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Les Meilleurs Films de 1922
À la fin de l’année 1921, l’industrie cinématographique d’Hollywood se trouvait dans une situation délicate, confrontée à un ralentissement post-guerre au box-office et à une concurrence croissante des films étrangers. Malgré le succès de films emblématiques tels que « The Kid » de Charlie Chaplin et « The Sheik » de Rudolph Valentino, les propriétaires de salles avaient dû faire face à une avalanche de productions jugées « mauvaises » et à des ventes de billets assez lentes. L’arrivée de films étrangers prestigieux, comme le célèbre « The Cabinet of Dr. Caligari » d’Allemagne, ainsi que des menaces de censure, avaient ajouté de l’anxiété au milieu. Néanmoins, les contributeurs du Wid’s Year Book 1921 prédisaient un retour à la « normale » en 1922, avec la promesse de productions américaines de qualité et moins de flops au box-office.
Finalement, 1922 s’est avéré être une année fructueuse pour Hollywood. En décembre, le Film Year Book 1922-1923 a dressé un bilan avant tout positif de l’industrie, et sa liste annuelle des 10 meilleurs films, élaborée par des critiques de tout le pays, a reflété cet optimisme. (Il convient de noter qu’un des films de la liste, « Tol’able David », avait été présenté en novembre de l’année précédente et est généralement considéré comme un film de 1921.) Avant l’instauration des Oscars, figurer sur la liste de Wid’s était une distinction prestigieuse pour les cinéastes. À l’instar d’une liste classique des nominations pour le meilleur film, celle de 1922 comprenait une sélection de drames historiques somptueux, de productions très attendues par des réalisateurs réputés, de véhicules vedettes, d’innovations marquantes, d’une petite comédie réjouissante, et aucune production étrangère.
Manslaughter
Réalisé par le maître du cinéma Cecil B. DeMille et mettant en vedette Leatrice Joy, Manslaughter a reçu de nombreuses critiques élogieuses de la part des journaux américains et fut, selon Cecil B. DeMille’s Hollywood, un succès majeur au box-office. S’inspirant d’un roman d’Alice Duer Miller et écrit par la collaboratrice fréquente de DeMille, Jeanie Macpherson, ce mélodrame contemporain raconte l’histoire de Lydia Thorne, une jeune fille de la haute société dont l’insouciance et le comportement désinvolte entraînent la mort d’un policier, ainsi que son incarcération pour homicide involontaire. L’expérience en prison de Lydia, qui transforme sa vie, est mise à l’épreuve lorsqu’elle fait face à la débauche de son petit-ami avocat, interprété par Thomas Meighan.
Le magazine Photoplay a qualifié Manslaughter de « commentaire admirable sur la richesse, la précipitation et le caractère impétueux de la jeunesse américaine », le désignant comme l’un des meilleurs films de DeMille. Moving Picture World a décrit le film comme le « meilleur chef-d’œuvre » du réalisateur, le louant pour sa capacité à présenter une « histoire saisissante » de manière « puissante », tout en y ajoutant ses « touches caractéristiques » de « générosité et de splendeur ».
Comme de nombreuses grandes productions, Manslaughter a bénéficié d’une robuste campagne de promotion orchestrée par son studio, Paramount. Selon Cecil B. DeMille’s Hollywood, Macpherson a concocté un stratagème de pré-production avec une amie à Detroit pour voler un manteau en fourrure, ce qui a conduit à une arrestation pour vol sous un pseudonyme. L’écrivaine a passé trois jours dans une vraie prison. De son côté, Joy, dans un effort de « recherche », a également organisé son arrestation et son incarcération à Los Angeles, avec des photos de son fichage publiées dans la presse. Il semble que ces manœuvres de relations publiques aient parfaitement fonctionné, la vente de billets du film étant particulièrement bonne.
Oliver Twist
Selon le Catalogue des Films de Long Métrage de l’AFI, l’adaptation de 1922 de « Oliver Twist » est arrivée après six autres versions cinématographiques du roman de Charles Dickens. Ce récit de 1838 suit un garçon orphelin qui s’échappe d’un orphelinat pour devenir apprenti chez un entrepreneur de pompes funèbres et pickpocket à ses heures. L’histoire a toujours su séduire un large public. Ce qui distingue la version de 1922, ce sont ses stars : Jackie Coogan dans le rôle principal et Lon Chaney dans celui de Fagin, le leader de la bande de pickpockets. Coogan, âgé de huit ans, avait précédemment joué avec Charlie Chaplin dans « Le Kid » et était le jeune acteur le plus en vue à Hollywood, selon Britannica.
En 1922, Chaney n’avait pas encore reçu le surnom de « L’Homme aux Mille Visages », mais il était déjà bien connu des spectateurs grâce à son talent de comédien. Frank Lloyd, qui avait déjà adapté « Un Conte de Deux Villes » de Dickens en 1917, a réalisé et écrit le scénario de « Oliver Twist » en 1922. Le réalisateur chevronné a été salué par The New York Times pour sa fidélité à l’œuvre originale et pour avoir évité d’utiliser Coogan pour des effets comiques faciles. Ce même article a qualifié la performance de Coogan en tant qu’Oliver Twist d' »irrésistible et dont on ne souhaite pas se lasser ». Le magazine Life a également encensé le jeu de Coogan, le décrivant comme un artiste naturel d’une incroyable aisance. Après avoir loué la direction « intelligente » de Lloyd, Life a déclaré que le film était « l’un des rares chefs-d’œuvre de cette année ou de n’importe quelle autre ».
Robin Hood
Dans « Robin Hood, » sorti en 1922, les spectateurs et les critiques sont séduits par l’interprétation de Douglas Fairbanks, qui incarne le légendaire bandit. À cette époque, Fairbanks détenait déjà une réputation de roi des films d’aventure à Hollywood, grâce à ses performances athlétiques dans « The Mark of Zorro » et « The Three Musketeers ». En plus de jouer le rôle principal, il écrit l’histoire de l’écran, modelant ainsi le héros à son image. Son adaptation du récit des Croisades présente un comte anglais qui se transforme en Robin des Bois afin de sauver le trône de l’infâme Prince Jean, avec une narration divisée en deux parties distinctes.
Le New York Herald loue « Robin Hood » comme le « sommet de la production cinématographique » et décrit la performance de Fairbanks comme « digne, droite et totalement intrépide ». Dans le film, Robin Hood escalade les murs des châteaux, saute par-dessus les douves et glisse le long des tapisseries. Le magazine Photoplay qualifie le film de « glorieux cirque à trois anneaux », offrant une action ininterrompue. En plus d’obtenir des critiques élogieuses, « Robin Hood » est devenu le film le plus rentable de l’année selon IMDb. La première du film marque également l’ouverture du célèbre Grauman’s Egyptian Theatre, la première grande salle de cinéma à Hollywood.
Smilin’ Through
Adapté d’un spectacle de Broadway de 1919 créé par Jane Murfin et l’actrice Jane Cowl (sous le pseudonyme d’Allan Langdon Martin), « Smilin’ Through » a été réalisé par Sidney A. Franklin et mettait en vedette la populaire Norma Talmadge ainsi que le véritable Harrison Ford dans des rôles doubles. Récit partialement narré en flashback, ce mélodrame débute par la mort tragique de l’héroïne Moonyean le jour de son mariage. La jeune mariée est tuée lorsque son ancien prétendant, Jeremiah, tire sur le marié John, tuant accidentellement Moonyean. L’histoire fait ensuite un bond de 20 ans, au moment où Kathleen, la nièce de John et sosie de Moonyean, annonce son intention d’épouser Kenneth, le fils de Jeremiah. Cependant, John, implacable, s’oppose fermement à cette union, poussant les amants à se séparer, semblant voués à un destin tragique.
Dans sa critique enthousiaste, Variety a succinctement listé les vertus du film : « Smilin’ Through présente une direction experte. Les moments forts sont bien mis en scène. Un casting talentueux fait monter les enjeux… » Film Daily a souligné qu’après que le mari de Talmadge, Joseph M. Schenck, ait acquis les droits du film pour une somme colossale de 75 000 dollars, « Smilin’ Through » a été présenté dans les magazines spécialisés comme l’un des films incontournables. En louant les valeurs de production, la performance exceptionnelle de Talmadge et l’interprétation habile de Harrison Ford dans les rôles de Jeremiah et Kenneth, Film Daily a affirmé la grandeur de ce film.
Sidney Franklin a également réalisé la première adaptation cinématographique de la pièce de Broadway avec son format sonore, produite en 1932 par le magnat du studio Irving Thalberg, mettant en vedette _sa_ femme, Norma Shearer.
Nanook of the North
Chronique de la vie inuit dans le nord de la baie d’Hudson, « Nanook of the North » de Robert Flaherty s’est distingué non seulement en tant que l’un des films les mieux accueillis et les plus rentables de 1922, mais aussi comme le tout premier documentaire de long métrage au cinéma. À l’époque, la plupart des films non fictionnels, ou « actualités », se limitaient à de simples courts-métrages de voyage. Comme le souligne Current, l’intention initiale de Flaherty était de créer un film dramatique se déroulant dans l’Arctique. Néanmoins, le film est devenu un hybride entre un film de voyage et une étude ethnographique stylisée.
Dans sa critique, le New York Times a salué la vision de Flaherty et le réalisme révolutionnaire du film, notant que lorsque le public observe Nanook dans une « lutte pour la vie ou la mort », l’effet est « beaucoup plus fascinant » qu’une bataille entre « deux acteurs bien payés tirant des cartouches à blanc l’un sur l’autre ! » Life a également indiqué que, bien que la vie quotidienne des Inuits puisse d’abord sembler banale, le film présente le « terrible combat » des Inuits vigoureux de manière « absorbante et dramatique. »
Bien que Flaherty ait passé 16 mois à tourner parmi les Inuits, selon Britannica, l’authenticité de certains aspects du film a ensuite été remise en question. Les habitants qui y figurent ont été soigneusement sélectionnés par Flaherty en raison de leur apparence photogénique et ont été rémunérés pour leurs apparitions. De plus, dans une scène de chasse, la proie, un phoque, était déjà morte, parmi d’autres tromperies. Malgré ces révélations, Flaherty est toujours considéré comme le père du documentaire, et « Nanook of the North » conserve une place importante dans l’histoire du cinéma.
When Knighthood Was in Flower
Marion Davies, connue pour sa relation avec le magnat de la presse William Randolph Hearst, était l’attraction principale du drame historique de 1922 When Knighthood Was in Flower. Réalisé par Robert G. Vignola, le film s’inspire d’un roman de Charles Major et a été produit par la société cinématographique de Hearst, Cosmopolitan. Dans ce récit, Davies incarne Mary Tudor, la sœur du roi Henri VIII, dont la passion pour le chevalier commun Charles Brandon se heurte à son mariage politique avec le roi Louis XII de France.
Bien que l’histoire fictive enrobe des événements historiques, la véritable Mary Tudor ne croisa Brandon qu’après la mort de Louis, et épousa ce dernier contre la volonté de son frère.
Selon le Catalogue des Films du AFI, cette production de 1,5 million de dollars a nécessité 140 jours de tournage et près de 300 000 pieds de pellicule. Pour une scène de rue à Paris, 32 bâtiments ont été construits et plus de 3 000 figurants ont été engagés. Cet investissement fastueux s’est avéré bénéfique, les critiques étant élogieuses et le public se rendant en masse dans les salles. Lors de la projection à New York, 2 209 ampoules illuminaient l’enseigne du théâtre, avec le nom de Davies affiché en lettres de 10 pieds de haut.
Le magazine Moving Picture World a affirmé que le film présentait une « perfection technique » et rivalisait avec la « splendeur, la richesse et la magnificence » des récentes productions étrangères. Photoplay a quant à lui qualifié la production de « superbe peinture cinématographique », louant la performance de Davies, qui, bien que n’ayant pas encore prouvé son talent d’actrice, offrait ici sa prestation la plus variée à ce jour.
Le Prisonnier de Zenda
Le film muet emblématique, Le Prisonnier de Zenda, réalisé par Rex Ingram, met en vedette Lewis Stone, Alice Terry et Ramon Navarro dans l’adaptation de 1922 du célèbre roman d’aventure d’Anthony Hope. Stone interprète un double rôle, incarnant à la fois le roi dissolu Rudolf de Ruritania et son cousin anglais, Rassendyll, qui lui ressemble. Lorsque Rudolf est drogué par son fratricide Black Michael juste avant son couronnement, Rassendyll prend sa place. Black Michael, l’usurpateur, kidnappe Rudolf et l’emprisonne dans un château à Zenda, laissant Rassendyll entreprendre une audacieuse mission de sauvetage pour rétablir son cousin sur le trône.
Comme le précise le catalogue de l’AFI des films de long métrage, la production a coûté plus de 1,1 million de dollars et a impliqué 23 000 personnes, y compris 26 créateurs de costumes et 10 000 figurants. Pendant le tournage, Ingram et la vedette Terry se seraient enfuis et auraient passé leur lune de miel ensemble après la fin du tournage.
Dans sa critique, Variety a déclaré que l’histoire était « un type de romance qui ne se démode jamais – fraîche, authentique, simple et saine » et a affirmé que la version filmée « capture l’imagination et la maintient grâce à une illusion complète ». Variety a également remarqué que la photographie inhabituelle du film évoquait une atmosphère onirique qui correspondait parfaitement à la nature mythique de la Ruritania imaginaire. Bien qu’il ait déploré l’incohérence générale du film, The New York Times a complimenté la direction d’Ingram, décrivant ses scènes comme à la fois douces et claires, avec « unité et harmonie », et louant sa capacité à insuffler du sens aux personnages, même lorsqu’ils ne traversent que brièvement l’action.
Blood and Sand
La mégastar d’Hollywood, Rudolph Valentino, s’est distingué en 1922 avec le film Blood and Sand, une romance contemporaine se déroulant dans le monde de la tauromachie. Réalisé par Fred Niblo et inspiré d’un roman de Vicente Blasco Ibáñez ainsi que d’une pièce de Tom Cushing, ce film met également en avant les contributions de deux figures emblématiques du cinéma : la monteuse et réalisatrice Dorothy Arzner, et la scénariste June Mathis. Valentino incarne Juan Gallardo, un jeune orphelin fils d’un cordonnier pauvre, qui épouse son amour d’enfance, Carmen, et atteint la gloire en tant que matador audacieux. Cependant, le bonheur et le succès de Juan sont mis à l’épreuve lorsqu’une séduisante femme, Doña Sol, entre dans sa vie.
Propulsé par le statut de Valentino en tant qu’idole des foules, la sortie de Blood and Sand a battu des records d’affluence à Los Angeles et à New York, comme le souligne le Catalogue des Films de l’AFI. Le magazine Life a loué l’authenticité atmosphérique du film ainsi que la performance de Valentino, affirmant : « Personne ne peut contester le fait qu’il est un acteur remarquable, doté de véritable grâce, d’une grande attirance picturale et d’une véritable capacité. » Niblo, selon Motion Picture News, a « géré la production de manière magistrale » – avec des « effets de masse, une atmosphère, des performances » – et a su « associer les vraies scènes de corrida à celles montrant la star » de manière « palpitante. »
Peu de temps après la sortie de Blood and Sand, Stan Laurel, célèbre pour son duo comique Laurel et Hardy, a lancé une parodie de ce film, Mud and Sand, dans laquelle il interprète un matador nommé Rhubarb Vaseline.
Grandma’s Boy
Seule comédie à figurer dans la liste des meilleurs films de 1922, Grandma’s Boy met en vedette l’humoriste Harold Lloyd dans son premier long-métrage. Réalisé par Fred Newmeyer, un collaborateur régulier de Lloyd, et produit par le maître de la comédie Hal Roach, le film marque une étape importante dans la carrière de Lloyd. Après avoir commencé à jouer des personnages à la Chaplin, il a introduit son personnage célèbre aux lunettes en 1917, et la popularité croissante de ses courts-métrages a conduit à la création de films plus longs comme Grandma’s Boy.
Dans cette histoire sur mesure, Lloyd interprète un jeune homme timide de 19 ans qui doit surmonter ses craintes pour déjouer son rival amoureux, ainsi qu’un voleur de bijoux, et conquérir le cœur de sa douce (interprétée par Mildred Davis, sa future épouse). Selon le Catalog AFI des films de long métrage, le film a établi des records au box-office à New York durant ses premières semaines et a connu un grand succès à Los Angeles et San Francisco. Les critiques ont accueilli le film et la performance de Lloyd avec des éloges.
Le magazine Moving Picture World a décrit ce film comme le « meilleur de Lloyd », soulignant qu’il marque son entrée dans des récits plus complexes, rehaussant ainsi « le niveau de la comédie d’une simple blague à une nouvelle dimension dans l’art du cinéma ». De son côté, Variety a qualifié le film de « coup de poing », notant que Lloyd montre non seulement ses caractéristiques humoristiques habituelles mais aussi une performance émotive surprenante. Même Charlie Chaplin, rival de box-office, était un grand fan du film, selon TCM.
Orphans of the Storm
Avec une durée époustouflante de 249 minutes, Orphans of the Storm de D. W. Griffith a remporté la première place sur la liste des 10 meilleurs films de 1922, selon Film Daily. Basé sur une pièce du XIXe siècle popularisée par l’actrice Kate Claxton, ce mélodrame se déroule lors de la Révolution française et met en scène les véritables sœurs Lillian et Dorothy Gish dans les rôles de Louise et Henriette. Dans les cartouches d’ouverture du film, Griffith décrit son épopée comme celle de « deux petites orphelines qui souffrent d’abord par la tyrannie et l’égoïsme des rois, nobles et aristocrates », puis sous le « nouveau gouvernement ». Les sœurs subissent de nombreuses épreuves, dont la peste qui rend Louise aveugle, des enlèvements, la prison, la famine, la séparation, des arrestations injustifiées, ainsi que des émeutes et des bouleversements sociaux.
Après des projections fin décembre 1921, alors que le film s’intitulait alors Two Orphans, Griffith a ajouté certaines scènes et raccourci d’autres. D’après le Catalogue des films de l’AFI, il a réduit le film de 14 à 12 bobines en réponse aux critiques du public. Bien que le film n’ait pas suscité un enthousiasme débordant auprès des spectateurs, les critiques l’ont acclamé. The New York Times a célébré ce que l’on considérait comme un retour triomphant de Griffith, qualifiant le film de « mélange émouvant et captivant de cinéma et de mélodrame », tandis que Variety a loué le film comme étant « un exemple des beaux arts du cinéma ». Exhibitors Herald a fait écho à ces sentiments, déclarant Orphans of the Storm comme un « triomphe vivant, vibrant, presque respirant de perfection picturale. »