Les Règles les Plus Bizarres Imposées aux Acteurs Hollywoodiens
Être un acteur hollywoodien est pour beaucoup un rêve éveillé. Travailler dans le domaine artistique, parcourir des lieux exotiques pour des tournages, collaborer avec les meilleurs talents du cinéma, et recevoir des récompenses prestigieuses tout en jouissant d’une vie de luxe sont les avantages largement mis en avant.
Cependant, la réalité n’est pas toujours aussi rose. Les emplois du temps de tournage peuvent être extrêmement exigeants, et des rapports indiquent que la pression liée à la réalisation de films à Hollywood peut avoir des répercussions sur la santé mentale des acteurs. En effet, jouer un rôle ne se limite pas à réciter des dialogues ou à adopter des expressions corporelles convaincantes. Au fil de l’histoire parfois sombre de l’industrie cinématographique, réalisateurs, producteurs et propriétaires de studios ont imposé des exigences énormes aux acteurs, y compris aux plus célèbres, dont beaucoup étaient étrangement intrusives ou même exploitantes. Voici quelques-unes des règles les plus bizarres auxquelles les acteurs ont dû se conformer, des débuts du cinéma jusqu’à aujourd’hui.
Pas de partage de lits à l’écran
De nos jours, il est couramment admis que les cinéastes ont la liberté de rendre leurs films aussi réalistes que possible. Au lieu de censurer les œuvres de manière absolue, les films contenant des thèmes pour adultes reçoivent une classification restreinte. Cependant, cela n’a pas toujours été le cas.
Dans les années 1930, les studios hollywoodiens étaient soumis à la pression de groupes conservateurs tels que la National Legion of Decency, qui leur demandaient de censurer les films pour les aligner sur une vision morale catholique. Cela a donné naissance au Code Hays, du nom du président de la Motion Picture Producers and Distributors of America, William Hayes (illustré), qui a décidé que plutôt que de se soumettre à une régulation extérieure, les cinéastes s’auto-censureraient avec une série de règles pour les studios hollywoodiens. Les années suivantes ont vu les réalisateurs limiter les représentations de la sexualité et de la violence, et vénérer des institutions sociales telles que le mariage.
Cependant, même les représentations du mariage restaient asexuées à l’écran. Pendant de nombreuses années, les acteurs jouant des couples mariés étaient souvent montrés dormant dans des lits jumeaux plutôt que dans un lit double, une tradition qui a perduré jusqu’à l’abandon progressif du Code Hays dans les années 1960, avec l’émergence de spectateurs plus réceptifs à des formes de cinématographie plus libérales.
Pas de scènes de « débauche »
Comme dans la littérature et le théâtre, dès les débuts du cinéma, les spectateurs ont toujours été fascinés par une belle histoire d’amour. Cependant, pendant près de trois décennies, le Code Hays a empêché la représentation de comportements « débauchés » à l’écran, ce qui signifiait que même les scènes d’amour, qui sembleraient aujourd’hui risibles comparées à celles de Netflix, étaient rendues encore plus rigides par les censeurs des studios.
Pour commencer, les embrassades entre les amoureux étaient strictement réglementées. Les baisers devaient se faire avec un minimum de mouvement entre les acteurs, qui devaient se tenir par des parties neutres du corps comme les bras ou au-dessus de la taille. Une fois que les lèvres de l’acteur principal se posaient sur celles de l’actrice principale, le baiser ne pouvait durer plus de trois secondes, sous peine d’enfreindre le Code Hays. Une exception notable est le classique « Notorious » d’Alfred Hitchcock de 1946, dans lequel le réalisateur contourne le code en faisant en sorte que Cary Grant et Ingrid Bergman échangent de nombreux petits baisers tout en se tenant l’un l’autre.
Le code stipulait également que les acteurs ne devaient pas être montrés allongés horizontalement ensemble dans les scènes d’amour, car cela était jugé trop suggestif. Cela a donné naissance à la règle infâme des « pieds sur le sol », selon laquelle si un acteur devait être allongé, l’autre, généralement l’homme, devait garder ses pieds sur le sol afin que les censeurs puissent dire qu’ils étaient techniquement debout.
Les Acteurs ne Pouvaient Pas Refuser des Rôles
Mais ce n’était pas seulement les censeurs qui contrôlaient l’image des acteurs auprès du public cinéphile. À l’âge d’or du cinéma, les studios possédaient un pouvoir absolu, disposant des ressources nécessaires pour transformer et briser des carrières. Cette influence découlait souvent des contrats tout-puissants que les acteurs devaient signer pour travailler avec un studio spécifique. Ces contrats comportaient généralement des clauses d’exclusivité, empêchant les acteurs de travailler pour d’autres studios. Cependant, les studios pouvaient parfois « prêter » des talents, à l’instar d’une équipe sportive qui se sépare d’un joueur jugé excédentaire.
Les premiers contrats de studio stipulaient également que les acteurs devaient accepter tous les rôles qui leur étaient proposés, qu’ils les aiment ou non. L’icône du cinéma Bette Davis, connue pour ses rôles dans des films oscarisés comme « Ève » et « Qu’est-il arrivé à Baby Jane ? », a provoqué un scandale en refusant des rôles proposés par Warner Bros., ce qui a conduit le studio à attaquer l’actrice en justice.
Parfois, le pouvoir des studios pouvait être utilisé à des fins malveillantes contre leurs propres acteurs. Un incident notoire impliquait l’acteur autrefois acclamé John Gilbert, qui, après une dispute avec son studio, aurait été relégué à une série de mauvais films, ternissant irrémédiablement sa réputation auprès du public et ruinant sa carrière.
Les studios arrangeaient la vie amoureuse des acteurs
Il n’est pas surprenant que les superstars hollywoodiennes aient des équipes de relations publiques derrière elles pour aider à maintenir leur image et leur position dans la culture populaire. Cependant, les extrêmes auxquels les studios ont pu manipuler la vie privée de leurs acteurs seraient considérés comme un scandale majeur aujourd’hui.
Prenons, par exemple, la relation entre Mickey Rooney et Judy Garland. Les deux ont joué ensemble dans plusieurs films à partir du milieu des années 1930 et ont été fortement promus par MGM Studios comme étant en couple dans la vie réelle. Les fans ignoraient que, alors que Rooney développait une réputation de séducteur notoire, Garland était l’une des rares co-stars pour laquelle il n’avait aucun intérêt romantique, bien qu’elle soit amoureuse de lui. Plus tard, lorsque Rooney informa Louis B. Mayer, le chef de MGM, de son intention d’épouser Ava Gardner, Mayer fut furieux et lui ordonna d’annuler le mariage. « C’est ma vie », répondit Rooney, à quoi Mayer rétorqua : « Ce n’est pas ta vie. Pas tant que tu travailles pour moi. » Finalement, le mariage eut lieu, mais les infidélités de Rooney assurèrent qu’il ne dura pas longtemps.
Dans d’autres cas, les studios obligeaient leurs vedettes à contracter des mariages fictifs afin de maintenir une image acceptable pour leur public. L’un de ces cas fut celui de Rock Hudson, dont l’homosexualité fut dissimulée à ses fans grâce à son mariage avec l’actrice Phyllis Gates. Les deux se sont mariés en 1955, un mariage de façade qu’Hudson a accepté à la demande de son agent. Ils ont divorcé trois ans plus tard.
Clauses Exploitatives des Contrats Hollywoodiens
Beaucoup de gens pensent que l’idée que des acteurs puissent être jugés et même annulés à cause de leurs opinions ou de leur vie privée est un phénomène propre au XXIe siècle, une époque de sensibilité accrue face aux comportements inappropriés. Cependant, depuis les débuts du cinéma, les acteurs sont évalués en fonction de leurs actions hors-caméra, une réalité qui se reflétait dans les contrats que de nombreuses grandes stars hollywoodiennes signaient à l’époque.
Comme le souligne Eve Golden dans son livre « Platinum Girl: The Life and Legends of Jean Harlow, » les contrats des acteurs « en vedette », comme Jean Harlow elle-même, étaient particulièrement contraignants, incluant une « clause morale » stipulant que le contrat serait annulé si l’acteur faisait quelque chose en public pouvant « la dégrader dans la société ou l’exposer à la haine, au mépris, au ridicule ou au ridicule public ».
Il pourrait être argumenté que de telles clauses étaient prudentes — nous pouvons tous penser à des films et des émissions télévisées récents qui ont été des échecs spectaculaires après qu’un de leurs principaux acteurs ait commis une gaffe publique particulièrement grave. Mais les contrats hollywoodiens de l’époque allaient souvent beaucoup plus loin; dans le cas de Harlow, son contrat stipulait qu’elle serait également renvoyée sans compensation si des changements physiques, y compris des maladies ou des blessures au visage, portaient atteinte à son attrait de bombe sexuelle pendant plus de deux semaines.
Les studios choisissaient les noms de scène des actrices
À l’instar des rappeurs, des gamers et d’autres artistes, les acteurs adoptent souvent un nom de scène au début de leur carrière pour diverses raisons. Parfois, un autre acteur a déjà pris leur nom, et ils souhaitent éviter toute confusion. Dans certains pays, comme le Royaume-Uni, où le syndicat des acteurs Equity a beaucoup d’influence, deux acteurs ne peuvent pas partager le même nom ; un nouveau nom doit être choisi en cas de duplicité. D’autres optent pour un nom de scène parce qu’ils jugent leur propre nom trop banal, trop courant, ou non représentatif de l’image qu’ils souhaitent véhiculer pour leur marque personnelle.
Beaucoup de noms emblématiques du cinéma ne sont en réalité pas les vrais noms des acteurs. Marilyn Monroe est née Norma Jeane Mortenson. Rita Hayworth s’appelait Margarita Carmen Cansino. Et Judy Garland a été baptisée Frances Ethel Gumm.
Un autre nom de scène célèbre de l’âge d’or d’Hollywood est Joan Crawford, bien que son vrai nom soit Lucille LeSueur (plus tard changé en Billie Cassin par son beau-père). De manière insolite, lorsqu’elle a obtenu son premier contrat de film avec Louis B. Mayer de MGM, le studio a organisé un concours public doté de 1 000 $ pour choisir un nouveau nom pour leur dernière starlette. « Joan Crawford » a remporté, à la grande consternation de l’actrice elle-même qui détestait ce nom, mais elle a dû le garder toute sa vie.
Restrictions vestimentaires
Comme l’a déjà clairement montré cet article, les studios d’Hollywood avaient un contrôle irréaliste sur la vie de certaines des stars les plus intemporelles du cinéma. Grâce à la beauté surnaturelle et au charme à l’écran de ces acteurs, ils étaient censés recréer la grâce qu’ils montraient durant leurs performances dans leur vie quotidienne — au moins autant que le public en était conscient.
Les attentes concernant le genre étaient particulièrement élevées durant les premières années d’Hollywood : on attendait des hommes qu’ils soient virils, charmants et galants, tandis que les femmes devaient être féminines, gracieuses et passives. La division des genres était si forte que certains départements de costumes des studios empêchaient les actrices de porter des pantalons, estimant qu’il était plus approprié pour les femmes de porter des jupes et des robes.
Cependant, certaines stars s’opposaient aux règles imposées. L’une d’elles était Katharine Hepburn, dont le comportement sur les plateaux et la volonté de défier ses employeurs sont bien documentés. Dans un incident célèbre, le département des costumes de son studio confisqua ses pantalons. En protestation, elle se promena dans le studio en sous-vêtements jusqu’à ce que le vêtement lui soit restitué.
Les actrices pouvaient être forcées à perdre ou à prendre du poids
Dans la plupart des professions, il serait illégal pour les employeurs de recruter ou de licencier en fonction du type de corps, ou d’avoir un quelconque avis sur le poids de leurs employés. Mais depuis les débuts de l’industrie cinématographique, les studios veillent de près à la taille et à la forme de leurs vedettes, et ont recours à des méthodes détournées pour s’assurer que les acteurs maintiennent l’apparence souhaitée.
Dès les années 1930, des étoiles internationales de renom telles que Marlene Dietrich subissaient des pressions pour perdre du poids de la part de leurs patrons de studio. Pour son rôle dans le classique pré-Code « Morocco », sorti en 1931, Dietrich, qui mesurait 1,65 m, est passée de 66 kg à 59 kg à la demande du réalisateur Josef von Sternberg, qui a longtemps été crédité pour avoir donné à l’actrice allemande une aura de star. Cependant, la perte de poids à Hollywood n’est pas toujours obtenue par le régime et l’exercice. Judy Garland, par exemple, était contrainte de prendre régulièrement des pilules amaigrissantes à base d’amphétamines pour maintenir sa silhouette mince, ce qui l’a rendue dépendante. Garland est décédée tragiquement d’une overdose de barbituriques en 1969, à seulement 47 ans.
Le contrôle du poids à Hollywood n’est pas un phénomène du passé. Comme l’a révélé l’actrice comique Rebel Wilson, dans les années 2010, elle a dû retarder un plan de santé incluant une perte de poids pendant plusieurs années car elle était contractuellement obligée de maintenir son poids pour le tournage de deux suites de la comédie « Pitch Perfect » de 2012, où elle jouait « Fat Amy ». Ces suites sont sorties en 2015 et 2017.
Les Studios Contrôlaient la Planification Familiale des Actrices
Forcer les acteurs à maintenir un certain poids en utilisant des drogues addictives et nuisibles n’était pas le seul moyen par lequel les studios hollywoodiens contrôlaient le corps de leurs actrices. Tout comme les dirigeants avaient souvent leur mot à dire sur les mariages de leurs stars, ils cherchaient également à avoir le dernier mot sur la possibilité pour leurs talents d’avoir des enfants.
Ces règles visaient bien sûr à protéger les intérêts financiers des studios, préoccupés par le fait que les grossesses pourraient perturber les calendriers de tournage et qu’elles pourraient altérer la silhouette des actrices, considérées comme des atouts majeurs à l’écran. Mais la situation prenait souvent un tournant sombre. Non seulement les actrices étaient poussées à ne pas tomber enceintes, mais si cela arrivait, on les contraignait souvent à avorter pour leur carrière. Certaines des plus grandes stars de l’âge d’or, telles que Judy Garland, Joan Crawford, Bette Davis et Ava Gardner (photo), ont dû avorter en secret. En effet, les contrats que de nombreuses stars signaient avec leurs studios contenaient souvent des clauses stipulant des sanctions en cas de grossesse pendant la durée de leur contrat.
Les exigences étranges des acteurs principaux
Bien que les stars du grand écran doivent souvent se plier aux règles des studios, des cadres, des réalisateurs et des producteurs, il arrive souvent que les acteurs doivent répondre aux exigences étranges de leurs co-stars. C’est particulièrement fréquent lorsque les acteurs débutent et sont considérés comme une préoccupation secondaire pour la production ou, au pire, dispensables.
L’actrice de « Fantastic Four » et « Sin City, » Jessica Alba, est devenue l’une des plus grandes attractions du box-office de Hollywood, mais au début de sa carrière d’actrice, même elle a dû se conformer à l’une des directives les plus notoires de l’industrie : la règle de l’absence de contact visuel. Cette rumeur de longue date, associée à diverses stars comme Sandra Bullock et Leonardo DiCaprio, stipule que les autres acteurs ne doivent pas établir de contact visuel avec la grande vedette. Alba a affirmé qu’elle a été obligée de respecter cette règle sur le tournage de « Beverly Hills 90210 » en 1998, lorsqu’on lui a dit de ne pas faire de contact visuel avec les stars principales de la série, y compris Luke Perry et Tori Spelling.
D’autres rumeurs de règles étranges associées à des acteurs individuels incluent une imposée par la star de « Mission : Impossible, » Tom Cruise. Pendant de nombreuses années, Cruise, célèbre pour ses cascades et ses performances athlétiques à l’écran, acceptait d’être filmé en train de sprinter uniquement en solo, sans aucun autre acteur courant à ses côtés. Cette règle n’a été brisée qu’en 2017 avec la sortie de « The Mummy, » pour laquelle sa co-star Annabelle Wallis a réussi à convaincre Cruise qu’elle avait les capacités nécessaires de courir à ses côtés.
Être mis en danger physique
Seuls certains métiers spécialisés, tels que ceux dans l’armée ou la sécurité, nécessitent que les individus se mettent en danger pour leur travail. Mais à Hollywood, les acteurs ont souvent risqué leur sécurité pour un film, souvent sans recours à une doublure pour les scènes dangereuses.
Certains exemples anciens sont évidents : les cascades folles des films muets réalisées par des stars comme Buster Keaton, dont la maîtrise à défier la mort devant la caméra était légendaire. Ailleurs, des acteurs ont été sollicités pour réaliser des séquences d’action dans des conditions prouvées par la suite être dangereuses. En 1982, un accident tragique s’est produit sur le tournage du film « Twilight Zone » lorsque l’acteur vétéran Vic Morrow devait traverser une scène de guerre du Vietnam en portant deux enfants acteurs. Un hélicoptère hors de contrôle les a malheureusement tués tous les trois avec ses pales rotatives.
Plus récemment, l’actrice Uma Thurman a évoqué un incident malheureux impliquant l’un de ses plus proches collaborateurs, le réalisateur de « Pulp Fiction » Quentin Tarantino. Thurman a subi de graves blessures sur le tournage de « Kill Bill » lorsqu’elle a été contrainte de participer à une scène de crash automobile au cours de laquelle elle a souffert de blessures au cou et aux genoux. Elle a affirmé avoir été forcée de tourner la scène, et que les producteurs ont ensuite participé à une dissimulation. Tarantino s’est depuis excusé et affirme regretter profondément l’incident.