Les groupes de rock les plus influents des années 60

Les groupes de rock les plus influents des années 60

Les années 1960 pourraient bien être la décennie la plus déterminante de l’histoire de la musique populaire. Après les années 1950 avec des artistes emblématiques tels qu’Elvis Presley, Buddy Holly et Chuck Berry, les années 60 ont vu émerger une véritable révolution musicale, portée par le contexte de la guerre du Vietnam, de la révolution sexuelle, des expérimentations psychotropes et des divisions culturelles au sein du monde occidental. C’est durant cette période que le rock n’ roll a pleinement pris son envol, incarnant la contre-culture et la rébellion juvénile.

De nombreux groupes de rock et artistes ont émergé pour changer le monde, mais beaucoup, comme Santana, Cream, The Yardbirds, les Byrds, les Monkees, les Animals et Steppenwolf, ne figurent pas sur cette liste. Pourtant, les groupes qui y figurent sont parmi les musiciens les plus révolutionnaires ayant jamais tenu un micro ou une guitare.

Certaines de ces formations ont laissé un héritage qui dépasse largement leur succès commercial, tandis que d’autres continuent d’attirer des foules dans des stades aujourd’hui. Tous ont eu une influence profonde, abattant les barrières, inventant de nouveaux genres musicaux, et offrant des modèles sonores toujours étudiés et reproduits à l’heure actuelle, tout en contribuant à l’émergence de certaines des chansons les plus appréciées de l’histoire. Des décennies plus tard, ces mélodies reconnaissables continuent de dominer les ondes de la radio classique rock.

Des pionniers tels que The Kinks, The Who, Jimi Hendrix, The Beach Boys, Janis Joplin et The Rolling Stones figurent parmi les actes de rock les plus significatifs des années 60, étant les architectes d’un son qui résonne encore aujourd’hui dans la culture musicale.

Iggy et les Stooges

Le groupe The Ramones et les Sex Pistols sont souvent mentionnés comme les pionniers du punk rock. Cependant, Iggy et les Stooges, menés par le charismatique Iggy Pop, ont été parmi les premiers à capturer véritablement l’essence de ce genre musical. Judy Berman affirme dans Pitchfork que les performances live d’Iggy débordaient d’une énergie sauvage et inextinguible. Il portait des colliers pour chiens, se coupait avec des morceaux de verre et se démenait sur scène dans un style que de nombreux chanteurs de rock dur étudieraient dans les décennies à venir.

Des groupes ultérieurs développèrent davantage l’attitude moqueuse et les accords rapides qui caractérisent souvent le punk old school, mais les fondations spirituelles de ce genre avaient été posées par les Stooges sur le sol couvert de bière des clubs mal famés. Bien que ce comportement ne choque pas particulièrement en 1979 ou en 1983, il était révolutionnaire à la fin des années 60, même si, selon The Guardian, le monde ne savait guère quoi penser de ces personnages, ce qui leur a coûté un succès commercial mérité.

Au fil des ans, leur respect n’a cessé de croître, rendant leur influence de plus en plus indéniable. En 2010, après sept refus consécutifs, Iggy et les Stooges furent enfin intronisés au Rock and Roll Hall of Fame. Lors de leur performance, Iggy, toujours aussi captivant toutes ces années plus tard, s’adressa à la foule en disant : « Allez, gens riches ! Montrez-nous que vous n’êtes pas trop riches pour être cool ! » Qui pourrait faire plus punk que cela ?

Janis Joplin

Il est bien connu que la fin des années 60 a été marquée par une révolution contre-culturelle, souvent exprimée à travers la musique rock. Cependant, cette époque était dominée par les hommes. Ce n’était pas parce que les femmes n’avaient pas leur place, mais parce que beaucoup pensaient qu’elles n’en avaient pas. Tracy Nelson, une chanteuse-auteure-compositrice, témoigne de son expérience dans un monde musical où des figures telles que Jimi Hendrix, The Grateful Dead ou les Beatles dominaient. Elle se souvient que de nombreux musiciens lui disaient : « Pourquoi veux-tu faire ça ? Ce n’est pas un endroit pour les femmes. C’est un business pour un homme. Pourquoi ne pas rester chez toi et chercher un homme ? » Des échos déprimants que vivent encore aujourd’hui de nombreuses femmes dans divers domaines.

Malheureusement, Janis Joplin, surnommée la « Reine du Rock », n’a pas eu la chance de raconter sa propre histoire. Elle a rejoint les rangs tragiques du « Club des 27 » après sa mort en 1970, mais elle avait déjà su s’imposer comme une légende du rock. Elle a dû briser des barrières institutionnelles liées au sexisme pour faire reconnaître son talent. Nelson se rappelle avoir assisté à un concert de Joplin : « J’ai dû suivre Janis Joplin, et en l’écoutant, je pensais uniquement : ‘Cette femme est une force de la nature.’ »

Cette expression, « force de la nature », résume parfaitement la puissance de la voix de Joplin pour ceux qui n’ont jamais eu le privilège de l’entendre en direct. Les portes qu’elle a ouvertes pour les musiciennes restent encore largement inachevées.

The Doors

Les Doors sont souvent considérés comme un groupe essentiel des années 60, en raison de leur capacité à capturer l’essence d’une époque soumise à des tensions sous-jacentes. Au milieu d’un rock dominé par l’idéalisme hippie et les sentiments de paix, la musique du groupe évoquait un côté sombre et mystérieux de la décennie. Les thèmes abordés par le groupe exprimaient des réalités telles que la guerre du Vietnam, les divisions nationales et l’usage de drogues, rendant leurs compositions à la fois captivantes et intrigantes.

Contrairement à de nombreux groupes de leur temps, les Doors se démarquaient par l’absence de bassiste. Ray Manzarek, leur organiste, prenait en charge la ligne de basse, ce qui contribue à leur son unique. Leur apparence était celle de gens ordinaires, cependant, leur style de musique était empreint d’une dimension rebelle et excitante qui était typique de l’époque.

Le chanteur Jim Morrison, une figure emblématique du groupe, était profondément ancré dans cette atmosphère de désespoir et de défi. Sa personnalité charismatique et son mode de vie hédoniste faisaient écho à une lutte personnelle plus qu’à un engagement politique structuré. Le mystère entourant sa vie et sa mort précoce a renforcé son statut de symbole de rébellion jeune, immortalisant ainsi son héritage musical.

Marilyn Manson, dans un article du Rolling Stone, souligne que bien que les Doors n’évoquaient pas le punk rock, Morrison brillait par sa capacité à incarner la rébellion et à ignorer les conventions. Leur musique continue d’inspirer de nouvelles générations, affirmant ainsi l’influence durable des groupes de rock des années 60.

The Velvet Underground

The Velvet Underground, dirigé par Lou Reed, est l’un de ces groupes dont on parle souvent sans vraiment les entendre. Comme l’indique Julian Casablancas dans Rolling Stone (qui a classé Velvet Underground comme le 19e meilleur artiste de tous les temps), leur musique est quasiment absente des radios de rock classique.

« Pourquoi entend-on toujours Boston et Led Zeppelin ? », se demande-t-il. « Et pourquoi les Rolling Stones sont-ils tellement plus populaires que les Velvets ? … Une partie de moi a toujours pensé que cela aurait dû être l’inverse. » Cette opinion soulève un débat intéressant. Casablancas soutient que les « Velvets » étaient en avance sur leur temps et d’une excentricité fascinante, leur musique expérimentale ayant le pouvoir de vous transporter et de vous apprendre à être vous-même.

Mais quelle a été leur réelle influence ? La BBC pose une question provocante : sont-ils aussi importants dans l’histoire de la musique que les Beatles ? Elle affirme que les quatre albums studio des Velvet contiennent l’ADN de tout, de l’indie et du rock alternatif à presque toutes les formes de punk. Elle dresse également la liste de plusieurs artistes qui citent les Velvets comme une influence fondamentale. Les noms sont impressionnants : U2, les Sex Pistols, R.E.M., Talking Heads, Sonic Youth. Il est peu probable que vous tombiez sur des morceaux de Velvet Underground lors de votre trajet matinal. Mais si vous aimez les groupes alternatifs, vous devez absolument découvrir ce groupe des années 60 qui a ouvert la voie à tant d’autres.

The Who

Dans toute discussion sur les origines du hard rock, il est essentiel de rendre hommage à The Who. Comme l’écrit Eddie Vedder de Pearl Jam dans Rolling Stone (qui a classé The Who comme le 29e artiste musical le plus grand de tous les temps), « Ils voulaient être plus forts, alors ils ont demandé à Jim Marshall d’inventer l’ampli de 100 watts. Manquant de volume, ils ont commencé à les empiler. On raconte que le premier retour de guitare à avoir été enregistré se trouve dans ‘Anyway, Anyhow, Anywhere,’ en 1965. » Vedder évoque également la tendance de Pete Townshend à briser des guitares, tout en rappelant que le batteur Keith Moon avait la réputation de détruire des chambres d’hôtel. Si d’autres ont imité ce comportement, ils ont été les premiers à le faire.

Cependant, l’héritage de The Who va bien au-delà des accords puissants et des fêtes endiablées. « The Who racontait des histoires dans le cadre d’une chanson, » continue Vedder, « et, au fil d’un album entier, ils ont repoussé les limites. » Il ajoute que « The Who demeure probablement le plus grand groupe live de tous les temps. » Bien que cette affirmation puisse prêter à débat, leurs performances témoignent de leur place indiscutable dans cette conversation.

Dans ‘My Generation,’ Pete Townshend a crié célèbrement : « J’espère mourir avant de vieillir ! » Cela ne s’est pas produit. Lui et le chanteur principal Roger Daltry, qui possède toujours cette voix d’or, sont aujourd’hui septuagénaires. Mais comme l’a déclaré le folk rocker Willie Nile dans un article du New York Post en 2010, « Ils jouent encore. Évidemment, ce n’est plus les années 60, 70 ou 80, mais la gloire est toujours là. »

The Beach Boys

Les Beach Boys, avec leurs sourires radieux, leurs uniforms éclatants et leurs coupes de cheveux sans histoires, semblent incarner la joie et l’insouciance à travers des mélodies accrocheuses telles que « Good Vibrations » et « Surfin’ USA ». Cependant, derrière cette façade lumineuse se cachent des récits de conflits personnels, de tragédies et d’une santé mentale tumultueuse, notamment celle de leur leader Brian Wilson, dont l’histoire est trop complexe pour être entièrement développée ici.

Comme le souligne Lindsey Buckingham, le chanteur de Fleetwood Mac, dans Rolling Stone, l’héritage des Beach Boys réside dans la magie de leur musique. Buckingham se souvient avoir entendu « Surfin’ Safari » pour la première fois en classe de sixième, ressentant la joie et l’énergie explosive du rock and roll qui a marqué une génération. Cette chanson, comme tant d’autres du groupe, est capable de provoquer une réaction presque chimique chez l’auditeur, remplissant son esprit d’une sensation de bonheur inégalée.

Écouter une chanson des Beach Boys, c’est être transporté instantanément, peu importe le lieu : que vous soyez dans un bus, au bureau ou coincé dans un embouteillage. Lorsque les harmonies de leur album emblématique Pet Sounds résonnent, c’est comme si l’on se retrouvait à rouler le long des côtes de Californie, les fenêtres ouvertes et les bras au vent. Cette capacité unique à émerveiller, à émouvoir, c’est la véritable puissance de la musique.

The Jimi Hendrix Experience

Peu de musiciens dans l’histoire ont transformé la manière de jouer d’un instrument comme Jimi Hendrix, dont le nom est associé à l’« Experience ». À son arrivée, la guitare était principalement jouée avec peu de distorsion et des solos simples. Hendrix a redéfini son utilisation, déverrouillant des formes inédites de jeu, et devenant sans conteste l’un des premiers vrais héros de la guitare.

Comme le souligne Tom Morello de Rage Against The Machine, il semblait accomplir tout cela sans effort. Jouer de la guitare paraissait aussi naturel à Hendrix que de respirer ou parler. Il a expérimenté la distorsion, le shredding, les barres vibrantes et un ton funky d’une manière psychédélique qui a révolutionné la musique. Sa performance lors du festival de Woodstock reste une légende du rock n’ roll.

Cependant, Glider Magazine affirme que l’influence du virtuose s’étend bien au-delà de la guitare, touchant des genres allant du funk au grunge de Seattle des années 90, voire à la musique hip hop, grâce à ses samples et références lyriques. Il en ressort que le meilleur moyen de laisser un héritage immortel n’est pas seulement de composer de la musique écoutée encore des années plus tard, mais d’influencer d’innombrables autres artistes, à travers plusieurs genres, qui porteront vos idées et votre esprit créatif vers de nouvelles générations.

Bob Dylan

Robbie Robertson, dans un article pour Rolling Stone, a souligné que Bob Dylan n’a jamais cherché à devenir plus qu’un bon auteur-compositeur. Malgré son impact indéniable sur la culture et la société, Dylan reste focalisé sur sa passion : écrire de bonnes chansons. Ce simple désir a permis à sa carrière de prospérer au fil des décennies. En effet, à travers ses écrits, il a changé le monde, devenant l’une des figures les plus marquantes de l’histoire de la culture pop.

Il est intéressant de noter que Dylan a plutôt passé du temps avec des poètes qu’avec d’autres musiciens, une indication de sa vision artistique unique. En 2016, il a d’ailleurs remporté le prix Nobel, non pas pour sa musique, mais pour ses contributions à la littérature. Cette reconnaissance d’un artiste souvent décrit comme un poète qui chante ses mots montre à quel point son influence dépasse le simple cadre musical.

Les photos du célèbre chanteur folk-rock, souvent le montrant avec une expression austère, révèlent une singularité : il semble toujours plongé dans ses pensées, comme en témoigne son indifférence à certaines annonces importantes, dont celle de sa victoire au Nobel. Une attitude qui renforce l’idée que, tout en évoluant dans l’industrie de la musique, il reste profondément absorbé par son art.

The Rolling Stones

Il est souvent dit que les groupes de rock classiques ont trouvé leurs racines stylistiques dans le blues. Les Rolling Stones, bien sûr, en font partie. Selon U Discover Music, le blues est si ancré dans leur ADN sonore qu’ils ont même emprunté leur nom à une chanson de Muddy Waters. Par la suite, ils ont réussi à populariser ce genre musical auprès d’un public plus large.

Cependant, l’influence des Rolling Stones ne s’arrête pas là. Leurs chansons, telles que « Satisfaction », « Paint It Black », « Get Off Of My Cloud », « Sympathy For The Devil », « You Can’t Always Get What You Want », et « Jumpin’ Jack Flash », sont des succès intemporels et restent parmi les airs les plus diffusés sur les ondes classiques du rock. Ils ont également créé des couvertures d’albums emblématiques et ont influencé la mode, jouant un rôle majeur dans le remplacement du look sobre des artistes des années 50 par des cheveux plus longs et des couleurs plus vives, souvent associés aux rockstars.

Il convient de mentionner qu’un récent sondage, selon The Independent, a révélé que leur logo « langue et lèvres » avait battu le swoosh de Nike et le symbole de Batman pour devenir le logo de T-shirt le plus emblématique de tous les temps.

Mais peut-être que le plus grand héritage des Stones dans le monde du rock réside dans leur attitude. Mick Jagger et Keith Richards incarnent toujours l’esprit rebelle et provocateur du rock ‘n’ roll, ayant réussi à survivre suffisamment longtemps pour devenir des figures respectées du genre.

The Beatles

Il n’est même pas besoin de le dire. Les Beatles ne sont pas seulement le plus grand groupe des années 60, mais ils figurent également parmi les artistes musicaux les plus importants de tous les temps. Selon Rolling Stone, leur position en tête de liste est incontestable.

Elvis Costello a eu l’honneur de rédiger une entrée pour eux. « Chaque disque était une surprise à sa sortie, » a-t-il déclaré, soulignant que les albums des Beatles avaient tendance à redéfinir ce qui était même possible en musique, une affirmation que soutient également un autre article de Rolling Stone. « Ils ont fait de l’écriture de son propre matériel une attente, plutôt qu’une exception. » Ce groupe semblait conscient de sa fugacité et s’est donc lancé dans une révolution musicale en quelques années seulement à la fin des années 60.

Étonnamment, ils ne donnaient même plus de concerts pendant une bonne partie de cette période très courte. NME rapporte qu’ils ont arrêté de jouer en live bien avant leur séparation, car les foules couvraient leur jeu. Elvis Costello ajoute qu’aujourd’hui encore, lorsqu’il a vu Paul McCartney interpréter des succès des Beatles toutes ces années plus tard, « la réaction du public était si intense qu’elle noyait presque la chanson. C’était très excitant mais aussi plutôt déconcertant… Les chansons n’étaient plus à eux. Elles appartenaient à tout le monde. »