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Albums classiques de 1972 : un héritage musical intemporel
On dit souvent que le passé est un pays étranger ; là-bas, les choses se passent différemment. Cela s’applique à de nombreux domaines, tels que la mode, le design ou même certains programmes de télévision jadis populaires, qui ont perdu leur pertinence avec le temps.
Cependant, en ce qui concerne la musique, même si les styles évoluent et que les artistes apparaissent et disparaissent, les albums vraiment exceptionnels conservent leur éclat au fil des décennies. Par exemple, les meilleurs morceaux de soul et de R&B continuent d’influencer des artistes contemporains comme Anderson .Paak et Bruno Mars, malgré l’émergence de sons et de techniques d’enregistrement toujours plus innovants. Les auteurs-compositeurs d’aujourd’hui rendent-ils ceux du passé obsolètes ? Ou plutôt, font-ils revivre la musique d’antan, nous la présentant sous un jour nouveau, afin que nous puissions l’écouter d’une manière différente ?
Un demi-siècle peut sembler être une éternité dans l’histoire de la musique pop, qui s’est toujours centrée sur la nouveauté. Pourtant, les morceaux de 1972 demeurent parmi les plus appréciés au monde même cinquante ans plus tard. Découvrons ensemble ces albums incontournables, dont l’écho résonne toujours en 2022.
Aretha Franklin – Young, Gifted, and Black
La chanson « Young, Gifted and Black » était déjà familière du public américain lorsqu’elle est devenue la chanson titre de l’album marquant d’Aretha Franklin, sorti le 24 janvier 1972. Écrite à l’origine en 1969 sous le nom de « To Be Young, Gifted and Black » par Nina Simone et Weldon Irvine, cette œuvre était un hommage à sa sœur d’âme, la dramaturge Lorraine Hansberry, décédée d’un cancer en 1965 à l’âge de 34 ans. La chanson avait également été reprise avec succès par Donny Hathaway sur son album éponyme en 1970.
Franklin a ainsi fait de cet hymne du mouvement des droits civiques le cœur de l’un des albums les plus importants de sa carrière, régulièrement classé parmi les plus grands albums de tous les temps par des publications telles que Rolling Stone. Après une légère baisse de popularité à la fin des années 1960, Franklin connaissait en 1972 un renouveau de carrière, intensifié par la sortie de son album live « Live at Fillmore West » un an auparavant, qui avait renforcé son attrait auprès du public rock. « Young, Gifted, and Black » se présente comme un album éclectique, mêlant des reprises de morceaux de Bacharach et David, ainsi que de Lennon et McCartney, à ses propres compositions, considérées comme certaines des meilleures de sa carrière.
Bien que le contenu de l’album puisse sembler apolitique, comme l’affirme Albumism, le chef-d’œuvre de Franklin de 1972 incarne une résilience défiant l’époque et le mouvement Black Power, un enregistrement qui continue de résonner aujourd’hui.
Paul Simon – Paul Simon
Sorti le même jour que l’album « Young, Gifted, and Black » d’Aretha Franklin, le premier album solo de Paul Simon a agi comme un acte de résilience pour un artiste qui avait été profondément affecté par la fin des années 1960.
Selon Ultimate Classic Rock, Simon s’est retrouvé désorienté après sa séparation tumultueuse d’avec son partenaire musical de longue date, Art Garfunkel, en 1970, prenant une pause dans sa carrière pour enseigner l’écriture de chansons à New York. Cependant, il devint rapidement inquiet et, bien qu’il ait su créer un son gagnant avec Simon & Garfunkel, comme sur « Bridge over Troubled Water », il se lança dans l’exploration de nouvelles sonorités pour préparer le lancement de sa véritable carrière solo.
À Kingston, en Jamaïque, Simon enregistra avec des membres du groupe de Jimmy Cliff et de Toots & the Maytals pour créer le premier single de l’album, « Mother and Child Reunion », incorporant des éléments de reggae qui propulsèrent la chanson dans le Top 5. Simon se rendit également à Paris, enregistrant avec une variété de musiciens et producteurs pour créer un album aux textures multiples, qui contient également l’un de ses classiques les plus durables : « Me and Julio Down by the Schoolyard », un récit brésilien entraînant sur le crime, rempli de « puzzles lyriques cryptiques » comme l’indique Classic Rock Review.
Le résultat est un album éclectique qui offre des aperçus prometteurs de ce que Simon nous réserve avec son chef-d’œuvre, l’album « Graceland » sorti en 1986.
Al Green – Let’s Stay Together
Album emblématique qui a propulsé Al Green au rang de superstar, Let’s Stay Together est le résultat d’une collaboration fructueuse entre le chanteur et le producteur chevronné Willie Mitchell. Les arrangements spacieux de Mitchell sont parfaitement adaptés au style vocal « inhabituellement expressif » de Green, comme l’a souligné Rolling Stone.
Au fil des décennies, le morceau titre est devenu un choix récurrent parmi les crooners, mais l’interprétation originale d’Al Green demeure étonnamment authentique, affichant une finition que les couvertures ultérieures se sont généralement efforcées d’éviter. Ce titre emblématique a atteint la première place du Billboard Hot 100 et constitue le chant signature de l’artiste.
Cependant, Let’s Stay Together, sorti le 31 janvier, ne raconte qu’une partie de l’histoire du succès de Green en 1972. Après avoir émergé comme l’une des figures emblématiques de la soul de Memphis, Green a rapidement regagné le studio. En octobre de la même année, il a sorti un deuxième album : I’m Still in Love with You, qui a finalement obtenu le statut de platine et a solidifié la place de Green dans l’univers de la soul, selon la RIAA. En 2010, Let’s Stay Together a été ajouté au Registre national de l’enregistrement de la Bibliothèque du Congrès, confirmant ainsi son importance artistique permanente.
Neil Young – Harvest
Sorti le 1er février 1972, « Harvest » est l’un des albums les plus appréciés du songwriter emblématique Neil Young. Ce disque, ancré dans le country-rock, se distingue par deux incursions orchestrales et se révèle être une œuvre révélatrice, rendant hommage à la musique de ses contemporains comme Bob Dylan tout en puisant dans son propre héritage musical, notamment en tant que membre de Crosby, Stills, Nash, & Young, et à travers ses trois albums solo précédents, dont son chef-d’œuvre, « After the Goldrush » sorti en 1970.
Cependant, « Harvest » ne représente pas un simple exercice de style pour l’artiste. Il marque le moment où Young a parfaitement maîtrisé son matériau et a véritablement émergé en tant qu’artiste, à égalité (du moins) avec ses influences. Des titres tels que « The Needle and the Damage Done », qui évoque l’épidémie de l’héroïne des années 1970 — conséquence directe des horreurs de la guerre du Vietnam — ont permis à Young de se positionner en tant que critique engagé des questions sociales de son temps, tout comme Dylan l’avait fait dans les années 1960.
Mais l’art de Young ne faisait que gagner en notoriété. Selon des sources, le premier single de l’album, « Heart of Gold », a gravi les sommets des charts, tout comme l’album lui-même, qui a été couronné comme le numéro un des ventes en 1972.
Todd Rundgren – Something/Anything?
Bien que les Beatles aient été les pionniers du concept de « studio comme instrument » au milieu des années 1960, en 1972, de nombreuses possibilités offertes par la technologie d’enregistrement en constante amélioration n’avaient pas encore été explorées. Des artistes comme Todd Rundgren, qui connaissait alors un essor créatif après une brève expérience avec le groupe de rock psychédélique Nazz et quelques sorties solo mitigées, étaient prêts à repousser les frontières. Grâce à son audacieuse maîtrise technique, « Something/Anything? », un ambitieux double album, se hisse parmi les disques les plus appréciés de 1972.
Comme l’indique Ultimate Classic Rock, Rundgren quitta New York pour Los Angeles pour débuter l’enregistrement de son troisième album solo. Dans un studio dernier cri, cet artiste naturellement solitaire se lança dans la création de chaque note et prise vocale, entièrement seul. D’après Pitchfork, le concept de groupe solo de Rundgren fut alimenté par le Ritalin, lui fournissant l’énergie créative nécessaire pour jouer les multiples rôles d’ingénieur et de producteur, tout en se livrant à chaque prise vocale et instrumentale.
Après que l’enregistrement ait été interrompu par un tremblement de terre, Rundgren retourna à New York, où il recruta plusieurs musiciens, dont le claviériste Mark « Moogy » Klingman, qui deviendrait son collaborateur à long terme, pour achever l’album. Ces sessions ont vu naître certaines des meilleures chansons de la carrière de Rundgren, notamment « I Saw the Light », l’ouverture riche et contagieusement accrocheuse du LP.
« Something/Anything? » s’est révélé être le summum commercial de Rundgren, atteignant la 29e place des charts, tout en jetant les bases de son acclamé album psychédélique de 1973, « A Wizard, a True Star », selon Ultimate Classic Rock.
Nick Drake – Pink Moon
Bien que beaucoup d’albums de cette liste témoignent de réussites éclatantes, certains, comme « Pink Moon » de Nick Drake, sorti le 25 février 1972, représentent plutôt des vestiges d’artistes qui, de leur vivant, sont restés tragiquement méconnus.
Nick Drake, guitariste folk et blues innovant originaire du Warwickshire en Angleterre, a malheureusement perdu la vie par overdose en 1974, à seulement 26 ans. Cet artiste, respecté dans la scène folk britannique, a vu sa carrière contrariée par des difficultés commerciales et un certain désintérêt pour le succès populaire, comme l’indique le L.A. Times. Drake a enregistré son premier album, « Five Leaves Left », en 1969, alors qu’il était encore étudiant à l’Université de Cambridge. Cet enregistrement, tout comme son successeur de 1971, « Bryter Layter », a reçu des critiques mitigées, le style fragile et vulnérable de ses compositions se distinguant de la musique plus commerciale de l’époque. Ainsi, comme le note The Atlantic, les débuts des années 70 étaient marqués par de grands showmen de la pop, tandis que Drake, timide chronique, renonça finalement à la scène, peinant à répondre aux attentes des critiques et du public.
Le troisième et dernier album de Drake, « Pink Moon », s’est vendu à encore moins d’exemplaires que ses prédécesseurs lors de sa sortie, malgré des éloges critiques pour son son épuré et ses paroles percutantes. Ce n’est que des années plus tard que la notoriété de Drake a brusquement augmenté, notamment grâce à l’utilisation de la chanson titre dans une publicité Volkswagen de 1999, l’une des premières à inviter les téléspectateurs à télécharger le morceau. Selon The Atlantic, cette publicité a propulsé « Pink Moon » dans le Billboard Hot 100, offrant à cet artiste négligé un public américain soudain quarante ans après sa mort prématurée.
Deep Purple – Machine Head
Publié le 25 mars 1972, le sixième album studio de Deep Purple réalise un véritable miracle en transformant des cendres ardentes en un rock d’une qualité exceptionnelle. À cette époque, Deep Purple connaissait un grand succès, leur précédent album « Fireball » sorti en 1971 avait dominé les charts au Royaume-Uni, établissant le groupe comme une véritable référence des concerts à guichets fermés à travers le monde.
Pour enregistrer cet album, le groupe se rendit à Montreux, en Suisse, emportant avec eux le Rolling Stones Mobile Studio, un camion rempli d’équipements d’enregistrement de pointe loué aux Rolling Stones. L’objectif était d’installer ce matériel dans le casino de Montreux pour capturer l’énergie de leurs concerts live. Mais le plan ne se déroula pas comme prévu.
Selon le livre de Dave Thompson, Smoke On The Water: The Deep Purple Story, le casino brûla entièrement à cause d’une fusée lancée par un membre du public lors d’un concert mouvementé de Frank Zappa et les Mothers of Invention, juste avant leur session d’enregistrement. Bien que cela ait forcé le groupe à réorganiser ses projets et à se déplacer au Grand Hôtel, l’incident de l’incendie et l’image de la fumée s’élevant du casino en flammes sur le lac Léman inspirèrent à Deep Purple leur morceau-phare « Smoke on the Water ». Ce titre devenu internationalement célèbre a permis à l’album de rester pendant deux ans dans les charts Billboard.
The Rolling Stones – Exile on Main St.
Le 12 mai, les Rolling Stones ont publié leur premier album double, considéré aujourd’hui comme le chef-d’œuvre de ce groupe emblématique, selon des publications telles que Rolling Stone. Cependant, tout comme pour l’album « Machine Head » de Deep Purple, ce pic créatif n’est pas né de circonstances favorables, mais d’une période marquée par des difficultés et des divisions.
Pour débuter les sessions de ce qui allait devenir le 12ème album des Stones publié aux États-Unis, le groupe a emprunté le même studio mobile que celui utilisé par Deep Purple dans le sud de la France, où le guitariste Keith Richards avait loué une somptueuse villa. Selon The Guardian, Richards est devenu le phare créatif de ce qui allait devenir « Exile », incitant les musiciens à se conformer à ses rythmes excentriques. Au lieu d’un enregistrement rigide et contrôlé, les sessions furent improvisées, avec divers musiciens en rotation, tandis que de nombreux membres historiques du groupe, y compris Mick Jagger, prenaient un rôle secondaire.
Charlie Watts, membre fondateur des Stones et batteur emblématique décédé en 2021, a résumé l’ambiance de ces sessions en déclarant (via The Guardian) : « Une grande partie d’Exile a été faite selon la manière de travailler de Keith … c’est-à-dire, jouer 20 fois, mariner, jouer encore 20 fois. Il sait ce qu’il aime, mais il est très décontracté … Keith est une personne très bohème et excentrique, il l’est vraiment. »
Elton John – Honky Château
Dans le même mois, le britannique Elton John a enfin conquis le marché américain avec la sortie de « Honky Château, » un album qui a marqué le début de sa domination des charts des deux côtés de l’Atlantique pour le reste de la décennie.
À la suite du modeste succès commercial de « Madman Across the Water » en 1971, John et son équipe se sont installés dans une maison de campagne à 25 miles au nord de Paris, dans l’intention de créer un disque qui surprendrait les auditeurs et déjouerait leurs attentes. Selon l’ingénieur Ken Scott, ce nouvel album marquait le point de départ du deuxième chapitre de la carrière de John, symbolisant une rupture avec le passé.
Comme le souligne le critique Jon Landau de Rolling Stone, « Honky Château » est un album lyriquement polyphonique. John, s’appropriant les paroles de son coauteur de longue date Bernie Taupin, incarne une série de personnages disparates, évoquant leurs obsessions et désirs insatisfaits. Cet album a été le premier LP de John à se hisser en tête du classement des albums aux États-Unis, un exploit qu’il a miraculeusement égalé avec ses six albums studios suivants.
David Bowie – The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars
Il est difficile d’imaginer qu’un album conceptuel sur un extraterrestre qui apparaît sur Terre pour avertir l’humanité d’un apocalypse imminente – préfiguré par l’incontournable morceau d’ouverture « Five Years » – puisse devenir un succès populaire. Pourtant, c’est exactement ce qui s’est passé avec The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, le cinquième album du rocker britannique David Bowie, qui a été mis en vente le 16 juin 1972.
Dans un article pour la Library of Congress, qui a inscrit l’album au National Recording Registry en 2016, année de la mort de Bowie, l’archiviste Susan E. Booth retrace l’histoire de Ziggy, qui, prêchant une doctrine de paix, d’amour et d’hédonisme à travers le rock ‘n’ roll, devient victime de sa propre mythologie avant d’être détruit sur scène par ses propres partisans – une métaphore en technicolor du cycle de vie des contemporains glam rock de Bowie. Booth souligne que Bowie s’est distancé de la personnalité de rock typique de l’époque en adoptant le personnage de Ziggy, expliquant ensuite : « Jusqu’alors, l’attitude était ‘Ce que vous voyez est ce que vous obtenez.’ Il semblait intéressant de tenter de concevoir quelque chose de différent, comme une comédie musicale où l’artiste sur scène joue un rôle. »
En effet, Bowie envisageait de reformuler le concept de Ziggy en une véritable extravagance musicale l’année suivante, avant de réaliser que la liberté de créer de multiples personnages pourrait être la clé d’une carrière de renouvellement créatif constant. Ziggy n’était que le premier de nombreux personnages que Bowie adopterait dans les décennies qui ont suivi, mais en de nombreux sens, l’extraterrestre rock ‘n’ roll demeure l’une de ses œuvres les plus marquantes.
Curtis Mayfield – Super Fly
Le troisième album studio de Curtis Mayfield, sorti le 11 juillet 1972, a immédiatement connu un immense succès. La raison ? « Super Fly » était également la bande originale du film emblématique de blaxploitation du même nom, avec Gordon Parks Jr. dans le rôle principal, qui a été acclamé par la critique et a bien marché commercialement dès sa sortie le mois suivant.
Mayfield, comme le souligne AllMusic, était un artiste parfaitement positionné pour fournir la musique de ce film. Après avoir quitté The Impressions, groupe avec lequel il a connu ses premiers succès, en 1970, il s’est fait un nom en tant que chroniqueur poétique et perspicace de la vie des Noirs américains. Bien que ses premières œuvres dégagent l’optimisme et la confiance de l’époque des droits civiques, avec des titres comme « Move On Up » et « Keep On Pushing », Mayfield a su, lorsqu’il a fallu capturer l’essence de « Super Fly », s’imposer comme un auteur habile, capable de dépeindre la vie des personnages du film sans moralisme, même si, comme le note la BBC, « Super Fly » véhicule un message fermement anti-drogue, tout en évitant la glorification.
Avec un trio de succès, dont « Freddy’s Dead », « Pusherman » et, bien sûr, la célèbre chanson titre « Super Fly », cet album reste une référence dans le monde de la soul et du funk, inspirant des générations de musiciens en quête de fraîcheur.
Cat Stevens – Catch Bull At Four
Dans la continuité de son album emblématique de 1970, Tea for the Tillerman, qui l’avait propulsé sur le devant de la scène grâce au succès colossal de son single Wild World, Cat Stevens a connu des débuts difficiles dans les années 1960 avant de devenir une véritable star internationale. Des titres comme The First Cut is the Deepest, qui deviendra également un grand succès pour Rod Stewart, montrent l’évolution de son talent créatif. Cependant, c’est en 1972 que l’artiste atteint un nouveau sommet avec la parution de Catch Bull At Four.
D’après udiscovermusic, la carrière de Cat Stevens a continué de prendre de l’ampleur en 1971 avec son album Teaser and the Firecat, qui s’est hissé à la deuxième place des charts Billboard. Catch Bull At Four, quant à lui, a réussi à grimper à la première place, y restant pendant trois semaines, soutenu par une tournée américaine intensive.
Selon Catstevens.com, cet album de 1972 représente l’aboutissement d’une « progression spirituelle » qui se développait depuis ses précédents travaux. Cette évolution pourrait être liée à une réflexion approfondie sur la vie et l’existence, influencée par son hospitalization suite à une tuberculose presque mortelle en 1969. Cette période charnière a également ouvert la voie à sa transformation spirituelle et à son renouveau en tant que Yusef Islam en 1977.
Black Sabbath – Vol. 4
Septembre a marqué l’un des sorties les plus marquantes de l’année avec le quatrième album de Black Sabbath, paru en un peu plus de deux ans. Bien que Pitchfork ne considère pas « Vol. 4 » comme le sommet de la carrière de Sabbath – ce titre revenant à l’album « Paranoid » de 1970 – leur offre de 1972 demeure un classique « indispensable » du genre metal.
À l’époque où les enregistrements ont commencé en mai de cette année-là, le groupe entrait déjà dans une période de désintégration qui allait façonner sa carrière future. Selon le guitariste Tommy Iommi, qui a produit l’album, Black Sabbath travaillait alors sous l’influence d’une quantité industrielle de cocaïne. Dans un chapitre intitulé « Going Snowblind », extrait de son autobiographie de 2011, Iommi raconte comment le groupe avait transporté les drogues vers leur base à Bel Air cachées dans des « boîtes scellées de la taille d’un haut-parleur ». Inévitablement, Iommi cite cette consommation comme une raison de la productivité du groupe, mais aussi comme un facteur qui les a poussés au bord de l’effondrement.
L’usage de drogues au sein du groupe est devenu un thème central de l’album, avec des titres comme « Snowblind » et « Wheels of Confusion » offrant un aperçu franc de la manière dont leurs habitudes collectives commençaient à se transformer en crise existentielle. Mais au-delà des paroles, l’album présente certains des plus grands riffs de Sabbath, avec des classiques tels que « Supernaut » et « Under the Sun » qui continuent d’exercer une influence considérable sur l’avenir du heavy metal.
Santana – Caravanserai
Si un groupe devait pleurer la fin des années 1960, c’est bien Santana. Leur performance emblématique au Festival de Woodstock en 1969 est encore aujourd’hui considérée comme un sommet de la contre-culture de cette décennie. Cependant, en 1972, le groupe dirigé par le guitariste Carlos Santana était prêt à évoluer. Cela a donné naissance à « Caravanserai », leur quatrième album, sorti le 11 octobre de cette année-là.
Affichant des influences variées allant du rock à la salsa, et dérogeant aux conventions commerciales par son audace, cet album a pourtant atteint la 8ème place des charts Billboard. Aujourd’hui, il est reconnu comme un véritable « bijou » du jazz-rock selon AllMusic.
Dans une critique de 1976 pour Rolling Stone, le célèbre critique musical Ralph J. Gleason explique que « Caravanserai » est lié aux trois précédents albums de Santana par une même atmosphère de « frisson latin ». Toutefois, le groupe transcende ses œuvres antérieures grâce à une spiritualité renouvelée qui les positionne dans la tradition des innovateurs du jazz comme Miles Davis tout en évoquant les rythmes tribaux qui leur ont valu les faveurs des hippies et d’autres non-conformistes musicaux. Dans « Caravanserai », le son « âpre » de Santana s’allie à un swing jazz qui « parle directement à l’universalité de l’homme », créant ainsi l’un des albums les plus multilayers et complexes de la décennie.
Miles Davis – On The Corner
Le célèbre album « On The Corner » de Miles Davis est sorti le même jour que « Caravanserai », sous le même label, Columbia Records. Ralph J. Gleason, dans un article pour Rolling Stone en 1976, a établi des comparaisons entre les deux, bien qu’il soit l’un des rares à soutenir ce qui est considéré comme l’une des œuvres les plus controversées de Davis.
En tant que prolongement des expérimentations de Davis en jazz fusion, « On The Corner » a été accueilli par une vague de critiques presque universelles au moment de sa sortie, suscitant désapprobation de la part des critiques, des auditeurs et des musiciens. Le magazine Fact Magazine a même constaté qu’il s’agissait d’un échec commercial retentissant, le plaçant en 2014 à la 11e position de leur liste des 100 meilleurs albums des années 1970, illustrant ainsi la réévaluation critique de l’album au fil du temps.
« On The Corner » commence de manière abrupte, comme si l’auditeur était plongé dans le cœur d’une groove continue. Par la suite, l’album livre un tissage audacieux et dansant de genres disparates, si incessant que, comme le souligne Gleason, il est difficile de l’aborder comme un ensemble de chansons distinctes. Bien que la pochette répertorie neuf compositions, réparties sur quatre pistes, l’album fonctionne mieux lorsqu’il est consommé dans son ensemble. Certains critiques, comme Jack Silverman du Nashville Scene, ont même qualifié cet album d’exercice d’arrogance.
Cependant, au fil des cinq dernières décennies, les auditeurs ont commencé à apprécier « On The Corner », avec Miles Bowe de Stereogum notant que l’album préfigure de nombreux genres modernes familiers, dont le hip-hop, le dub et l’électronique.
Lou Reed – Transformer
1972 a été une année marquante pour Lou Reed, qui deux ans auparavant avait quitté l’un des groupes les plus influents de l’histoire du rock : The Velvet Underground.
Le début de l’année fut difficile. Comme l’indique Pitchfork, en avril, Reed a sorti son premier album solo éponyme. Enregistré en décembre et janvier précédents, cet album, principalement composé de morceaux non retenus du Velvet Underground, a été un échec commercial et critique tel, qu’il semblait présager la fin de sa carrière avant même qu’elle ne commence véritablement. Heureusement, Reed avait un fan célèbre prêt à l’aider : David Bowie.
Assurant la production aux côtés du guitariste Mick Ronson, Bowie a élaboré une palette sonore éclectique qui a parfaitement complété l’écriture post-VU de Reed, permettant à l’impactant morceau d’ouverture « Vicious » de s’harmoniser avec le mélodieux « Satellite of Love », tout en établissant une fragilité minimaliste qui caractériserait à la fois « Walk on the Wild Side » et « Perfect Day », devenus des chansons emblématiques du répertoire de Reed. « Transformer » a été un triomphe, atteignant son apogée professionnelle et signalant l’émergence laborieuse de Reed en tant qu’artiste solo à part entière.
Steely Dan – Can’t Buy A Thrill
Enregistré à Los Angeles en 1972, l’album Can’t Buy a Thrill a révélé Steely Dan, un duo composé des membres phares Donald Fagan et Walter Becker, comme une force pop-rock innovante et fascinante. Cependant, comme le souligne Classic Rock Review, tout ne s’est pas déroulé aussi sans accroc derrière les coulisses qu’on pourrait le penser au regard des compositions impeccables.
Malgré la production soignée et les performances brillantes de Steely Dan, le duo a été rongé par des déceptions et des doutes. D’après Ultimate Classic Rock, Fagan et Becker s’étaient d’abord rencontrés au Bard College de New York à la fin des années 1960, où ils avaient rapidement formé un partenariat de songwriting, écrivant pour des artistes comme Barbara Streisand et Three Dog Night, mais sans grand succès. Ils ont néanmoins réussi à convaincre leur maison de disque, ABC/Dunhill, de leur permettre de former leur propre groupe et de publier un album.
Fagan, qui allait devenir le chanteur principal de Steely Dan, a d’abord hésité à interpréter les morceaux de leur premier album, préférant faire appel à des chanteurs invités pour chacun des titres. Le batteur Jim Hodder a ainsi chanté sur Midnight Cruiser, tandis que le chanteur-compositeur David Palmer a assuré les vocalises sur Brooklyn et le futur favori des fans, Dirty Work, avant que Fagan ne soit convaincu de ses propres capacités et s’exprime vocalement sur le reste de l’album.
Malgré l’appréhension de Fagan et les ambitions grandissantes de Steely Dan tout au long des années 70, Can’t Buy a Thrill reste un album emblématique qui se tient fièrement aux côtés des meilleures œuvres du duo.
Joni Mitchell – For The Roses
En novembre 1972, la chanteuse folk canadienne Joni Mitchell a sorti « For the Roses », son quatrième album studio et suite de son succès critique et commercial, « Blue », sorti en 1971. Bien que « Blue » soit généralement considéré par ses fans comme son meilleur album – il demeure en effet le plus populaire – « For the Roses » est son égal artistique, du moins selon l’universitaire David Yaffe, qui a écrit à propos de l’album pour la Bibliothèque du Congrès, dans le cadre de son inclusion au Registre national des enregistrements en 2007.
Écrit principalement dans la retraite forestière isolée de Mitchell à Sechelt, en Colombie-Britannique, de nombreuses chansons de « For the Roses » traitent de sa tumultueuse histoire d’amour avec le musicien James Taylor, avec qui elle avait rompu l’année précédente. Alors que la chanson titre et « Woman of Heart and Mind » expriment le tourment émotionnel de leur rupture, « Cold Blue Steel and Sweet Fire » offre une critique cinglante de l’usage d’héroïne de Taylor, tandis que « Let the Wind Carry Me » et « Barangrill » méditent sur le contentement et le besoin pressant de liberté.
Le single de l’album, « You Turn Me On, I’m a Radio », a atteint la 25ème place du Billboard Hot 100. C’était un retournement ironique, car pour Mitchell, qui, à l’âge de 28 ans, commençait à se lasser de la célébrité, cette chanson était destinée à être « mon premier adieu au show-business ».