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Les Sous-Genres Populaires du Métal Expliqués
Le genre du métal, avec sa diversité et sa richesse, a engendré une multitude de sous-genres qui ont contribué à façonner son paysage musical unique et varié. Chaque sous-genre apporte sa propre esthétique, son son distinctif et ses thèmes caractéristiques, offrant aux passionnés de métal un éventail de choix pour satisfaire leurs préférences musicales.
Voici quelques-uns des sous-genres les plus populaires du métal :
- Heavy Metal : Le heavy metal, avec ses riffs puissants et ses performances vocales souvent spectaculaires, est souvent considéré comme l’un des fondements du genre. Des groupes emblématiques tels que Iron Maiden et Black Sabbath ont contribué à établir les bases de ce sous-genre.
- Thrash Metal : Caractérisé par ses tempos rapides, ses guitares agressives et ses paroles souvent engagées politiquement ou socialement, le thrash metal trouve ses racines dans des groupes pionniers comme Metallica et Megadeth.
- Death Metal : Avec ses growls gutturaux, ses blasts de batterie rapides et ses thèmes sombres, le death metal explore des territoires musicaux extrêmes et intenses. Des groupes iconiques tels que Death et Cannibal Corpse ont laissé leur empreinte sur ce genre brutal.
- Black Metal : Reconnu pour son atmosphère sombre, ses riffs glacés et ses paroles souvent liées à des thèmes occultes ou sataniques, le black metal incarne un côté plus extrême du métal. Des formations telles que Mayhem et Burzum ont défini les codes de ce style provocateur.
Ces sous-genres, parmi d’autres, offrent aux amateurs de métal une plongée fascinante dans une diversité musicale inégalée, où l’expérimentation, l’émotion brute et la virtuosité se rencontrent pour créer un univers sonore complexe et captivant.
Divulgation des sous-genres de la musique métal
Les passionnés de métal sont habitués aux incompréhensions flagrantes entourant leur musique. Les véritables passionnés ont depuis longtemps pris l’habitude de lever les yeux au ciel face à la multitude d’affirmations ignorantes portées à leur encontre et à l’encontre de la communauté des amateurs de headbanging en général : « vous êtes une plaie pour la société polie »; « vous adorez le diable »; « vous êtes tous tellement, tellement en colère, avez-vous déjà écouté Katy Perry? » (ce qui provoque une réelle colère dans le processus); et bien d’autres affirmations éculées. Au nom de tous les passionnés de métal, « Veuillez partir. Je suis beaucoup trop occupé à écouter un riff chonky. »
Le malentendu chronique de la société à l’égard du métal, dans son ensemble, découle de nombreux facteurs. Les musiciens sont souvent virtuoses, et la complexité de leur instrumentation exige une écoute attentive et concentrée. Les voix rugueuses et les tonalités sombres peuvent aussi en repousser certains. Le « métal » comprend également une immense variété de sous-genres distincts et de niche, telles des millésimes de vin. Beaucoup d’entre eux sont des sous-genres imbriqués reposant sur un vocabulaire musical d’initiés, ce qui peut être intimidant pour les nouveaux auditeurs.
Il existe environ 10 quadrillions de sous-genres de métal sur lesquels nous ne nous attarderons pas dans cet article, comme le pirate metal, le pornogrind, le Indian folk metal, le noisecore, le black n’ roll, le jazzcore, et une pléthore d’autres « cores. » Nous ne parlerons pas non plus de labels rendus insignifiants par le temps, tels que le « alternative metal » (quelque chose comme Tool à la mi-années 1990). Et pour décevoir tous les auditeurs de Limp Bizkit, qu’ils soient sérieux ou ironiques : cette phrase est la seule fois où vous lirez sur le nu-metal.
Plongée dans l’univers du heavy metal
Vous vous demandez peut-être : « À quoi bon les étiquettes, après tout ? Si ça vous plaît, ça vous plaît. C’est de l’art. » Ding ding, vous avez raison – de nombreux amateurs de métal pensent de la même manière. Cependant, d’autres pourraient vous attaquer en pleine nuit au nom de la sacralité de la différence entre des styles tels que le « blackened death metal » et le « post-blackened proto-death emo-metal » (ce dernier étant fictif, nous le supposons). En réalité, pour les discussions, l’analyse et la facilité d’introduction des gens au métal, les divisions de genres spécifiques peuvent s’avérer utiles.
Prenons le heavy metal, l’un des types de métal les plus fondamentaux et mal compris. « Heavy metal » est souvent utilisé de manière interchangeable avec le terme « métal », ce qui n’est pas tout à fait correct. Beaucoup de « heavy » metal ne sonne même pas vraiment lourd aux oreilles modernes, habituées à des versions de plus en plus extrêmes de sonorités accordées en bas, de chugga-chugga, de drop-B et de mixage entrelacé de bruits. Le heavy metal évoque des groupes emblématiques tels que Led Zeppelin, Deep Purple et Judas Priest, des contemporains des pionniers du métal menés par Ozzy Osbourne eux-mêmes, Black Sabbath, formés à Birmingham, en Angleterre, en 1968.
À l’époque, le heavy metal commençait comme un mélange expérimental d’influences musicales, comprenant le blues et les tonalités trashy distordues des premiers groupes de rock comme The Kinks (par exemple, « You Really Got Me » en 1964). Le terme « heavy metal », comme le souligne Teach Rock, a été utilisé pour la première fois dans la chanson de Steppenwolf en 1968, « Born to be Wild ». Pourquoi « heavy » ? « Heavy » était le slang des années 60 pour sérieux ou profond, mettant en avant la volonté de la musique de plonger (par moments) dans des questions sociales importantes.
Les amateurs de metal s’unissent : l’arrivée du thrash metal
Même si le grand public ne connaît pas forcément le terme « thrash », le thrash metal est l’un des types de metal les plus largement reconnaissables. Il a réussi à attirer l’attention du grand public grâce à des piliers de la musique tels que Metallica, et a traversé les générations pour inspirer le présent, 40 ans environ après son apogée. Metallica fait partie des « Big Four du thrash », aux côtés de Megadeth, Slayer et Anthrax, comme l’explique Spinditty.
Le thrash est un sous-genre assez facilement identifiable qui s’est détaché du « speed metal » dans les années 1970. On parle de BPM élevés (battements par minute, c’est-à-dire le tempo), beaucoup de downpicking (plutôt que des accords montants et descendants), des tonalités mineures, des riffs musclés, des solos de guitare « shredding », et parfois des doubles pédales de grosse caisse. Le côté plus léger du thrash, comme « Madhouse » d’Anthrax (1985), pourrait être confondu avec le glam rock ou le hair metal des années 80 (nous y reviendrons plus tard), qui a effectivement influencé l’esthétique et la musique de certains groupes de thrash. Le côté plus lourd du thrash, eh bien, c’est Slayer. Il suffit d’écouter ne serait-ce qu’une seule fois la première minute, absolument brutale et tritonale, de « Raining Blood » pour le constater.
Le thrash metal a pris son envol avec les « Big Four » au début des années 1980, et stricto sensu, il a disparu en tant que forme distincte de metal à la fin de la décennie. Ses précurseurs, cependant, ont perduré. Cela ne veut pas dire que chaque chanson des « Big Four » est strictement du thrash (l’exemple évident étant « Nothing Else Matters » de Metallica), mais dans l’ensemble, ces groupes ont su définir le son et laisser une empreinte sonore permanente.
Maquillez-vous et ajoutez une touche de glamour
Source : Larry Hulst/Getty Images
Les aficionados du métal plus axés sur un style ultra-lourd pourraient critiquer ce choix, mais le glam a bel et bien sa place dans l’histoire du métal. Le glam possède une histoire assez complexe mais concise, démarrant avec des artistes non métalliques comme David Bowie au début des années 1970. Bowie s’est plongé dans l’esthétique de son art, utilisant des costumes et un maquillage prononcé. Des personnages tels que « l’extraterrestre omnisexuel rock star » (selon Rolling Stone) Ziggy Stardust, ainsi que le maquillage emblématique bleu et rouge en forme d’éclair d’Aladdin Sane de Bowie, ont illustré un changement contreculturel vers l’art de la performance et une somptuosité excessive à la manière d’Oscar Wilde.
Saupoudrez cet éclat sur le rock des années 70, et vous obtenez des groupes comme les rockeurs d’arène KISS, Van Halen, éventuellement Aerosmith et Quiet Riot, voire la légende punk Alice Cooper (via Beat). Il y a une interaction entre le heavy metal, le punk, le hard rock, etc., mais vers le début des années 1980, le glam a conquis pleinement les arènes — Mötley Crüe, Twisted Sister, Poison, Cinderella et d’autres ont représenté une évolution du glam metal vers ce qui a été surnommé le « hair metal », comme le décrit East of Borneo. Pendant ce temps, le thrash susmentionné s’est enfoncé dans une direction plus rude, plus sombre, plus rapide, et ainsi de suite.
Le glam a peut-être disparu en tant que sous-genre distinct, mais son ethos a perduré chez des musiciens de métal tels que Marilyn Manson (pour le meilleur ou pour le pire), qui ont également intégré des éléments gothiques et industriels dans leur son. Du côté non métallique, des artistes performants comme Lady Gaga doivent également beaucoup à l’ère du glam.
Plongez dans la lenteur du doom metal
Le doom metal est l’un des descendants directs du heavy metal, aux côtés du sludge metal, du stoner rock, du desert rock, et de la musique psychédélique associée. Tous ces genres conservent des éléments fondamentaux communs : un tempo lent, une ambiance sonore dense de phrases méditatives avec de nombreux tons prolongés et une production brute. Comme le souligne The Register-Guard, le doom metal est essentiellement du rock psychédélique agrémenté au fil du temps d’éléments extrêmes. Le classique « War Pigs » de Black Sabbath, avec son introduction languissante, groovy et écrasante, illustre parfaitement les racines du doom.
Des groupes tels que Pentagram et Cirith Ungol ont lancé ce sous-genre au début des années 70, suivis par Witchfinder General et Pagan Altar à la fin des années 70, Candlemass dans les années 80, jusqu’aux offres plus récentes telles qu’Electric Wizard, Sub Rosa, Pallbearer, et bien d’autres. Au départ, le doom adoptait certaines iconographies occultes similaires au black metal (dont nous parlerons plus tard) et était imprégné de la « vérité dégoûtante » des habitudes plus sombres et destructrices de l’humanité, selon Michigan Daily.
Plus récemment, le doom metal a commencé à revenir à ses racines plus générales et planantes. The Atlantic souligne à juste titre le secret du doom : il s’apparente essentiellement à de la musique New Age transcendante avec un travail de guitare dense et de la distorsion. Actuellement, il s’est même diversifié pour donner naissance à un cousin spirituel plus lumineux et « planant » sous la forme de groupes tels qu’Om, Samsara Blues Experiment, et Villagers of Ioannina City. Ces groupes éliminent les éléments les plus sombres du doom pour adopter un son hypnotique et hippie psychédélique destiné à refléter la quête du sens de l’existence humaine.
Plongée dans le monde du black metal
Theo Wargo/Getty Images
Le black metal est le type de métal qui pousse certains croyants à attraper leur croix sous l’oreiller. « Satanique », « occulte », « païen » : voilà les termes souvent associés au black metal. Et pour être honnête, il est non seulement facile de faire cette évaluation, mais c’est généralement ce que les artistes recherchent. Ce sous-genre se caractérise par des voix hurlantes et gutturales, une dissonance extrême, des accords lourds, un mélange texturé et délibérément lo-fi, beaucoup de maquillage effrayant et de costumes angoissants sur scène, ainsi que des paroles ouvertement anti-chrétiennes. Tout ce style est né d’un mélange de thrash, heavy et speed metal.
Le black metal, comme le souligne Masterclass, puise ses racines culturelles en Scandinavie, à la fin des années 1980 et au début des années 1990. Des groupes norvégiens comme Mayhem, Emperor, et plus tard Darkthrone et Satyricon, ont passé le relais à Bathory en Suède, Cradle of Filth au Royaume-Uni, Behemoth en Pologne, Rotting Christ en Grèce, et bien d’autres. Comme beaucoup de mouvements musicaux, le black metal est apparu par vagues. La « Deuxième Vague du Véritable Black Metal Norvégien » a émergé après le suicide du chanteur de Mayhem, Per Yngve Ohlin, ce qui a incité la communauté metal norvégienne à se rassembler sous ce qu’ils ont appelé « Le Cercle Noir » (selon Life in Norway).
Comme l’évoque The New York Times, le black metal a été comparé à une « expression cryptique du catholicisme romain » — une préoccupation à double face non pas avec la perfection divine et céleste, mais avec la décadence inévitable et les haines du monde terrestre. Son imagerie se concentre souvent sur « ce qui perdure et ce qui transcende : la pierre, la montagne, la lune. »
Death, sang, tripes et beaucoup de coups de grosse caisse
En parlant à des non-fans, le death metal est la ligne où la plupart des fans de metal doivent lever les mains et dire : « D’accord, d’accord, écoutez-moi. Je sais qu’ils chantent sur le meurtre, la torture, les dissections et les éviscérations en direct, la brutalité, le tourment, la mort et les horreurs de la tombe, mais je ne sais pas, ça me donne juste ce sentiment chaleureux à l’intérieur. » Le death metal, ultime zone de non-droit de la société polie, se caractérise par le plus extrême des styles extrêmes : un son super brutal, une voix super gutturale, une esthétique super sauvage, des tons super graves, des paroles super explicites, le tout baignant dans le sang.
Le death metal est né au début des années 1980. Comme l’explique Loudwire, nous devons notamment aux groupes Death et Possessed d’avoir officiellement engendré ce sous-genre, influencé par la révolution du thrash, en particulier l’agressivité et la vitesse de Slayer. La première génération de groupes de death metal – Obituary, Morbid Angel, Deicide, Atheist et d’autres – a émergé à Tampa, en Floride, de tous les endroits. Alimenté par des survêtements, des alligators, Disney, une chaleur accablante et une violence inexprimée, le death metal s’est répandu en tant que mouvement qui utilisait une virtuosité musicale pour toucher à la primauté absolue.
Comme le décrivent The Conversation et Loudwire, des études psychologiques ont été menées pour comprendre les effets du death metal sur les individus et pour déterminer s’il engendre réellement la violence, comme le craignent les parents des communautés résidentielles. À la grande surprise, en raison de leur exutoire musical, Frontiers in Human Neuroscience suggère que les auditeurs de death metal sont généralement plus heureux et plus équilibrés que la moyenne.
La puissance de la fantaisie et des whammy bars
Il est temps de s’éloigner du côté sombre du métal pour entrer dans son théâtre lumineux, accordé en majeur, de fantasmes grandioses et de folies conscientes de soi. Le power metal est parfois considéré comme le petit frère nerdy du métal, parfois gênant, qui est sorti de son sous-sol décoré sur le thème de Dungeons and Dragons juste pour que la famille puisse se vanter de son dernier score de test vraiment bon. Des tempos élevés, des guitares en duel, des mélodies super puissantes et grandioses, une attitude triomphante, un sens du spectacle absolu, des voix excessivement dramatiques (et souvent nasales) : voilà les caractéristiques du power metal.
Comme l’explique Loudwire, le power metal peut retracer ses origines jusqu’au heavy metal des années 70 à l’époque de Black Sabbath, en passant par Iron Maiden, Judas Priest, et la légende vocale intouchable Ronnie James Dio, le chanteur de Sabbath post-Ozzy Osborne (avant le retour d’Ozzy). Il suffit de jeter un œil à certaines des phrases d’épées et de sorcellerie de « Neon Knights », tout premier titre de l’album « Heaven and Hell » de 1980 mené par Dio chez Sabbath. Les paroles mentionnent des « dragons et des rois », des « légions de braves », « tissant un charme », « protecteurs du royaume », et bien plus encore. Depuis lors, les groupes de power metal se sont davantage plongés dans des images magiques et abstraites inspirées par Tolkien.
De nos jours, des groupes comme DragonForce, Blind Guardian, Helloween et Sabaton mènent la marche du power metal. Chacun apporte sa propre variation, telle que l’imagerie néon néo-années 80 récemment adoptée par DragonForce et l’obsession illimitée de Sabaton pour les récits de guerres historiques réelles. Pendant ce temps, marchant sur les traces de Led Zeppelin avec « Immigrant Song », le sous-genre du power metal nommé « Viking metal » met en scène des groupes glorieusement conscients d’eux-mêmes, à thème nordique, comme Brothers of Metal.
A la baguette, chefs d’orchestre !
Le métal rugissant rencontre une partition orchestrale majestueuse avec des voix lyriques, et l’élément fantastique est porté à son paroxysme, et voilà : vous obtenez du métal symphonique. En effet, le métal symphonique illustre de façon évidente le lien ancien et bien connu entre les compositions métalliques et la musique classique, comme le souligne CBC.
Tout comme le power metal, le métal symphonique explore souvent des images liées à la fantasy, et les chansons décrivent fréquemment des récits épiques auto-suffisants racontés de manière grandiose. Le métal symphonique a officiellement pris racine au milieu des années 90 avec la formation suédoise Therion, comme le décrit Symphonic Metal. Leur discographie précoce était plus proche du black metal né en Scandinavie, et vers « Theli » de 1996, elle avait muté en un style choral complet qui caractérise toujours le métal symphonique. L’influence du morceau « Yeah! Yeah! Die! Die! Death Metal Symphony in Deep C » du groupe finlandais Waltari a également joué un rôle.
Une grande partie du mérite de la propagation du métal symphonique revient à son pilier, Nightwish, chéri de la Finlande. Des albums comme « Oceanborn » (1998), « Wishmaster » (2000), « Century Child » (2002), et d’autres ont non seulement consolidé le son du sous-genre, mais ont également établi les voix soprano ou mezzo-soprano féminines comme norme. Des groupes tels que Within Temptation et Epica (tous deux des Pays-Bas) et Kamelot dirigé par des hommes (de Tampa, berceau du death metal) ont pris le relais et ont développé davantage le sous-genre. Comme de nombreux sous-genres plus théâtraux, le métal symphonique et son émotion luxuriante ont tendance à être beaucoup plus populaires en Europe et en Amérique latine qu’ailleurs.
L’essence du metalcore
Comme le glam, ce choix va inévitablement agacer certains puristes du métal (ils sont assez pointilleux). Cependant, la vérité est que chaque fois que vous entendez de grands changements vocaux entre le « sale » (grognements rugueux) et le « propre » (chant régulier) et des variations rythmiques profondes entre les couplets et les refrains (l’un basé sur des riffs et l’autre mélodique), vous vous trouvez dans la lignée du metalcore. Et comme il semble que pratiquement chaque groupe de métal formé depuis le milieu des années 2000 — y compris les groupes de métal progressif et post-métal (nous en parlerons plus tard) — ait exigé que leurs chanteurs aient l’étendue vocale insensée requise par le metalcore, il serait impardonnable de ne pas discuter de ce sous-genre ici.
Le metalcore, en tant que sous-genre distinct, est difficile à distinguer du mouvement musical plus vaste de la fin des années 90 au début des années 2000 qui l’a engendré, surnommé « la Nouvelle Vague Américaine », « la Nouvelle Vague du Métal Américain », etc., comme le mentionne [Kerrang](https://www.kerrang.com/why-the-new-wave-of-american-heavy-metal-crashed). Une multitude de groupes ont défini cette époque, chacun avec des degrés variables de longévité, et chacun d’entre eux a dû évoluer au-delà de leurs pairs ou disparaître : Slipknot, Trivium, Killswitch Engage, As I Lay Dying, The Dillinger Escape Plan, Hatebreed, Shadows Fall, Lamb of God, Avenged Sevenfold, et d’autres.
Le metalcore puise des influences dans divers genres existants, en particulier le death metal et le heavy metal, puis les fusionne avec un nouveau type de jeu technique tout en étant musclé, des accords puissants et les variations vocales mentionnées précédemment. Fondamentalement, tous ces groupes partagent le même désir profond de mélanger le métallique avec l’âme moqueuse du « hardcore », pour ainsi dire.
Les subtilités du métal progressif
Progressive metal, ou prog, est aussi difficile à définir qu’il est facile à identifier. Voici quelques indices : la piste dure-t-elle plus de 15 minutes ? Probablement du prog. Passe-t-elle en deux secondes des pianos magnifiques et d’une instrumentation douce à des guitares cisaillées avec des voix rauques ? Probablement du prog. Plus précisément, s’agit-il d’Opeth ou de Dream Theater ? Vous voilà renseigné.
Le prog est « progressif » pour les raisons même qui le rendent insaisissable : de nombreuses influences musicales, un style protéiforme qui se métamorphose d’un album à l’autre, voire d’une piste à l’autre au sein d’un même groupe, des rythmiques polyrythmiques et des instruments, des signatures rythmiques qui changent d’une minute à l’autre, et ainsi de suite. Il suffit d’écouter absolument n’importe quel morceau de Between the Buried and Me (aux environs de la deuxième minute de « Never Seen / Future Shock » par exemple) pour comprendre. Certains pourraient dire : « Pourquoi entasser 50 chansons en une seule ? » D’autres répliquent : « Parce que c’est du prog, tu piges ? » À son paroxysme, le prog devient plus ou moins du « post-metal » car il va au-delà de ses définitions de genre d’origine.
Comme le souligne à juste titre Metalstorm, les racines du prog remontent à la musique expérimentale des années 1960 – comme Iron Butterfly et King Crimson – et ensuite aux groupes comme Rush dans les années 70. Enveloppez ces éléments plus excentriques des groupes avec chaque ère métallique ultérieure, ajoutez une énorme dose de théorie musicale quasi académique et d’ingénierie sonore, et voilà : instantanément TesseracT, Animals as Leaders, Symphony X, et bien d’autres encore.
À ne pas moins de sept cordes, s’il vous plaît
Enfin, nous abordons un sous-genre qui n’existerait pas sans les fondations de tous les sous-genres précédents : le djent (le « d » est silencieux). Le djent emprunte des éléments de tous les morceaux de métal précédents et les synthétise en un alliage nouveau et groovy. Le djent est étrangement rythmique, parfois flirtant avec des accents de hip-hop progressif ou de jazz. Il utilise presque toujours des riffs fortement détunés et une section rythmique hautement syncopée (basse et batterie). Le djent fait souvent usage de guitares à sept cordes (plutôt que des traditionnelles guitares à six cordes) pour une tessiture plus profonde et une plus grande variété d’accordages, configuration initialement utilisée par le guitariste de swing et de jazz des années 1960, George Van Eps, via The New York Times.
Stricto sensu, le djent est une ramification du métal progressif. Il est hautement technique, démontre le même degré élevé d’expertise en composition et en exécution, et pourrait utiliser le même paradigme vocal « propre-sale » observé dans le metalcore. Au-delà de cela, les définitions sont encore en suspens car l’ensemble évolue toujours. Cela dit, le djent n’est pas strictement « nouveau », même s’il a véritablement pris de l’ampleur au cours de la dernière décennie. Le groupe suédois Meshuggah est souvent crédité d’avoir donné naissance au djent, jusqu’à son surnom. Comme l’explique DjentHub, le guitariste de Meshuggah, Fredrik Thordendal, a involontairement donné à ce sous-genre son nom onomatopéique, déclarant lors d’une session d’enregistrement de leur album de 1991, « Contradictions Collapse », « Nous voulons ce son dj- dj- dj-. » Des groupes comme Periphery et Sikth ont contribué à populariser le style, tandis que des virtuoses ukrainiens comme Jinjer portent haut aujourd’hui l’étendard.