusement de concert que le groupe était désormais terminé.
Des divisions causées par « The Wall » chez Pink Floyd
Le groupe Pink Floyd a techniquement survécu à la création de l’album « The Wall », mais il ne retrouverait plus jamais la même formation. Cinq ans avant de se lancer dans ce projet, Pink Floyd était devenu une superstar grâce à « The Dark Side of the Moon », sorti en 1973. C’est à cette époque que le bassiste et chanteur Roger Waters a commencé à s’imposer, écrivant chaque parole des chansons.
Face à la pression de succéder à ce succès retentissant, les autres membres du groupe ont cédé davantage de contrôle créatif à Waters lors des albums suivants, « Wish You Were Here » en 1975 et « Animals » en 1977. Cependant, son refus de prendre en compte les contributions des autres a commencé à créer des tensions. Pour « The Wall », Waters a proposé à ses camarades deux concepts à choisir : « Bricks in the Wall » et « The Pros and Cons of Hitch Hiking ». Ils ont opté pour le premier, qui racontait l’histoire d’un musicien nommé Pink Floyd (une représentation à peine voilée de Waters) et de ses luttes contre l’isolement. Encore une fois, Waters a refusé d’inclure les contributions des autres membres ou de les créditer sur les morceaux, allant même jusqu’à remplacer le batteur Nick Mason sur une piste.
Finalement, « The Wall » a rencontré un grand succès, mais les fissures étaient trop profondes pour être réparées. Le claviériste Richard Wright a quitté le groupe après la sortie de l’album en 1979, suivi par Waters lui-même en 1985. Waters a par ailleurs perdu un procès contre Mason et le guitariste David Gilmour concernant les droits au nom du groupe. En mars 2021, Gilmour a annoncé qu’une tentative de réunion avait échoué.
Les influences musicales des Smiths, une divergence marquée
Contrairement à certains groupes mentionnés dans cet article, les Smiths, connus pour leurs paroles mélancoliques, semblaient plutôt satisfaits de l’album qu’ils s’apprêtaient à réaliser en mars 1987. En effet, le frontman Morrissey, avec ses habitudes de coucher tôt et son attitude anti-drogues, s’est finalement isolé de son complice, le guitariste Johnny Marr, ainsi que du bassiste Andy Rourke et du batteur Mike Joyce. De plus, Marr se sentait frustré par la décision récente de Morrissey d’évincer le manager Matthew Sztumpf, le contraignant à se charger de l’administratif peu gratifiant du groupe.
Malgré ces tensions, l’optimisme prévalait dans le groupe. Morrissey et Marr trouvaient une synergie créative grâce à leurs différences : le charismatique et fièrement excentrique Morrissey complétait le caractère taciturne et réservé de Marr. Malheureusement, ces divergences allaient s’accentuer au fil du temps. Morrissey souhaitait adopter un son plus mainstream, proposant même un remix de « Work is a Four-Letter Word » de la pop star Cilla Black, tandis que Marr désirait explorer des pistes plus matures. Les tensions atteignirent leur paroxysme lorsque Morrissey refusa de tourner une vidéo pour promouvoir le groupe aux États-Unis, incitant également les autres membres à forcer Marr à licencier le remplaçant de Sztumpf. Ce retour aux responsabilités managériales fut un véritable coup dur.
Finalement, Marr annonça à ses collègues son intention de partir pour collaborer avec les Talking Heads. L’issue de cette séparation demeura incertaine jusqu’à quelques mois plus tard, lorsque le NME rapporta que les Smiths étaient officiellement dissous, une nouvelle confirmée par Marr lui-même. Leur dernier album, Strangeways, Here We Come, fut publié quelques mois après, marquant ainsi la fin, officielle cette fois, de leur aventure ensemble.