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Dans les années 60, des groupes emblématiques tels que The Beatles, The Rolling Stones et les Beach Boys ont révolutionné la musique et la culture. Cependant, la dissolution des Beatles, accompagnée des décès tragiques de rockeurs comme Janis Joplin, Jimi Hendrix et Jim Morrison, a considérablement réduit le vivier de talents à l’aube de la décennie suivante. Il est devenu évident que de nouveaux visages et de nouveaux sons devaient émerger pour perpétuer l’héritage dans une ère qui s’annonçait dominée par la dance-pop, le disco et les ballades acoustiques. Heureusement, le développement de l’industrie radio, intégrant pour la première fois les postes de radio dans les voitures et les stations FM dédiées au rock, a permis l’émergence de nouveaux modèles économiques et une explosion de genres musicaux. Les années 70 allaient produire certains des groupes de rock les plus influents.
Les artistes présents dans cette liste sont les plus grands et les meilleurs ; ceux qui continuent de dominer les ondes terrestres de rock classique à ce jour et qui ont influencé d’innombrables artistes suivant leurs traces gigantesques. D’Aerosmith à Eagles, en passant par The Ramones, Queen et David Bowie, voici les groupes de rock incontournables des années 70.
KISS
KISS, ces rockeurs au maquillage flamboyant, sont autant une marque qu’un groupe musical. Originaires de New York, cette formation emblématique a été co-dirigée par le bassiste « Demon », Gene Simmons, et le guitariste rythmique « Starchild », Paul Stanley. Selon des sources, KISS a su porter son image unique sur une multitude de produits, allant des caméras aux saucisses barbecue, en passant par des peluches et même des cercueils. D’un côté, ce type de commercialisme à outrance semble trahir le cœur rebelle du rock and roll. D’un autre, ils ont peut-être simplement révélé la réalité du divertissement : il s’agit avant tout d’une affaire.
Il n’y a pas d’intérêt à composer de magnifiques morceaux des années 70 comme « Rock and Roll All Night », « Love Gun » ou « Detroit Rock City » si l’on n’a aucune idée de leur mise en marché. Pourtant, comme le souligne un médias, KISS n’est pas une simple escroquerie. Ce sont des musiciens sérieux, investissant énormément dans leurs performances live. Ils ne se contentent sûrement pas d’une scène ordinaire avec des guitares acoustiques. Leurs spectacles sont de véritables événements, explosifs, intégrant feux, lasers, fumée et un logo géant illuminé, tous aspects théâtraux qui font leur renommée.
KISS, avec son style burlesque, n’a rien de fondamental à communiquer, si ce n’est le plaisir brut et absurde du rock ‘n’ roll. Et des décennies plus tard, cela reste exactement ce que leurs fans souhaitent.
AC/DC
AC/DC est incontestablement un groupe emblématique qui a su tirer le meilleur parti d’une recette sonore minimaliste. Chaque album, avec ses voix rauques, ses rythmes en 4/4 et ses riffs saturés, est caractéristique du style énergique du guitariste Angus Young, souvent reconnu pour sa démarche de canard et son uniforme d’écolier. Ce dernier n’a pas caché cette uniformité, se moquant des critiques qui disputaient à leur musique un manque de diversité. Il a même déclaré avec humour qu’ils avaient créé onze albums qui, tous, se ressemblent.
Cette singularité est, en fait, le secret de leur succès. Comme l’a noté Ruth Blatt dans un article du Forbes, cette constance, couplée à une résistance fanatique à toute tendance musicale passagère, a propulsé leur ascension fulgurante sur la scène rock.
Leur succès a toutefois été mis à l’épreuve par la mort tragique de leur chanteur emblématique, Bon Scott, décédé d’une intoxication à l’alcool en février 1980. Avec lui, le groupe avait produit des titres marquants tels que « Dirty Deeds Done Dirt Cheap » et « High Voltage ». Après une période de deuil, AC/DC a fait appel à Brian Johnson, un chanteur au ton similaire, pour assurer la relève. Ce changement les a propulsés vers des sommets encore plus élevés, comme en témoigne leur album mythique de 1980, « Back In Black », considéré comme le plus gros succès album de l’histoire du rock.
Fleetwood Mac
Ce que Fleetwood Mac manquait en termes de scandales liés à la vie de groupe, ils le compensaient par des turbulences romantiques et des conflits internes apparemment sans fin pendant cette décennie. Stevie Nicks et Lindsey Buckingham, qui avaient rejoint le groupe en couple, venaient de se séparer après une relation tumultueuse. Néanmoins, en tant que membres clés d’un groupe à succès, « pas de contact » n’était pas une option. Christine et John McVie, quant à eux, annonçaient également la fin de leur union, alors que Mick Fleetwood, le nom emblématique du groupe, traversait un divorce, mais chanceux, sa femme n’était pas membre du groupe.
Toutefois, cette douleur engendra une grande œuvre. Le groupe canalisa tout ce chagrin dans l’album « Rumours » sorti en 1977, qui, grâce à des succès retentissants comme « Go Your Own Way, » « Dreams, » et « Don’t Stop, » devint l’un des albums les plus vendus et célébrés de la décennie. Comme le souligne Cool Accidents, cet album continue d’influencer des artistes contemporains, tels que Lorde, Florence + The Machine et Grimes.
Comme le fait remarquer Britannica, la carrière du groupe après « Rumours » fut relativement chaotique. Les mêmes tensions internes qui avaient permis la création de l’album rendirent leur collaboration très difficile par la suite. Dans les années 80, les membres du groupe prirent des chemins séparés (Nicks étant indéniablement la star solo la plus réussie), et ils n’ont concerté, enregistré, et tourné que sporadiquement au fil des décennies. « Rumours » fut incontestablement leur sommet. Mais quel sommet c’était ! Peu d’artistes ont su composer des morceaux qui touchent encore tant d’âmes toutes ces années plus tard.
Aerosmith
Aerosmith, véritable icône du rock, a connu une ascension fulgurante au cours des années 70, portée par son charismatique chanteur Steven Tyler et son virtuose guitariste Joe Perry. Le groupe, surnommé les « Bad Boys de Boston », a rencontré un immense succès grâce à des titres marquants tels que « Sweet Emotion », « Dream On » et « Walk This Way », qui allient hard rock et influences blues.
Cependant, derrière cette gloire se cachait une réalité tumultueuse. Les tournées incessantes, les conflits d’ego et un style de vie hédoniste ont mis à rude épreuve l’harmonie du groupe. À la fin de la décennie, Perry avait quitté le groupe, entraînant une série d’albums décevants et des moments tragiques, dont des overdoses et un accident de moto qui a immobilisé Tyler pendant plusieurs mois.
Après une période sombre, Aerosmith a réussi à se reconstruire. À la fin des années 80, le groupe a effectué un retour fracassant avec des albums à succès comme « Permanent Vacation » et « Pump ». Leur collaboration avec les superstars du hip-hop Run DMC les a placés en première ligne de la musique pop, ouvrant la voie à un nouvel âge d’or dans les années 90. Avec l’album « Get A Grip », riche en singles à succès, Aerosmith a su conquérir de nouveaux sommets. Aujourd’hui, ils sont perçus comme l’un des plus grands triomphes de l’histoire du rock, une véritable légende musicale.
David Bowie
Dans les années 70, David Bowie incarnait tour à tour plusieurs personnages iconiques, le plus célèbre étant Ziggy Stardust, comme le montre son album de 1972, « Ziggy Stardust and the Spiders From Mars ». Ce personnage évoluait vers une version plus dure avec Aladdin Sane, présent sur l’album éponyme de 1973. En 1974, il présente Halloween Jack dans « Diamond Dogs », une variante de Stardust adaptée à des thèmes dystopiques. L’année 1976 le voit adopter le personnage du Thin White Duke, une figure plus sinistre mentionnée dans la chanson titre de l’album « Station to Station ». Finalement, il a élaboré le personnage du Blind Prophet, apparu dans ses œuvres précédant sa mort en 2016.
Bien que ces changements de style puissent donner l’impression d’une indécision, chaque persona représente un moment précis de sa carrière. David Bowie a laissé une empreinte indélébile avant de faire évoluer ses personnages. Selon Billboard, il est considéré comme « la rock star la plus influente », grâce à son impact transcendant les genres musicaux.
Son influence est massive, comme le prouve le succès de titres tels que « Space Oddity », « Ashes to Ashes » et « Rebel Rebel », qui ont marqué des genres allant du glam au grunge, en passant par l’indie et l’électronique, tout en inspirant ceux qui rêvent de performances audacieuses, d’art scénique et d’exploration créative.
The Eagles
Il ne fait aucun doute que les États-Unis ont produit de nombreux groupes de rock célèbres, mais les Eagles occupent une place de choix parmi eux. Plongeons dans quelques chiffres. Leur album de 1976, Hotel California, qui contient des titres emblématiques comme « Hotel California », « Life In The Fast Lane » et « New Kid In Town », a atteint un incroyable niveau de 26 fois platine. Mais ce n’est pas même leur plus grand succès. En 2018, leur compilation Their Greatest Hits 1971-1975 a surpassé l’album Thriller de Michael Jackson en se vendant à 33 fois platine, avec 38 millions d’exemplaires écoulés.
Un tel succès soulève la question : qu’est-ce qui les rend si populaires ? Selon des analyses, leur maîtrise du rock et leur capacité à offrir aux fans ce qu’ils souhaitent pourraient être des clés de leur succès. Don Henley, membre de longue date, a évoqué la critique qu’ils ont reçue, en affirmant que, contrairement à d’autres qui privilégient le côté brut et spontané, ils ont toujours cherché à maintenir des performances serrées et fidèles à l’album, ce que leurs fans ont apprécié.
Pour ceux qui en doutent, il suffit de les voir en répétition pour constater leur talent, notamment dans leur magnifique interprétation des harmonies multicanaux sur la reprise de « Seven Bridges Road » de Steve Young.
Pink Floyd
Peut-être est-ce la nature onirique de leurs chansons, que le Rock and Roll Hall of Fame décrit comme variant du space rock au psychédélisme, en passant par le rock progressif. Peut-être est-ce le succès immense qu’ils ont connu, avec deux de leurs albums, *The Dark Side of the Moon* de 1973 et *The Wall* de 1979, parmi les plus vendus de l’histoire de la musique. Ou bien il s’agit de l’incroyable spectacle de leurs performances légendaires — d’autant plus que personne à l’époque n’essayait de faire ce qu’ils faisaient. Quoi qu’il en soit, Pink Floyd occupe une place unique dans les annales du rock classique, où leurs mélodies semblent presque transcender le genre lui-même, les rendant ainsi vénérées.
Mais peut-être que le terme « intemporel » est celui qui s’impose ici. En effet, de nombreux artistes, comme Miley Cyrus, ont ravivé l’intérêt pour *Wish You Were Here*, ce qui a propulsé le morceau vers le sommet des charts Billboard. Par ailleurs, le film *Dune* a également incité les fans à redécouvrir *Eclipse*, la piste de clôture de *The Dark Side of the Moon*.
Le magazine Far Out évoque également la longue rivalité entre les anciens co-leaders David Gilmour et Roger Waters. Bien que cela fasse partie de l’histoire mouvementée des titres emblématiques comme *Comfortably Numb*, *Money*, et *Another Brick In The Wall*, cet aspect difficile ne parvient pas à diminuer l’héritage musical puissant et transcendant du groupe.
Queen
De nombreux groupes de rock classiques ont vu leur popularité perdurer bien au-delà de leur apogée, mais il semble que la nostalgie joue un rôle moins important dans l’engouement mondial pour les légendes britanniques du rock-opéra, Queen. Plusieurs facteurs expliquent pourquoi des titres emblématiques comme « Bohemian Rhapsody », « We Will Rock You », « Somebody to Love » et « Under Pressure » restent populaires des décennies après leur sortie dans les années 70 et 80.
Avant tout, il y a le talent musical quasi inégalé des quatre membres. John Deacon et Roger Taylor forment l’une des meilleures sections rythmiques de tous les temps, tandis que le virtuose de la guitare, Brian May, aurait été la star de n’importe quel groupe qui n’inclurait pas Freddie Mercury. La voix puissamment incroyable de Mercury, combinée à son aptitude presque surnaturelle à contrôler une foule, même à travers des échauffements vocaux apparemment innocents, évoque presque de la magie.
Il est souvent mentionné que l’influence titanesque de la bande est probablement seconde seulement à celle des Beatles, faisant de Queen l’un des plus grands groupes de rock ‘n’ roll de tous les temps. Cependant, ce n’est pas seulement le nombre d’artistes qui citent Queen comme influence qui compte, mais aussi la variété. Des artistes divers allant de Katy Perry à Rob Zombie, en passant par Faith Hill, Mastodon et Muse, se sont inspirés de la vaste étendue de talents que le groupe représentait.
The Ramones
Tommy, Johnny, Dee Dee et Joey Ramone ne sont peut-être pas les musiciens les plus virtuoses de l’histoire du rock, mais ces « garçons en cuir » à la coupe ébouriffée ont su infuser leur musique d’une attitude et d’une énergie sans pareilles en un temps record. Leur premier album éponyme, sorti en 1976, comprend des titres emblématiques tels que « I Wanna Be Your Boyfriend », « Beat On The Brat » et « Teenage Lobotomy ». La durée du morceau le plus long de cet album est de seulement 2 minutes et 35 secondes, tandis que le tube phare « Blitzkrieg Bop », avec son fameux refrain « Hey! Ho! Let’s go! », ne dure que 2 minutes et 12 secondes.
En à peine une demi-heure, cet album vous plonge dans l’univers brut et sans compromis des Ramones, qui se présentèrent avec une simplicité déconcertante et n’hésitèrent pas à quitter la scène avant que leur présence ne devienne redondante. C’est cette essence même du punk qui inscrit les Ramones comme l’un des groupes les plus influents de ce genre musical. Leur impact va bien au-delà de leurs chiffres de vente ; l’album « The Ramones » n’a été certifié disque d’or qu’au XXIe siècle, illustrant comment leur influence a largement dépassé leur succès commercial. Si ces artistes n’avaient pas été là, il n’y aurait probablement pas eu de Sex Pistols, de Clash, de Black Flag, de Green Day, d’Offspring, ni de Blink-182. Qui souhaiterait vivre dans un monde aussi inoffensif et sans joie ?
Black Sabbath
La légende de Black Sabbath commence avec Tony Iommi, le guitariste du groupe, qui aurait accidentellement inventé le son de la guitare heavy metal. Alors qu’il travaillait dans une usine de métal en Angleterre, un accident lui fit perdre plusieurs bouts de doigts. « Je suis allé à l’hôpital, ils ont coupé les os et ensuite ils ont dit : ‘Vous pouvez aussi oublier de jouer’ », confiait Iommi à Loudwire. Refusant d’accepter cet avenir sans guitare, il trouva une solution.
Heureusement, Iommi n’a pas eu à renoncer à son instrument bien-aimé. En relâchant les cordes pour rendre le jeu plus confortable pour sa main blessée, il a créé un accordage plus grave et plus lourd qui allait devenir le son emblématique de Black Sabbath. Ses camarades de groupe, Ozzy Osbourne, Geezer Butler et Bill Ward, ont également joué un rôle essentiel dans cette évolution musicale.
Bien que leur album éponyme de 1970, « Black Sabbath », n’ait pas été acclamé par la critique à sa sortie, il a rencontré un succès commercial, ouvrant la voie à la domination du groupe sur la scène metal pendant la décennie suivante. Ce serait le point de départ de la carrière de nombreux groupes comme Judas Priest, Iron Maiden, Metallica, Pantera et Slipknot.
Fait surprenant, Louder souligne que le groupe a enregistré l’album en à peine huit heures. Cela force à se demander : combien d’efforts avez-vous fourni aujourd’hui ?
Led Zeppelin
Le groupe emblématique Led Zeppelin, composé du chanteur Robert Plant, du guitariste Jimmy Page, du bassiste John Paul Jones et du batteur John Bonham, a véritablement vu le jour dans les années 60, avec la sortie de leurs deux premiers albums, « Led Zeppelin » et « Led Zeppelin II », à la fin de cette décennie. Cependant, c’est incontestablement dans les années 70 que leur influence s’est affirmée. Leur style, tant musical que vestimentaire, a été si marquant qu’il a servi de référence pour de nombreux autres groupes, établissant ainsi un modèle du hard rock qui a duré deux décennies.
Leurs succès tels que « Stairway to Heaven », « Over The Hills and Far Away », « Black Dog » et « Whole Lotta Love » se sont nourris d’influences blues et folk, mais la véritable distinction de Led Zeppelin réside dans leur capacité à transformer ces styles traditionnels. Ils n’ont pas simplement refait des riffs basés sur des schémas connus ; ils ont plutôt utilisé ces racines musicales comme tremplins pour créer une toute nouvelle forme de songwriting rock.
Dave Grohl a déclaré à leur sujet dans Rolling Stone : « Ce n’était pas issu d’un recueil de chansons, ni d’un producteur ou d’un enseignant. C’était le fruit de quatre musiciens qui emmenaient la musique vers des horizons inexplorés — c’était comme si cela venait d’ailleurs. C’est pourquoi ils sont considérés comme le plus grand groupe de rock de tous les temps. »