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Il n’est pas nécessaire de faire partie d’un groupe pour transformer le monde à travers la musique, comme en témoigne l’ensemble de l’histoire du rock. De nombreuses légendes ont débuté au sein de groupes renommés, tels que Black Sabbath ou les Beatles, avant de connaître un succès influent en solo après leur séparation. D’autres ont fait le choix d’une carrière solo dès le départ, leur personnalité et leur talent étant trop vastes pour être contenus au sein d’un collectif artistique. Si beaucoup étaient soutenus par des musiciens, ce ne sont pas eux qui attiraient les foules. Les gens se pressent pour voir Bruce Springsteen ou Jimi Hendrix, et non pour applaudir l’E-Street Band ou l’Experience.
Ainsi, qui sont les artistes solo les plus importants de l’histoire du rock ? Voici une liste, loin d’être exhaustive, qui célèbre ces figures emblématiques.
Ozzy Osbourne
Avec le groupe Black Sabbath, Ozzy Osbourne a joué un rôle clé dans l’invention du heavy metal, comme l’indique Rolling Stone. Toute discussion concernant son influence, et celle de Black Sabbath, doit commencer par ce point fondamental. Cependant, à la fin des années 1970, ce groupe emblématique semblait en fin de course. Osbourne lui-même, en proie à de graves problèmes d’addiction, ne pouvait plus assurer ses performances, ce qui a conduit à son licenciement en 1979, d’après Loudwire. Le groupe a finalement continué sans lui, mais la véritable résilience d’Osbourne allait bientôt se manifester.
Son départ de cette formation légendaire n’a été qu’un revers temporaire. Osbourne a rapidement rebondi, s’associant à un guitariste légendaire, Randy Rhoads, pour sortir l’album Blizzard of Ozz en 1980. Selon Biography, des titres phares comme Crazy Train et Mr. Crowley ont propulsé cet album vers un succès multi-platine, posant ainsi les bases d’une carrière emblématique durant les années 1980. Malheureusement, des épreuves supplémentaires l’attendaient, notamment la mort tragique de Rhoads dans un accident d’avion en 1982, mentionnée par Ultimate Classic Rock, et une grave blessure subie lors d’un accident de moto en 2004, d’après The Guardian. Pourtant, aucune de ces tragédies — ni même ses problèmes d’addiction notoires, ses excès sur scène, ou les accusations de satanisme — ne l’ont abattu durablement.
Le Prince des Ténèbres a parcouru un chemin semé d’embûches, et chaque cicatrice raconte son histoire. Il est presque incroyable qu’il soit encore capable de chanter et d’être parmi nous. Pourtant, il a laissé derrière lui un héritage que bien des artistes sobres envieraient, au point d’être prêt à tout pour le revendiquer.
Bruce Springsteen
Bruce Springsteen incarne en de nombreux aspects le rock and roll. Sa musique, un savant mélange d’influences telles que la musique appalachienne, le rockabilly, le blues et le R&B, représente les valeurs profondes du rock : le désir, le besoin de liberté et la quête de soi. Véritable icône américaine, Springsteen se distingue par son style épuré, plongeant au cœur de l’essence même de la musique.
Stephen Metcalf décrit magnifiquement Springsteen comme « un majestueux simple d’esprit américain, obsédé par les voitures, Mary, l’autorité et l’amertume entre pères et fils ». Cette analyse nous invite à voir au-delà de la façade de l’artiste et à reconnaître l’authenticité de son message, qui parle directement au cœur des auditeurs. Le « Boss », avec sa voix rauque et ses hymnes emblématiques, se connecte intimement avec le public.
Ce qui caractérise son approche, c’est l’absence de grands artifices. Pas de paillettes, pas de lasers, ni de mises en scène extravagantes. Pour Springsteen, ces éléments ne font que séparer l’artiste de son public. Au lieu de vous distraire avec des fantasmes, il vous accueille là où vous êtes, dans un cadre où l’on se retrouve entre amis autour d’une bière abordable. C’est cette authenticité qui fait de son œuvre une expérience musicale inoubliable.
Janis Joplin
Elvis était le Roi. Bruce Springsteen est le Boss. Prince était Prince. Et Janis Joplin était la Reine. Roseanne Cash écrit dans Rolling Stone : « Elle n’était pas seulement une grande femme du rock ; à l’époque, elle était _la_ femme du rock. Janis a véritablement créé un univers de possibilités pour les femmes dans la musique : sans Janis Joplin, il n’y aurait pas eu de Melissa Etheridge, … ni de Chrissie Hynde, ni de Gwen Stefani. Il n’y aurait personne. » Cash souligne que la peur de Joplin d’échouer nourrissait sa passion et son âme.
Selon NPR, Joplin a émergé aux côtés d’autres icônes de la contre-culture, comme Jimi Hendrix et Bob Dylan. Toutefois, le parcours a été difficile pour les rockeuses, souvent confrontées à des sceptiques qui refusaient de croire que les femmes pouvaient rivaliser avec les hommes. Pourtant, elle prouvait le contraire à chaque performance. Malgré son ancrage profond dans le blues, elle savait libérer une puissance primitive, tant dans son chant que dans sa manière de vivre. Comme le note Cash dans Rolling Stone : « Il y avait eu des chanteuses de blues qui étaient sauvages et indomptées, mais même elles avaient tendance à être un peu plus réservées que Janis. Elle semblait toujours être sur le point de perdre totalement le contrôle. »
Tragiquement, tout comme de nombreux artistes qui ont changé le monde, elle nous a été enlevée trop tôt. Cependant, son héritage se fait sentir chaque fois qu’une femme monte sur scène et électrise le public.
Prince
Comme d’autres légendes de la musique, Prince nous a été enlevé trop tôt. Cependant, il avait déjà laissé une empreinte monumentale sur la musique avant de partir. Bien qu’il soit incontestablement une icône du rock — l’un des hommes les plus incroyablement, et parfois rageusement, talentueux à avoir pris une guitare — son influence sur d’autres genres est tout aussi considérable.
Amir Thompson, dans un article pour Rolling Stone, affirme que « Prince doit être l’un des artistes les plus piratés de l’ère rock ». De plus, il existe de nombreuses façons de prouver que le hip-hop s’inspire largement de Prince, avec son génie, son utilisation manifeste de la sexualité et sa capacité à utiliser la controverse pour attirer l’attention.
Prince était l’un de ces rares individus nés pour faire de la musique. Selon le CBC, il était un multi-instrumentiste qui ne se contentait pas de mélanger ses influences variées, mais les utilisait pour l’orienter dans des directions totalement nouvelles. Les chansons qu’il a composées étaient tout simplement brillantes. Ses faces B auraient pu faire la renommée d’autres artistes, tandis que ses plus grands succès sont désormais légendaires.
Des titres comme « When Doves Cry » et « Purple Rain » sont des classiques intemporels, bien entendu. Mais son solo éblouissant sur « While My Guitar Gently Weeps« , lors de la cérémonie d’intronisation au Rock & Roll Hall of Fame en 2004, illustre pourquoi son nom continue d’évoquer respect et admiration.
Eric Clapton
Intellectuellement, Clapton se positionne comme un puriste, bien que cela ne soit pas toujours évident au début de sa carrière. Steven Van Zandt, dans ses écrits pour Rolling Stone, souligne que chaque riff qu’il jouait était intensifié. Lorsqu’il réalisait un solo, il composait de véritables symphonies à partir de classiques du blues, avec un timbre fantastique et une résonance issue de la distorsion. Ses solos étaient chantables, à la manière de vraies mélodies.
Il n’est pas surprenant qu’Eric Clapton ait été intronisé à trois reprises au Rock and Roll Hall of Fame. En 1992, il y fut honoré pour son travail avec les Yardbirds, qui ont également vu émerger des talents comme Jeff Beck et Jimmy Page de Led Zeppelin. L’année suivante, il obtint une nouvelle reconnaissance pour son passage dans Cream, un groupe de blues-rock d’une influence significative. Puis, en 2000, il fut de nouveau intronisé pour une carrière solo qui s’est étendue sur des décennies. Au regard de son impact sur le jeu de guitare durant la seconde moitié du XXe siècle, ces trois intronisations ne sont peut-être même pas suffisantes.
Cataloguer toutes les façons dont Clapton a révolutionné le jeu de guitare semble presque une tâche impossible. Le musicien surnommé « Slowhand » possède toujours un sens aigu de la mélodie, et même ses solos denses et improvisés ne s’évanouissent jamais sans offrir une réelle substance. Il peut jouer avec une profondeur et une âme authentiques, mais aussi avec puissance. Malgré les années, son jeu d’une précision incontestable continue d’éblouir.
David Bowie
Appelez-le comme vous voulez : Ziggy Stardust, Aladdin Sane, ou encore The Thin White Duke. L’apparence de David Bowie et son personnage scénique, toujours en mutation, n’ont jamais été immuables. Le Los Angeles Times a souligné que ces changements constants suscitaient la curiosité, élevant véritablement le concept de showmanship dans la musique.
Cependant, cet icône rock adoré et métamorphosable n’a jamais opéré un changement sans laisser sa marque. « Tandis que de nombreux rock stars tardifs sont justement salués pour leur influence et leur impact, » écrit Joe Lynch pour Billboard, « Bowie occupe un niveau historique supérieur. Parmi les rock stars, Bowie a influencé plus de genres musicaux que quiconque, vivant ou mort. À cet égard, il est le rock star le plus influent. »
C’est effectivement un éloge de taille, et cela pourrait bien être vrai. L’article fait état de l’héritage de Bowie, dont l’impact se fait sentir dans des courants allant du glam rock au rock industriel, en passant par la pop, la musique électronique et même le hip-hop. La question de savoir à quel point cela était voulu est débattable. Il est peu probable que Bowie ait pu anticiper comment ses chansons et costumes d’un autre monde influenceraient des genres encore inexistants des décennies plus tard. Il était simplement un homme passionné par l’art, touchant les âmes par sa musique, et prouvant aux exclus qu’il était possible de contrecarrer les normes établies et d’être tout simplement soi-même.
Chuck Berry
À l’instar de nombreux pionniers du rock ‘n’ roll, Chuck Berry a puisé son inspiration dans la musique gospel et le blues. Cependant, il a emprunté une voie plus enjouée que la plupart de ses contemporains. Selon Hillel Italie pour l’Associated Press, Berry était l’auteur qui a établi le récit d’une génération libérée des poids du passé, tandis qu’Elvis Presley donnait au rock ‘n’ roll une image libidineuse et effrénée. Bien avant Bob Dylan, Berry a su marier la critique sociale au rythme entraînant de la musique populaire.
Dire qu’il était « en avance sur son temps » ne rend pas totalement justice à son influence. Jimi Hendrix a peut-être révolutionné la guitare électrique, mais Berry, avec son célèbre pas de canard, est devenu le premier véritable héros de la guitare. Ses riffs rapides et pleins de vie entraînent inévitablement à la danse, que ce soit avec « Johnny B. Goode » ou « Roll Over Beethoven ».
John Lennon a dit de lui : « C’est l’un des grands poètes de tous les temps, un poète du rock, vous pourriez dire… Nous lui devons tous beaucoup, y compris Dylan. » Keith Richards des Rolling Stones, qui a introduit Berry au Rock & Roll Hall of Fame lors de sa cérémonie inaugurale, a écrit dans un article qu’« Chuck est le grand-père de nous tous. Même si vous êtes un guitariste de rock qui ne le cite pas comme principale influence, votre principale influence est probablement encore inspirée par Chuck Berry. »
John Lennon
De nombreux musiciens ont choqué le monde en disparaissant jeunes, mais la mort de John Lennon se distingue par son ampleur et son impact. La planète entière a pleuré la perte de l’un des poètes-compositeurs les plus emblématiques de sa génération.
Avec les Beatles, Lennon a radicalement transformé la musique et repoussé les limites de ce qui était possible. Chaque nouvel album était une véritable révolution. Comme l’a écrit Elvis Costello dans Rolling Stone, « Lennon, McCartney et Harrison avaient des standards d’écriture incroyablement élevés. …Ces disques étaient des événements, pas simplement l’annonce d’une sortie d’album. »
Nonobstant la séparation des Beatles, Lennon n’a jamais rangé sa guitare ni son micro. Il a continué à toucher les âmes avec une musique qui définissait la contre-culture de son époque. Lenny Kravitz, dans le même article de Rolling Stone, a déclaré : « Lennon était plus qu’un simple musicien; c’était comme un prophète. … ‘Imagine’ est l’une des plus grandes chansons jamais écrites. C’est comme un hymne de l’église, et elle exprime clairement ses croyances. Plus que tout, Lennon était une icône de la paix. »
Cette chanson, ainsi que l’engagement pacifiste de Lennon, rendent sa mort violente encore plus tragique. Pourtant, cela n’a en rien terni son héritage en tant qu’un des artistes les plus importants et influents du 20ème siècle.
Paul McCartney
Les accomplissements de Paul McCartney au sein des Beatles, groupe emblématique, sont bien connus. Après la séparation du groupe en 1970, bien qu’il n’ait jamais atteint ces sommets, il a connu un parcours impressionnant avec son groupe Wings, suivi d’une carrière solo qui continue de marquer les esprits.
Sa carrière est jalonnée de réalisations remarquables. Selon Empire, sa chanson « Yesterday » a été reprise par plus de 2 000 artistes, devenant ainsi le morceau le plus convoité de l’histoire. McCartney a composé 32 singles ayant atteint la première place du Billboard Hot 100 aux États-Unis. En 1977, « Mull of Kintyre », un titre de Wings, est devenu le premier single à vendre plus de deux millions d’exemplaires au Royaume-Uni, demeurant aujourd’hui le single non caritatif le plus vendu du pays.
De plus, McCartney a écrit des bandes originales de films et exploré plusieurs genres musicaux au-delà de son style habituel de soft pop rock britannique, y compris la musique classique et électrique, tout en amassant une fortune considérable. En 1999, un sondage de la BBC a désigné McCartney comme le « plus grand compositeur du millénaire ». Ainsi, en plus d’être l’artiste d’enregistrement le plus réussi de l’histoire de la musique populaire, on pourrait également faire valoir que ce membre aux manières douces des Fab Four est le plus aimé.
Jimi Hendrix
Il serait difficile de trouver une figure historique ayant transformé un instrument de musique comme Jimi Hendrix a révolutionné la guitare électrique. Comme le souligne le magazine Rolling Stone, Hendrix a quasiment scindé l’histoire de cet instrument en deux. Avant son avènement, le jeu propre et les riffs doux étaient la norme. Mais Hendrix, malgré la brièveté tragique de sa carrière, a donné naissance à l’ère des guitaristes virtuoses. Même la fin du rock classique n’a pas pu effacer son influence profonde. Quiconque prend une guitare et joue de manière flamboyante lui doit tout.
Parmi ses admirateurs, on trouve des légendes telles que Keith Richards, John Lennon et Jimmy Page. Eric Clapton lui-même aurait un jour exprimé son mécontentement au manager de Hendrix en disant : « Tu ne m’as jamais dit qu’il était aussi foutrement bon. »
Selon Troy Sanders du groupe Mastodon, « Je reconnais Jimi comme – évidemment – l’un des musiciens les plus influents de tous les temps. » Dans le film « Bill & Ted Face The Music », les personnages doivent remonter le temps pour le ramener afin de sauver le monde par le pouvoir de la musique. Cela illustre parfaitement à quel point son importance est indéniable.
Bob Dylan
En 2016, Bob Dylan a reçu le Prix Nobel de Littérature. Cela témoigne de l’ampleur de son influence, qui dépasse largement le domaine musical, bien qu’elle y soit également considérée comme inégalée. Comme l’a écrit Robbie Robertson dans Rolling Stone, « J’ai appris dès le début avec Bob que les personnes avec qui il traînait n’étaient pas des musiciens. Ce étaient des poètes ».
D’après une analyse de sa carrière par Far Out Magazine, Dylan « a démocratisé la forme de l’écriture folk », un changement si marquant que même les Beatles en ont été influencés. Sa musique précoce représentait les espoirs et les peurs de l’humanité, un écho qui résonne encore aujourd’hui.
Cependant, Dylan n’est pas resté cantonné à la folk. Ce poète à la voix rauque a beaucoup à dire sur la contre-culture anti-guerre des années 60 et le mouvement des droits civiques. Il était même présent lors du discours « I Have a Dream » de Martin Luther King Jr.
Robertson a poursuivi dans Rolling Stone : « Plus que tout, dans ma propre écriture, ce que j’ai appris de Bob, c’est qu’il est acceptable de briser les règles traditionnelles de ce que les chansons sont censées être : la longueur d’une chanson, l’imagination que l’on pouvait déployer pour raconter une histoire. C’était incroyable que quelqu’un ait démoli les barrières, ouvert le ciel à toutes les possibilités. »
Elvis Presley
Il n’est pas surnommé le Roi du Rock ‘n’ Roll pour rien. Avec son accent emblématique de Memphis et ses hanches qui se balancent, Elvis Presley incarne l’une des figures les plus iconiques de l’histoire moderne. Son influence sur la musique populaire est indéniable, et sa carrière continue de fasciner des générations entières.
Dans un numéro de 1977 de Rolling Stone, Elvis a été mis en avant sur la couverture, un mois seulement après sa mort. En rendant hommage à ce musicien légendaire, le magazine soulignait son impact sur les artistes qui l’ont suivi, le qualifiant de « premier icône du rock ». Rolling Stone faisait également de lui une « force catalytique » pour ses jeunes fans, leur permettant d’explorer leur identité et de s’exprimer.
Et des années plus tard, cette reconnaissance reste pertinente. Elvis a véritablement transformé la musique populaire en une arme d’expression pour la jeunesse, devenant ainsi la première véritable star de la pop. Comme le souligne The Conversation, la légende qu’est Elvis Presley « demeure aussi énigmatique aujourd’hui qu’elle l’était de son vivant ».
Il est difficile d’imaginer où en serait notre culture si Elvis n’avait pas investi la scène il y a tant d’années.